eBook #10

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.

LAPOPLIFE

eBook #10 Copyright © 2015 por LAPOPLIFE.

Contenido

- LAPOPLIFE

- 1. Entrevista: Tove Styrke

- 2. Entrevista: Miranda! + Fangoria

- 3. Vennart

- 4. The Velvet Teen

- 5. Patio Solar

- 6. Kobra Kei

- 7. Bonaparte

- 8. Repomen

- 9. Nach

- 10. Melié

- 11. Buenos Aires Ciudad Sonora

- 12. Love A

- 13. Dead English Gentlemen

- 14. Tenemos Explosivos

- 15. El Pendejo

- 16. Nessi

- 17. Firesuite

- 18. Tortuganónima

- 19. Apolo Beat

- 20. Kante

- 21. Sheffield

- Copyright © 2014-2015, LAPOPLIFE

LAPOPLIFE

ebook #10
Junio 2015

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.

* Descárgalo y llévalo contigo para leer offline en cualquier momento.

1

Entrevista: Tove Styrke

CARLOS CELIS

Decir que en Suecia hacen muy buen pop ya es una obviedad. Desde ABBA en los setenta, Roxette en los ochenta, The Cardigans en los noventa o Miike Snow y Lykke Li en los dosmiles, las estrellas del pop sueco “están entre nosotros” y a veces ni cuenta nos damos.

Ahora, lo interesante es la asimilación. Los artistas escandinavos ya forman parte de nuestro ADN musical: suecos, noruegos y daneses, desde Röyksopp y Robyn hasta Elliphant y MØ, ya son una estirpe.

En medio de esta explosión llega Tove Styrke, la cantante originaria de Umeå, una ciudad al norte de Suecia enclavada a lo largo del río Ume, que dejó aquella población para perseguir su sueño de convertirse en una estrella pop y lo alcanzó como participante del reality “Swedish Idol” en 2009.

De hecho, “el término ‘Estrella pop’ es un concepto que cambia constantemente”, opina Tove. “Sobre todo en los últimos años, ha ido transformándose en algo que me parece muy interesante. La idea de lo que puedes ser cuando eres una estrella de pop ahora es más amplia. Artistas como Sia y Lorde hacen música cada vez más interesante y eso ayuda a crear un medio ambiente muy divertido en el cual trabajar”.

Aunque Tove Styrke no ganó aquel concurso de televisión, quedó en tercer lugar y eso le permitió grabar su álbum debut en 2010. Incluso, medios internacionales empezaron a nombrarla entre sus listas de música prometedora para los siguientes años. Sin embargo, es hasta ahora que Tove se está volviendo un nombre más familiar para un público más grande. “Me tomé un par de años, dejé Estocolmo y regresé a Umeå para tener tiempo para mí y explorar la música a mi manera”, comparte. “Luego volví con el EP Borderline y sentí como si volviera a comenzar. De alguna manera, mi nuevo álbum se siente como si fuera mi debut”.

Ahora Tove Styrke está presentando Kiddo (2015), y para ello contará con mucha más promoción que antes, incluso en México, donde ya se puede conseguir el álbum como descarga digital desde este mes. “Estoy muy contenta con este álbum, todo salió como yo esperaba. Ahora quiero que llegue a la mayor cantidad de gente posible, quiero viajar con él y poder conocer a tantos públicos tan diferentes. Sería increíble poder ir a México y saber qué es lo que la gente de allá encontró en mi música”.

Por último, Tove nos deja con otra reflexión sobre el a veces frívolo y muchas veces excitante, pero siempre cambiante mundo del pop: “Soy muy fan del internet. Nací en los noventa y crecí con él. Me fascina el hecho de que no te deja esconder tus huellas. Creo firmemente que ya es muy difícil para las grandes corporaciones, por ejemplo una disquera, decidir cómo va a ser un artista. Porque siempre que hagas música y tengas el internet, vas a ser tú quien decida cómo quieres ser. Ya es más directo y más transparente”.

Escucha su disco aquí:

–

2

Entrevista: Miranda! + Fangoria

REDACCIÓN

Después de platicar hace varios días con el cantante y líder de Nancys Rubias, atendimos a otra cita para platicar en persona con los integrantes de Fangoria y Miranda!, ya que las tres bandas se presentan este fin de semana y por partida doble (26 y 27 de junio) en el Teatro Metropolitan de la capital mexicana.

Como estas presentaciones están planteadas a manera de festival, los grupos involucrados mencionan que, a diferencia de sus presentaciones habituales donde suelen tocar las canciones del último disco, en este caso tocarán principalmente los éxitos de toda su discografía, como explicaron Alaska y Nacho Canut:

Igualmente, Ale Sergi y Juliana Gattas, de Miranda! confirmaron que para esta ocasión tocarán principalmente hits, y hablaron un poco más de lo que se puede esperar de estos recitales:

En la misma charla, los integrantes de Fangoria nos cuentan cómo es que algunas canciones pueden entrar o salir del repertorio de sus conciertos…

Para finalizar, los vocalistas de Miranda! nos comentan hacia dónde consideran que se ha dirigido su sonido en sus últimos discos:

–

3

Vennart

SAM VALDÉS

Justo ahora que el Corona Capital anda en boca de todos (nuevamente), me acuerdo que el año pasado estaba viendo a Biffy Clyro en el CC14. El show me encantó, pero de los cuatro pelados en el escenario, uno me causaba ruido. Los otros tres venían tal vikingos, sin camisa, barbudos y con barba, pero el cuarto miembro, con camisa azul, pelo corto canoso y unos movimientos muy conocidos, parecía estar fuera de lugar…  A la mitad de “Many of horror” me cayó el veinte: el encamisado era Mike Vennart, de Oceansize.

¿Quiénes son Oceansize? Era una de esas agrupaciones llamadas “bandas de bandas”. Eran de Manchester y tocaban una explosiva mezcla de space rock, progresivo y post metal. Tuvieron un público mediano bastante ferviente, pero sus fans más vocales siempre fueron otras bandas inglesas.

Después de que Oceansize implotó en 2011, Vennart se unió a Biffy Clyro durante sus giras mientras seguía trabajando en tener su propio sonido, un poco alejado de la explosiva actitud de Oceansize pero aún con esos tintes experimentales que le gustaban. El resultado se llama Vennart y es una mezcla de pop psicodélico con space rock. Los momentos hardcore del pasado ya solo son ecos y Vennart encuentra las ondas expansivas en las melodías, la melancolía y una voz que a veces parece perderse entre la música.

Operate (demo) by Mike Vennart

Gracias al apoyo de sus seguidores, Vennart logró financiar su disco solista, The Demon Joke, por medio del crowd funding. De este disco, que sale el 22 de junio, ya se desprendió el primer sencillo “Don’t forget the joker”, que es un tributo al comediante inglés Rik Mayall, fallecido en 2014 y que, al igual que Oceansize, fue alguien amado por los que eran sus fanáticos.

Vennart nunca será lo que Oceansize fue y eso es su mayor fuerza: una especie de borrón y cuenta nueva para un artista talentoso que tal vez ahora sea escuchado por una audiencia más grande.

–

4

The Velvet Teen

SERGIO BENITEZ

FOTO: Sara Sanger

El trío de indie-rock regresa luego de casi una década sin LP.

The Velvet Teen se dio a conocer a principios de la década pasada, luego de su formación en el año 2000, con Judah Nagler (voz, guitarra y teclados), Logan Whitehurst (batería y voz) Joshua Staples (bajo y voz), que fue el último en integrarse a la banda, un año después.

Luego de que firmaron con la disquera Slowdance Records, con la que publicaron su carta de presentación, Out Of The Fierce Parade, bajo la producción de Chris Walla, parecía que la banda había adquirido un buen ritmo de trabajo, ya que en solo dos años (entre 2004 y 2006), lanzaron otros dos discos y un EP.

Out of the Fierce Parade by The Velvet Teen

Sin embargo, hasta 2010 publicaron otro mini álbum (No Star) y después ya no se supo muchos de ellos. La buena noticia es que, a nueve años de su último disco largo, la banda de Santa Rosa, California regresa este verano con un nuevo material de estudio que se titulará All Is Illusory.

El disco completo verá la luz el 30 de junio, pero ya se puede escuchar su primer adelanto, “The Giving In”:

–

5

Patio Solar

CRISTHIAN SILIS

Cada vez es más común ver el nombre de esta banda entre las nuevas promesas de la música chilena.

Ellos son originarios de La Florida, en Santiago, e iniciaron por ahí del 2013 con dos grabaciones un tanto caseras: Patio Solar y Driminsún, en las que van mostrando por donde va su sonido, que es una especie de pop fino aderezado con algo de dream pop, shoegaze y toques lo-fi.

En 2015 lanzan su primer disco con largo con 9 temas, llamado Temporada, donde ya se nota un sonido más maduro, aunque no deja de tener esos rasgos caseros que los definen, y un elemento que la misma banda ha declarado que les gusta como sello distintivo.

Temporada by Patio Solar

De este álbum destacan canciones como: “Costanera” que tiene un final magistral; “Pintura”, que fuera el sencillo elegido para promocionar este material, y la instrumental “Paseo”, con un claro aire andino, además de “Destellos de algo”, que es ese tipo de balada que también puede convertirse en un hit.

Actualmente la banda está tocando muy seguido, por lo que no dudaríamos que pronto estén en boca de más personas. Así que no pierdas más tiempo y descubre a la que podría convertirse en tu nueva banda favorita.

–

6

Kobra Kei

NICOLÁS GONZALEZ

A ver… este reporte es producto de la ansiedad. Esa ansiedad que sentimos cuando escuchamos algo genial y enseguida queremos decirle a un carnal: “Oiga, bro… tiene que escuchar esto. No sé quién es, ni de dónde salió. Ni siquiera sé muy bien qué es. Pero tiene que escucharlo”.

“Vamos a sacar un disco dentro de poco” me dice la Kobra. Yo por dentro voy calculando, en tiempo de artistas “dentro de poco” pueden ser quince días, seis meses o un año, con lo cual de inmediato empiezo a idear la forma de convencer al editor de LAPOPLIFE de que, aún teniendo solamente un EP de cuatro temas y un par de singles, debíamos hacer este reporte de La Kobra Kei. Le mentí. Le solté un “hay más temas en Soundcloud”. Y hasta fui más lejos: “creo que en Spotify hay un disco”. Pero fue por ansiedad. Esa que sentimos cuando… eso.

Detrás de la Kobra hay un universo en construcción. Ya eso de movida me parece atrapante: No es solamente un grupo que hace canciones y toca. Existe en ellas una doble intención disimulada, que es la que permite que tomen visibilidad elementos, situaciones y motivos que normalmente se encuentran en los márgenes, en ese territorio al que le dicen “under”.

Las hermanas Blancanieves y Dulcinea Damevin se nutren de ahí: de la noche, de La Pirámide, de los freaks que andan dando vuelta, del re-boom de los noventas. Y con eso trabajan. Blancanieves rapea a fuego, y Dulcinea tira pistas y se encarga de las teclas. Suman las nuevas tendencias, el drum & bass y por supuesto coquetean con el reggaeton y la cumbia. Si lo ponen en una fiesta, estalla.

Kobra Kei – Playa

Pero lo atrapante del dueto es cómo trabaja en la creación de su universo. La manera en la que viene construyendo el “relato” de lo que es Kobra Kei en sí.

Con internet como aliada número uno, la Kobra viene implementando una estrategia sumamente eficaz, la cual le ha permitido diseminar su acotado pero poderoso material. Como todo, eso tiene sus cosas buenas y sus cosas malas, ya que con el aumento de las reproducciones aparecen nuevos fans, pero también nuevos haters.

Supongo que como en todas las escenas, en la argentina el hater es un personaje bien conocido, mezcla del que “lo escuchó primero” con el que “le gusta lo de antes porque lo de ahora ya es comercial”. Seguramente primo de “yo toco mejor”. Sin embargo en el caso de los odiadores de Kobra Kei, el fenómeno alcanza niveles incluso (¿pseudo?) filosóficos.

Ese fue el caso del “crítico” de arte Rodrigo Cañete, un controvertido personaje, ex funcionario durante la presidencia de Eduardo Duhalde (“el que depositó dólares, recibirá dólares”) que desde hace unos años dirige desde Londres el blog loveartnotpeople (LANP).

El odio visceral que Kobra Kei despertó en el perfomer/blogger lo llevó a dedicarle reiteradas publicaciones en el blog, argumentando sobre el grado de autenticidad de la Kobra, o incluso llegando a publicar que “luego de tres videos kobra kei no logra convencerme de que es capaz de llegar al orgasmo”. Está más que claro que, como crítico de rock, Cañete es un excelente cerrajero.

Kobra Kei lo tiene todo: la actitud, la frescura, el bagaje de información necesario y, como si fuera poco, manejan unos beats a prueba de hombres blancos que no saben bailar. Las acusaciones de que las hermanas Damevin pueden ser tan vacías como un globo de chicle rosa me parece que no se condicen con el material que tienen entre manos. Además, detrás del sonido de Kobra Kei hay un experto: Ezequiel Araujo (El Otro Yo), quien fue el encargado de la producción de todos los singles que lanzaron hasta el momento, y también el responsable de esa tarea en el disco que están preparando para este año.

Kobra Kei, internet, redes sociales, bloggers, mala/buena publicidad, pornografía post internet, lolitas japonesas, electropunk y tecnopop. Todo se mezcla en el fenómeno Kobra Kei, y creo que es por esa condición transmedia que el fenómeno se hace cada día más grande.

No tengo duda de que en breve pisarán suelo mexicano. Y tampoco dudo que van a gozar.

Kobra Key – Romantik (EP, 2014)

–

7

Bonaparte

LIDIA LEIVA

El fin de semana pasado asistí al directo de los estrambóticos Bonaparte, banda que nos mantuvo asombrados gracias a sus interpretaciones un tanto grotescas y eróticas, donde se plasman la locura y la provocación desmesurada, tendiendo hacia la transgresión.

Bonaparte es una de esas bandas independientes que rompen los cánones del punk comercial y que se extienden hacia un punk más rústico y de estar por casa, o como lo llaman ellos: visual trash punk, debido a los pobres recursos de grabación que utilizan para conseguir un sonido un tanto ambiguo, pero también por sus influencias de la música electrónica y sus letras hedonistas.

La banda encabezada por Tobias Jundt, es de las formaciones alemanas más prometedoras que vimos en el festival Rockavaria 2015, aunque ya de antes les seguíamos la pista gracias a su último álbum homónimo Bonaparte (2014) y por algunos premios que se les han otorgado en su corta carrera.

En ese tiempo fue cuando emprendieron su camino con el primer single “Too much”, y a partir de ahí lanzaron otros como “Fly a plane into me” en 2010. Los últimos meses la agrupación ha trabajado también para la banda sonora de la película alemana Becks, letzter Sommer, que será estrenada en julio de 2015.

En los que se refiere a presentaciones, este verano el grupo berlinés se presentará en otros festivales de Centro Europa como el Sonisphere, de Biel (Suiza) o el Kultursommer Festival Conrads Ohm, en la ciudad de Dornbirn (Austria).

–

8

Repomen

SAM VALDÉS

Muy de niño, cuando pasaba meses en Tampico, me la vivía sentado viendo películas que no llegaban a México, gracias a un pariente que tenía antena parabólica. Y de las muchas cintas raras, Repo Man, una extraña crítica/alabanza al movimiento punk, era la mejor.

La trama gira alrededor de un vehículo que se va a embargar y que puede contener: una bomba de neutrones, cadáveres de extraterrestres o una máquina del tiempo. Suena disparatado, pero funciona como película y el soundtrack es un quién es quién de música punk. No queda duda de que influenció a muchos jóvenes a seguir el modelo musical y actitud de la cinta y de las bandas del soundtrack.

A finales de los ochentas, en Inglaterra la escena de Madchester estaba en su apogeo. Post-punk, electrónica y la cultura “baggy” eran la moda. Y en ese coctel de rarezas surge una banda llamada Repomen, influenciados altamente por la película de culto pero también por el sonido de Manchester. Los oriundos de Sheffield tomaron los elementos que más les apetecían y crearon un sonido que mezclaba la energía de The Buzzcocks con la añoranza de Shakespeare’s Sister; el sonido college rock de Violent Femmes con la excentricidad pop de The Go-Betweens.

Songs they never play on the radio LP by RepoMen

Uno podría pensar que Repomen se convirtieron en una fuerza en Sheffield, pero eso nunca sucedió. EPs, discos, tocadas, giras, nada de eso logró que la banda rompiera esa barrera a veces impenetrable entre banda local y sensación nacional (o mundial). Pero eso tampoco los ha detenido en su trayectoria de más de veinte años…

Sí, no los encontrarás en NME, pero la gente que los ha seguido desde el principio jamás los ha abandonado y a pesar de algunos cambios ligeros en el sonido para mantenerlo fresco, cada vez que Repomen toca en vivo, el sonido punk y baggy regresa al escenario. Bien podrías ver al fantasma de Tony Wilson bebiendo ginebra a un costado del escenario, si esfuerzas la mirada.

Un disco retrospectivo, titulado irónicamente Ocassional Sensations, y una constante entrega de EPs con temas de conciencia social, política y estrellas de cine hacen que esta banda algo único. Quizá estén destinados a nunca ser famosos, como la película de ciencia ficción punk que los inspiró, pero saben que la vida es el trayecto, no el destino, y que ese trayecto siempre será intenso.

I’m Only Doing This Because I Like Your Robot by RepoMen

–

9

Nach

SAM VALDÉS

En momentos en los que el rap en español tiene tanta fuerza, es necesario hablar con la gente que fue pionera del movimiento. Nach, de Alicante, empezó en el género en los noventas y con casi dos décadas de trabajo, LAPOPLIFE me envió a platicar con él.

También estaban presentes DJ Joaking (samples, scratches) y Tron Dosh (coros). Con Joaking ha trabajado desde el ‘99 y con Tron Dosh lleva apenas un año. ¿Requisitos para trabajar con Nach? “Ser profesionales y buenas personas”, me dice Nach.

Cada uno tuvo un acercamiento distinto al rap, un género que tardó en llegar al público hispanoparlante. Tron Dosh empezó bailando breakdance, lo que fue adentrándolo a la cultura, encontrando algo que lo llenaba y le ayudaba a expresarse. Joaking también fue atraído por el breakdance, pero fue en realidad la música techno lo que lo hizo decidir por su carrera. “Como pinchadiscos entré por la música techno. Escuchando las cintas de las sesiones de las discotecas a las que iba, me fijaba en como la canción entraba, el empujoncito para cuadrar la mezcla y empecé a imaginar cómo hacerlo y eso me fascinaba. Pensé: ‘¡Yo quiero pinchar música!’”

Nach recuerda que por sus hermanos mayores escuchó a Lionel Richie, Sam Cooke, Supertramp y The Eagles, pero que fue realmente una canción específica la que lo marcó. “Escuché una canción de Ghetto Boys, “Momma is playin’ tricks on me”, y me dije ‘esto es brutal’ y escuché más rap. Por ahí del 92 o 93, llegó Wu Tang Clan, Onyx, Das EFX y fue cuando supe que quería rapear”.

Entonces le pregunto a Nach sobre su amor a la poesía. “Leo poesía como cualquier persona, me llena y me divierte. Hay un autor mexicano, David Mesa, cuyo se llama El Sueño de Vishnú, que es muy interesante. Todo lo que me llega lo leo, descarto lo que no me llena. Cosas clásicas y cosas underground como lo que pasa en Madrid y Alicante”. Cuando le pregunto si va a slams de poesía, me responde que en Alicante casi no hay, pero que tal vez empiecen eventos cuando el tiempo les permita.

Es evidente el amor a la poesía en las letras de Nach. Los Viajes Inmóviles (2014) fue una carta de amor a su pasión, sin perder el rumbo como rapero. “Yo siempre he hecho rap y el rap siempre ha sido mi camino”. La experiencia de Los Viajes Inmóviles le ayudó a hacer un disco mucho más personal en su siguiente disco, A través de mí (2015). “Es un disco más introspectivo, donde invito a la gente a viajar por ese mapa emocional que soy yo, que es a veces complejo. Hay temas que tienen que ver con otras partes del cuerpo, ya no solo el corazón; cosas cerebrales como “Abrázate” o viscerales como la guerra; es como hacer un mapa de tu vida a través de tu ser”.

Un tema particularmente fuerte en A través de mí es “Urbanología”, del que comenta: “Fue un proceso complicado por ser un tema de ocho minutos. Siempre escribo frases en libretas y en el celular. A veces son frases aisladas y pensamientos que tienen que ver con lo que soy. “Urbanalogía” habla de vivir en una ciudad y de las reflexiones que uno tiene al vivir en ella”.

Sobre el proceso de grabación de “Urbanología”, Nach cuenta que “fue complicada escribirla porque no lograba la estructura que yo quería. Creativamente, es difícil cuando acabas algo y te das cuenta de que no es lo que querías y tienes que empezar desde cero y ese sufrimiento, el no conformarte y hacerlo de nuevo te inspira para hacer algo mejor”.

La terrible economía mundial también es ampliamente reflejada en la música de Nach. “A nivel cultural se nos están cortando muchas vías para poder pagar una deuda que tiene que ver con una historia a nivel global. A nivel cultural en España, en vez de abogar por la cultura para el crecimiento de la sociedad, se ha intentado frenar la cultura”.

El mundo moderno también fue inspiración. “Brainwash” tiene que ver con esa deseducación que nos ponen desde pequeñitos, para enfocarnos hacia la competitividad, el triunfo, a compararte con el resto en vez de compartir con el resto. Esto supone un estrés para el ser humano y yo no soy partidario de eso. Me gusta congeniar con la gente que es diferente y tratar de ser ellos mismos”.

Sobre la aceptación del rap en los medios de habla hispana, Nach es mucho más directo. “Cuando hay una tendencia nueva, siempre hay un poco de miedo y de reparo. Francia siempre fue más abierta y cuando entro el rap lo acogieron y se le dio un espacio, igual que en Alemania e Inglaterra. En España no y me daba mucha rabia. Demuestra mucho la capacidad cultural de un país, lo que sus medios dicen”.

Nach, Joaking y Tron Dosh me cuentan grandes cosas sobre el recibimiento que han tenido del público mexicano y antes de despedirnos les pregunto a quiénes escogerían para un festival de rap. Nach propone que cada quién escoja tres actos. “Por espectáculo a Snoop, a 2pac en holograma y al Army of the Pharaohs”. Tron propone a Jedi Mind Tricks, Jakwob y a su propio grupo, Versoterismo. Joaking piensa que añadiendo a Mos Def y Common quedaría perfecto.

Terminamos y le pregunto a Nach qué le diría a alguien que comienza en el rap. “Sé tú mismo y piensa en lo que quieras sacar de ti. No pienses en la fama, supérate a ti mismo”. Palabra.

–

10

Melié

CRISTHIAN SILIS

Con una atmósfera sombría y texturas que casi se pueden tocar, Melié llena los sentidos auditivos con su post rock lleno de ambientes y melodías pop.

Su historia discográfica nace en 2012, cuando lanzan el sencillo “Halcón Maltés”, aunque debutan hasta el año siguiente con el EP Compartir, en el cual ya se podía vislumbrar el camino que buscaba recorrer la agrupación de Santiago. De aquella grabación se desprendió también un disco de remixes realizados por José Pincheira, Diego Ridolfi (voz de Fármacos y productor del disco de Melié), Diego Behncke y La Dirección del Trabajo.

La banda siguió componiendo nuevo material, y que de hecho estrenaron un adelanto hace unas semanas, durante su presentación en el festival SXSW, de Austin, Texas. Actualmente ya se escucha por ahí “Vacío”, que es la carta de presentación de otro mini álbum, titulado Monomio. Una nueva colección de interesantes canciones que bien puedes escuchar con los ojos cerrados mientras te dejas llevar.

Por todo lo anterior, no dudamos que en un futuro se conviertan en otra de las cartas fuertes de la escena chilena de 2015, que no para de sorprendernos.

–

11

Buenos Aires Ciudad Sonora

NICOLÁS GONZALEZ

Se atribuye al escritor mexicano Carlos Fuentes la viralizada frase: “Los mexicanos descienden de los aztecas, los argentinos descienden de los barcos”, en alusión al impacto de la inmigración europea de finales del siglo XIX y principios del XX sobre la composición de la sociedad argentina.

Si bien el concepto es atractivo y por eso se viralizó, ya ha quedado demostrado que eso no es del todo cierto, por ejemplo a través de trabajos como el mini documental realizado por Milena Annecchiarico y producido por Lúdico Films: Los Argentinos también Descendemos de esos Barcos.

Quizá este incidente, esta ausencia de conocimiento sobre de dónde venimos los argentinos, sea la causa de que Argentina sea considerado (también) “el país del diván”. Hay un psicólogo por cada 650 habitantes en Argentina. Esto es tres veces más que en los “países desarrollados”, y constituye un récord mundial. Y eso no es nada. Si lo llevamos a la ciudad de Buenos Aires, obtenemos una media de un psicólogo cada 120 habitantes, superando incluso a Nueva York.

Todo esto viene a cuento porque vi el documental de Lucas García Monfort, Buenos Aires Ciudad Sonora, estrenado hace apenas unas semanas, que trata sobre la (re)construcción de la escena independiente argentina de los últimos años. Con un formato de entrevistas realizadas durante 2013 a grupos y sellos de la no-escena independiente de los últimos años, BA Ciudad Sonora es un documental de música sobre artistas que todavía están vivos, y eso ya de movida creo que merece ser celebrado.

Por el lado de los grupos participan Chancha Via Circuito, Catnapp, Dietrich, Nairobi y Mompox, mientras que por el lado discográfico aparecen los encargados de los sellos Estamos Felices, Sadness Discos y ZZK Records.

Si bien existe cierto acuerdo general sobre cuestiones básicas, como el trabajo en equipo y el existir por fuera de la industria, lo que se percibe en el documental es un alto grado de confusión (típica argentina) sobre lo que hay que hacer. Es como que todos los actores concuerdan en que “hay que unirse”, sin embargo, pese a casos aislados de algunos sellos que intentan realmente imponer la metodología del coworking, esto no se ve reflejado en la realidad cotidiana de la escena independiente, donde, tanto grupos, como sellos, trabajan de manera aislada unos de otros.

Si bien no es una muestra total de lo que es la movida actual, ya que existen muchísimos proyectos más y muchísimos sellos más, sin duda BACS es una propuesta muy recomendable para todos los interesados en conocer un poco más sobre los detalles de cómo se gesta una escena que aparece con fuerza, con gran capacidad técnica y un excelente sentido pop, pero que todavía debe superar varios obstáculos para lograr trascender sus fronteras, como ya lo hizo, por ejemplo, la escena chilena.

Ve el documental completo acá:

–

12

Love A

LIDIA LEIVA

De un tiempo a esta parte no he dejado de seguirle la pista a Love A, un cuarteto de Trier que en los últimos meses ha vuelto a los escenarios presentando su último disco Jagd und Hund. Tras un pequeño intervalo de silencio, el conjunto ha vuelto regenerado con una grabación donde se pone de manifiesto un indie pop muy bien definido.

Love A es una banda con influencias del punk comercial americano y de ahí su espíritu que recuerda al surf californiano que hemos visto extenderse en varios nuevos grupos alemanes. Se trata de una experiencia sonora que alberga texturas y colores azul, tirando a gris, sobre todo por la melancolía que transmiten sus letras.

Después de debutar en 2010 con el sencillo “LVCMD”, dos años más tarde ya comenzaban a subir escaños con su éxito “Valentintag”. Pero fue a raíz de sus primeros discos Eigentlich (2011) y Irgendwie (2013) que el grupo se convirtió en una de las referencias con mayor repercusión en el mundo del post-punk alemán.

–

13

Dead English Gentlemen

SAM VALDÉS

¿Hay segundas oportunidades en la vida de las bandas? Me atrevo a decir que sí cuando escucho a Dead English Gentlemen. La banda surge a partir de las sesiones Jammed Together organizadas en los famosos estudios 2Fly en Sheffield, donde 65daysofstatic ha grabado todos sus discos. Son sesiones donde músicos de distintas bandas se juntan para improvisar.

De una de esas sesiones, el guitarrista y cantante Rob Burras conoce a los hermanos Hall y con ellos logra lo que no pudo con su proyecto anterior, los infravaloradísimos The Hope Explosion. Dos guitarras, una batería y un sonido engañosamente rock que se expande a ritmos progresivos y de blues, Dead English Gentlemen se convierte en la primera banda del nuevo sello Jammed Together.

Su primer EP, We Don’t Tell Lies, we Just Keep Secrets, está conformado por seis tremendas canciones que capturan el destilado ambiental de The Hope Explosion y le añaden la fuerza de un rock influenciado por White Denim, Smashing Pumpkins y Jeff Buckley.

Después del éxito de su primer mini álbum, la banda ya está grabando un LP en Sheffield, con fecha de salida este año. Se extraña lo que pudo haber sido un concepto tan expansivo como The Hope Explosion, pero la tremenda energía que trae Dead English Gentlemen desvanece los recuerdos y los reemplaza por un futuro prometedor.

–

14

Tenemos Explosivos

CRISTHIAN SILIS

A veces la distancia hace que las bandas abandonen la nave y terminen diluyéndose, como le sucedió a esta banda de Santiago cuando su vocalista se fue a radicar a Alemania.

En ese momento, el futuro de este interesante proyecto se veía incierto luego que su álbum debut Derrumbe y Celebración (2012) fuera tan bien recibido por los medios anunciando un futuro muy prometedor. Pero ni la distancia pudo apagar a esta poderosa banda que recientemente lanzó La Virgen de los Mataderos.

La Virgen de los Mataderos by TenemosExplosivos

¿Pero de qué se trata? De un sonido potente y lleno de matices con cierta vena post hardcore y sampleos que dan como resultado un disco poderoso que retrata las injusticias que actualmente suceden en cualquier parte del mundo. Todo lo anterior con una instrumentación precisa y poderosa, llena de pasajes energéticos y voces que van de lo melódico a los gritos desgarradores.

Por cierto, la banda acaba de realizar su primera gira por Argentina, con lo cual se sigue incrementando su legión de seguidores, como se puede ver en sus redes sociales.

Tenemos Explosivos nos trae un gran material que, aunque tardó en salir a la calle, nos demostró que ni el tiempo ni la distancia pueden apagarlos.

–

15

El Pendejo

NICOLÁS GONZALEZ

Hoy les traigo a El Pendejo, un novísimo proyecto de la ciudad de Buenos Aires del cual me urge escribir porque ha editado En Punta, un disco altamente divertido.

Aparentemente ajeno al rock, y seguramente proveniente del “palo” del cine, El Pendejo entrega a través del sello RED un álbum que combina de manera sublime la electrónica, el pop de dormitorio y la psicodelia.

En Punta es un disco intenso, cargado de ironías y doble sentido, por momentos denso (en el buen sentido) y onírico, pero sin llegar a ser bucólico. Las texturas, los ambientes de fondo y la gran cantidad de capas que poseen los tracks generan un efecto hipnótico.

Un debut arriesgado, pero sin duda una clásica apuesta melerística. El álbum no solo fue editado por RED (el sello de Daniel Melero y su manager) sino que fue producido artísticamente por Yuliano Acri, mano derecha (e izquierda) de Melero desde hace varios años (musicalmente hablando), además de que fue postproducido y masterizado por el propio Melero.

El Pendejo – En Punta (RED, 2015)

En Punta by El Pendejo

–

16

Nessi

LIDIA LEIVA

FOTO: Facebook

Tras la ruptura de la banda Personenaufzug, Vanessa Schulz procedente de Hamburgo, comienza su camino en solitario en Berlín, entre las paredes de su habitación y con su guitarra a cuestas.

Así lo hizo con su autograbación, ya como Nessi, en un primer trabajo en solitario titulado Escapism (2012) y producido con la ayuda de Moises Schneider.

El disco es un acústico completo y melancólico, más típico de una cantautora de pequeños clubs que de grandes escenarios como pudieran ser The National o Elliot Smith, quienes se han convertido su foco de inspiración.

Mientras Nessi trabajaba en sus siguientes proyectos Tweentythreeyears (2014) y su último LP Rolling with the Punches, se presentaba de apoyo para otros artistas como Mando Diao o Cat Power. De hecho, Twentythreeyears se presenta como la transición de Nessi hacia un electropop donde los temas más cálidos se vuelven un poco más crudos, y donde se maduran sonidos más atmósfericos.

Pero no es hasta Rolling with the Punches donde se nota el cambio más decisivo. Un trabajo de calidad sonora en todos los sentidos, tanto en los tonos como en la voz y melodías con las que Nessi juega en sencillos como “Brush You Off” y “Rolling with the Punches”.

Y es entonces que podemos decir que Nessi se está convirtiendo en una artista de grandes escenarios y de canciones que nos sacan incluso a la pista de baile. Bien por esa transición.

–

17

Firesuite

SAM VALDÉS

Inspirados en la suite del pájaro de fuego de Igor Stravinski, Christopher Anderson y un compañero empezaron Firesuite como un pequeño proyecto en el colectivo musical Darnall Music Factory, en la ciudad de Sheffield.

Influencias les sobran: desde Jeniferever hasta Smashing Pumpkins, pasando por Jeff Buckley. Empezaron como una banda de shoegaze con un constante rotación de músicos, hasta que encontraron la alineación perfecta, con la que grabaron You’re an Ocean Deep, my Brother (2011).

You’re An Ocean Deep, My Brother by Firesuite

El shoegaze de sus EPs anteriores ahora traía elementos post-rock y post-hardcore que recuerdan a Thrice en su época del Alchemy EP. Es en este álbum que los conozco con “Amity”, una canción ejemplar del género que juega con la dinámica de voz femenina y masculina para crear una atmósfera rica en notas y timbres.

En el EP Red World incorporan a un tecladista para bajar las distorsiones y aumentar el rango de sonidos. El mini álbum incorpora arte de Cakes & Comics y muestras las influencias que han tenido los cómics y novelas gráficas en algunos integrantes de la banda. Su primer sencillo, “Rabbit”, tuvo rotación en BBC Sheffield y Absolute Radio.

Red World Special Edition CD/EP by Firesuite

Con su nuevo disco, Outlive your Body, Firesuite incorporan elementos chamber pop en algunas canciones, como el nuevo sencillo, “Edge of the Earth”. La evolución que ha tenido la banda a través de los años ha sido impresionante, mostrando que aunque el shoegaze parece un género muy usado –y hasta gastado– hoy en día, hay propuestas que pueden jugar lo suficiente con los elementos claves del género para crear nuevas tesituras dentro del género.

–

18

Tortuganónima

CRISTHIAN SILIS

Para muchas bandas la voz es lo más importante, aunque Tortuganónima es lo de menos… Este conjunto originario de Santiago ha tomado la música instrumental como el sello distintivo de su trabajo, llenándolo de pasajes sonoros que lo mismo te pueden acariciar que llevar al frenesí con sus texturas que se generan de forma exquisita.

tortuganónima by tortuganónima

Lo suyo es un post rock de excelente manufactura que lleva muchos guiños de math-rock y hasta de rock progresivo. A primera escucha podría decirse que son canciones un tanto simples, pero cuando te dejas llevar por completo encuentras esa complejidad en cada tema (sin caer en lo pretencioso), que hace que no necesiten de una voz para contar una historia; tú mismo puedes ser protagonista de esas historias que se convierten en fotografías sonoras y que te erizan la piel al sonar en los parlantes.

La banda tiene un par de grabaciones: Tortuganónima (2013) y Pársec (2015), ambas sin desperdicios, ni rellenos, y actualmente se preparan para hacer una gira de 15 fechas por diferentes ciudades de Estados Unidos.

Pársec by tortuganónima

–

19

Apolo Beat

NICOLÁS GONZALEZ

Desde las sierras cordobesas directo a la pista de baile, el último disco de Apolo Beat podría traducirse en una palabra: Fiesta.

Formados en 2010 en plena ebullición pop de la provincia de Córdoba, Apolo Beat es un quinteto que se especializa en los menesteres de lo que podríamos denominar indie dance, y que sería una adaptación moderna del funk, el dance y la música disco. Básicamente, Apolo Beat hace música bailable. Música bailable del siglo XXI.

Si bien Apolo Beat I y II del 2012 eran trabajos que ya iban en dirección a la pista de baile, tanto uno como el otro eran discos más rockeros. Sin embargo con la edición de Actriz, a fines de 2014, el grupo se encamina hacia la música negra de los setenta y el resultado es excelente.

A nivel “escena”, se podría decir que Apolo Beat ocupa un espacio junto a proyectos como De La Rivera (también cordobeses) y Los Cooming Soon. Ahora están girando por Buenos Aires por primera vez, pero se recomienda a los promotores mexicanos estar atentos, porque no sería de extrañar que en un futuro cercano estén agitando por allá. Y en ese caso, se acordarán de mí cuando no puedan evitar encenderse en la pista de baile al ritmo de estos cinco muchachos.

Apolo Beat – Actriz (Ringo Discos, 2014)

Actriz by Apolo Beat

–

20

Kante

LIDIA LEIVA

Esta semana recordamos a una de las reliquias no tan conocidas del pop-rock independiente que se formó a principios de los noventa en la escuela de Hamburgo. Una de esas bandas que se convirtieron en un referente de la música alternativa de Alemania, junto con otros grupos de los que ya antes hemos hablado aquí mismo, como Die Sterne o Tocotronic.

Kante tiene un estilo basado en el pop y el rock indie de aquellos años, acicalado con algunos elementos del jazz. Su acústica y sus letras desprenden cierta melancolía que les hace ser más cercanos y ayuda, en cierta manera, a romper con el modelo estático alemán al que a veces nos acostumbramos.

Fue en el 95 cuando la banda nació, de la mano de dos amigos de la infancia: el guitarrista y vocalista Peter Thiessen, también miembro de la banda Blumfeld, y el batería Sebastian Vogel. Aunque la banda se fortaleció hasta 1997, cuando Felix Müller se incorporó y sacaron su primer álbum Zwischen den Orten, trabajo con el que debutaron a través de su single “Heiligengeistfeld”, bajo la etiqueta Kitty-Yo.

Ya con la intervención del teclista Thomas Leboeg en el año 2000, comenzaron a tomar más riendas y al año siguiente lanzan su segundo LP Zweilicht. En 2004 vio la luz Zombi, disco y sencillo homónimo aún más conocido, con el que escalaron las listas europeas, justo en el momento en que Florian Dürrmann se incorporó a la banda.

Finalmente, en 2006 lanzan su cuarto y último LP Die Tiere sind unruhig, aunque fue hasta 2007 que dejaron de dar señales de vida, después de su última pista en acústico, titulada Kante akkustik sessions.

Este 2015, después de ocho años de siencio, los hamburgueses vuelven con un inesperado álbum, llamado In der Zuckerfabrik: Theatermusiken. Un trabajo que sigue su línea retrospectiva y sustancial, ya que no se puede hablar de una ruptura de sonidos, aunque sí es evidente una evolución que pone en nuestros oídos una riqueza sonora a través de piezas instrumentales y de la intervención de ciertos juegos sonoros que hacen más interesante su repertorio musical.

–

21

Sheffield

SAM VALDÉS

Es una gélida noche de marzo de 2013 cuando voy pujando cuesta arriba. El camión no pudo subir la colina por el hielo negro en el pavimento y sin reembolsarnos ni un mísero centavo nos bajaron por el hospital infantil, donde la pendiente pasa de “caminata matutina” a “cardio intenso”.

Todavía tengo las agradables notas de Blessa, una banda con bastante hype (merecido). Fueron uno de los últimos cuatro grupos que tocaron en Soyo en su faceta de foro de música. La queja de un vecino amargado hizo que la alcaldía les dijera que como bar podían seguir funcionando, pero que ya no podrían tener los conciertos de cada lunes por la tarde.

La pérdida de Soyo como foro afectaba más de lo que podía imaginarse a la gente de Sheffield. En una ciudad con un historial musical tan rico que nos ha dado a la disquera Warp, a 65daysofstatic, a Pulp, a Def Leppard, a Joe Cocker y a The Human League, la situación actual no es muy prometedora.

Al igual que en la Ciudad de México, el cierre de foros en los últimos años ha venido trayendo pésimas situaciones. Pareciera que hablo de México cuando digo que los foros ya están manejados esencialmente por grupos selectos, pero en todas partes se cuecen habas. Aún así, hay cierta flexibilidad y hay quienes a veces logran colarse por esa aparentemente impenetrable barrera entre el dueño del foro y el músico.

Pero la situación no es un final, sino una transición. Como ciudad, Sheffield aparenta ser un páramo cultural: el presupuesto de arte fue eliminado por el gobierno, las exposiciones de museo no siempre llenan y ver que a una banda le paguen por tocar es un auténtico milagro. En este tipo de situaciones es cuando uno aprecia el instinto de fight of flight, y curiosamente los músicos hallaron un santuario en la otra industria que murió en Sheffield: la metalurgia.

Por generaciones enteras, un juego de cubiertos hecho en Sheffield era un lujo digno de presumirse. Las forjas, herreros y artesanos de la ciudad jugaban con los metales a su antojo, pero eventualmente la industria cayó en los ochentas durante los tiempos de Thatcher. Sheffield, alguna vez apostada como la cuarta ciudad más importante de Inglaterra (título que siempre claman Leeds y Manchester), se hundió en una espiral de la que realmente nunca se recuperó.

Intentos por sanar el centro fracasaron y la destrucción de lugares artísticos y de expresión para la construcción de condominios es la nueva orden. Pero entre los muros llenos de tizne, los pisos con virutas de hierro forjado y las muflas saqueadas de cualquier material preciado nacen las nuevas protestas…

Espacios contraculturales como Tye Die Tapes, The Audacious Art Experiment y hasta el infame Club60 fueron creados en naves textiles, forjas y viejos almacenes de carbón. Si los estudios locales como 2Fly o Yellow Arch no cumplían tus expectactivas o simplemente no eran de tu agrado, ¿por qué no ir con los chicos de Tye Die Tapes y comer pizza mientras graban hasta las 4 AM? Y si el ruido de la ciudad te distrae, ¿por qué no caerle a la granja remodelada de Old Pig Farm y grabar tu disco de shoegaze, country o folk con John y Paul, quienes siempre están dispuestos a tocar un instrumento extra si tú lo deseas?

Aún con tantas opciones, la situación de Sheffield no es la ideal. Tramlines es realmente el único fin de semana donde los lugares se abarrotan para ver bandas, conocidas o no. Festivales interinos como Sheftival y Steel City Rock trataron de replicar el éxito de Tramlines, pero no es sustentable tener tres festivales en una ciudad de ese tamaño.

Hay nuevos foros, como Picture House Social y The Rocking Chair que ya son más “legales” y que están haciendo las cosas bien. Tal vez en este momento las cosas cambien en Sheffield pero el legado de estos últimos, difíciles diez años ha sido un montón de bandas copiando a Arctic Monkeys y una masacre de foros…

Tal vez se empiece a recuperar la ciudad o tal vez esto sea una llamarada de petate y los nuevos foros cierren. Lo que es una realidad es que en una situación de adversidad, la gente se las ingenia para sobrevivir. No puedo jurarles que en México vayamos a resolver los problemas actuales al igual que los ingleses, pero puedo jurarles que esto no es el fin.

Porque como dijo ya algún sabio de color azul: “¿El final? Nada termina. Nunca”.

–

Copyright © 2014-2015, LAPOPLIFE

Esta revista es producida gracias al Programa “Edmundo Valadés” de Apoyo a la Edición de Revistas Independientes 2014, del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Visita:

http://www.lapoplife.com/
facebook.com/LaPopLife
twitter.com/LaPopLife