eBook #9

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.

LAPOPLIFE

eBook #9 Copyright © 2015 por LAPOPLIFE.

Contenido

- LAPOPLIFE

- 1. Entrevista: Kanaku y El Tigre

- 2. BOY

- 3. Full Chamba

- 4. Best Friends

- 5. Matt & Kim

- 6. McEnroe

- 7. LiLiTS

- 8. Hernán Martínez

- 9. The/Das

- 10. David Cameron

- 11. Maifersoni

- 12. ETILE

- 13. Glass Animals

- 14. Pree

- 15. Mad Lucas

- 16. El Hipnotizador Romántico

- 17. HOOD

- 18. Someone Still Loves You Boris Yeltsin

- 19. Bajhara

- 20. Adrián “Toto” Nievas

- Copyright © 2014-2015, LAPOPLIFE

LAPOPLIFE

ebook #9
Marzo 2015

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.

* Descárgalo y llévalo contigo para leer offline en cualquier momento.

1

Entrevista: Kanaku y El Tigre

SERGIO BENITEZ

El dúo peruano lanzó su segundo disco Quema, Quema Quema.

Bruno Bellatín (Kanaku) y Nicolás Saba (El Tigre) comenzaron hacer música juntos desde su época estudiantil. En 2010 grabaron Caracol, un disco cuya expectativa no iba más allá de satisfacer un capricho musical. Sin embargo, el material convenció a otros músicos y a la prensa musical de su país, lo que les permitió presentarse en otros lugares como México.

Ahora regresan con Quema, Quema, Quema, un disco que, de acuerdo con ellos, es una producción que refleja mayor madurez y que incluye texturas más eléctricas: “Este álbum da, en cierta manera, continuidad a nuestro disco anterior. Hay cosas que se mantienen, pero Quema Quema Quema tiene un sonido muy sintético, más eléctrico”, comenta Nico en entrevista.

Quema… muestra la evolución de la banda hacia un sonido que ellos describen como más eufórico, sin arrepentimientos, con espíritu electrónico y riffs hawaianos acompañados por coros de voces armoniosas. “Es una muestra musical de electrónica, indie y folk”, agrega el músico.

Kanaku y El Tigre ya tienen programadas algunas fechas para salir de gira por diferentes ciudades de Perú y aunque aún no tienen presentaciones confirmadas, planean incluir otros países en la gira promocional. “Ya estamos en ello y nos gustaría mucho regresar a México pero también tocar en Sudamérica y embarcarnos a Europa”, asegura Nico.

Quema, Quema, Quema se lanzó de manera simultánea en Europa, gracias a Strut Records !K7 y en Latinoamérica con Terrícolas Imbéciles, sellos discográficos con los que ha firmado la banda.

Escúchalo completo acá:

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2

BOY

SERGIO BENITEZ

FOTO: Matze Hielscher / Facebook

Valeska Steiner y Sonja Glass son las chicas detrás de BOY, un dueto femenino de música indie-pop. Cantan en inglés y su estilo se ha llegado a comparar con el de la canadiense Leslie Feist.

Se conocieron en 2007 mientras tomaban un curso en la Universidad de Música y Teatro de Hamburgo. Desde el inicio, ambas sintieron una gran conexión musical y luego de innumerables charlas comenzaron a trabajar juntas. Ambas tenían cierta experiencia en el mundo de la música; Valeska cantó en varias bandas de diferentes géneros en su natal Suiza, mientras que Sonja creció tocando el chelo antes de aprender a tocar el bajo en Holanda.

Los primeros intentos por escribir, tocar y cantar sus propias canciones fueron poco efectivos debido a que componían pensándolos en una banda completa. Una vez que encontraron la forma de adaptar sus temas a voz y guitarras, comenzaron a realizar sus primeras presentaciones.

En 2011 firman con la disquera alemana Grönland Records y un año después graban su primer disco Mutual Friends, producido por Philipp Steinke. El álbum es una colección de canciones divertidas y melancólicas que reflejan las diferentes personalidades de las chicas. Con este disco se hicieron del European Border Breakers Awards de 2012.

Desde entonces han grabado los videoclips de canciones como “Little Numbers”, “Waitress”, “Drive Darling” y “This is the Beginning”, siendo la primera de ellas la que tuvo mayor popularidad en Europa porque además se utilizó en varios comerciales de la compañía aérea Lufthansa.

Aunque actualmente la banda no se encuentra tocando en vivo, ya comentaron que trabajan en un segundo material con el que darán continuidad a lo hecho con su debut, considerando algunos de los temas que quedaron fuera y complementándolo con nuevas canciones.

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3

Full Chamba

NICOLÁS GONZALEZ

Hoy, en el Día del Trabajo…

Desde algún lugar de Buenos Aires opera Full Chamba, un grupo formado en 2013 por Alfonso Devoto (guitarra y voz), Rocco Aguado (teclados), Claudio Vázquez (bajo) y Pedro Devoto (batería digital, programaciones).

Full Chamba conjuga influencias del “rock nacional” con tendencias más globales como el pop de sintetizadores, el hip-hop y el dance, junto a elementos más voladores y actuales, provenientes de la escena “vapor”.

Full Chamba by Full Chamba

Editaron Full Chamba en 2014, un trabajo notable, ya que parten del formato canción, siempre, pero logran trasladarse a espacios de reinterpretación sonora permanentemente, sin que esto afecte al disco en su totalidad. Quiero decir, ninguno de los tracks pierde coherencia respecto de los demás, aunque vayan en direcciones completamente distintas.

El videoclip de su canción “Deja que pase” ha obtenido excelentes críticas y ha sido recomendado por varios medios especializados.

Mención aparte merecen Matías Fernandez y Sebastián Lombroni, encargados el primero del diseño y el segundo de la fotografía que aparece en la tapa del disco. Realmente una genialidad. Desde la composición, hasta el guiño geek de la carpeta en el escritorio. Un diez.

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4

Best Friends

SAM VALDÉS

FOTO: Facebook

Lo que menos se imagina uno en Inglaterra es la idílica imagen de una playa asoleada con música surf en el fondo. Y sí, en cierta parte no existe como tal. Hay playas, pero no son muy agradables. Hay música surf, pero es menos Beach Boys y más Sonics en calzón de balneario.

Best Friends son una banda de Sheffield que hacen surf garage al más puro estilo británico: las armonías vocales están presentes, pero con un sentimiento inefable que puede ser mórbido, sarcástico y hasta honesto.

Happy Anniversary/Nosebleeds by BEST FRIENDS

Comenzando en la nada paradisiaca ciudad de Sheffield a finales de 2011, Best Friends sabe que tu atención es corta y que a veces quieres ejercitar más el tacón que el cerebro. Con un sencillo en vinilo editado por el prestigioso sello Too Pure Singles y otro sencillo que incluía un cómic, Best Friends acaba en la familia de Fat Cat Records, aquella disquera de Brighton que nos ha dado bandas como We Were Promised Jetpacks, Mazes y The Twilight Sad.

Un sencillo split con Fake Spit es el primer adelanto que tenemos de su nuevo disco, Hot. Reckless. Totally Insane, que saldrá este 19 de Mayo, también en Fat Cat Records.

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5

Matt & Kim

SAM VALDÉS

Matt & Kim siempre me han parecido una banda divertida pero con bastante sustancia tras esa máscara de diversión. Tal vez sea el carisma de ambos lo que los hace tan entrañables o que su honestidad ayuda a ver que este pop no solo suena bien, sino que se siente que está hecho con cariño.

Así que unos días después de la salida de su nuevo disco, New Glow, me contacté con Matt por vía telefónica, bajo la premisa de que ni él ni yo usaríamos pantalones para esta entrevista.

Hey, Matt
Hola, ¿cómo estás?

Bien, ¿y tú?
Tranquilo, echado en la parte trasera del camión de gira y sin vestirme. ¡La vida es buena!

Es lo mejor del día, empezar sin pantalones.
La historia de mi vida: sin pantalones.

Estoy seguro de que todo inventor estaba más dedicado a sus inventos que a las nimiedades de la ropa.
¡Me caes bien, me entiendes!

Bueno, acabo de escuchar New Glow y quiero preguntarte sobre este sonido un poco más pulido, alejado de las grabaciones caseras anteriores.
Como dices, teníamos dos discos grabados en casa, cuando empezábamos y agarrábamos la onda. Tuvimos un disco, Sidewalks, con un productor externo y no fue la mejor experiencia, quedamos escarmentados. Para New Glow pensamos “¿por qué no trabajar con varios productores?” Y eso hicimos. Terminamos haciendo la mayoría con Lars Stalfors y fue bueno no tener que preocuparse de lo técnico, simplemente dedicarnos a escribir y tocar. Eso nos ayudó a enfocarnos, a pesar de que somos unos “control freaks”.

Me gusta el sonido, es muy Matt & Kim pero como un trompazo en la cara.
Me robo esa idea. “Trompazo en la cara” es lo que Matt & Kim siempre quiso ser.

Nunca los he visto en vivo pero la música que les escuché me da la impresión de algo muy energético.
Si solo has escuchado “Daylight” o “Let’s go” tal vez no sepas bien qué esperar de nosotros como show en vivo. Nos gusta poner mucha energía y diferentes géneros, desde el punk al hip-hop, y hacer que todos muevan el rabo. Creo que logramos incorporar eso a la música de New Glow.

Sus videos se sienten tan divertidos como su música. ¿Hay algún proceso en particular detrás de ellos?
Lo que comparten nuestros videos y nuestra música es que queremos que todo sea tan honesto como se pueda. Mantenerlo puro. Son nuestras canciones, nuestras melodías y deseamos que las disfrutes. Si tú me explicas la idea de un video en una oración y me intriga, probablemente ya caí. Ideas como “¡Matt & Kim se encueran en Times Square!”, “¡Matt & Kim se agarran a trancazos!” o “¡Matt & Kim bailan en paños menores en su cama!” son sencillas y puras.

Vi que tienen una convocatoria para que sus fans envíen sus versiones del video de “Can You Blame Me”. ¿Cómo les ha ido?
En el escenario, ya no somos únicamente Matt & Kim; somos nosotros y ustedes, la audiencia. Para “Can You Blame Me” dijimos: “caray, ¡invitemos a nuestros fans al video!” así que habrá una versión con todos los que podamos incluir. Hemos recibido videos de gente sin playera con títeres, gente disfrazada y muchas cosas raras que nos siguen llegando. Queremos esperar y ver todo lo que nos envíen, se está volviendo algo muy especial. ¡Grábate y mándanos tu video!

Un poco el tema del día, ¿qué opinas de TIDAL y del streaming en general?
Venimos de una generación “post ventas”. Ganamos fama cuando MySpace crecía. Matt & Kim ha existido en un mundo de música gratis y de fans que le comparten canciones a sus amigos. Yo quiero estar donde la gente escuche la música que quiera. Tidal quiere pagarle a un artista lo que merece y eso es bueno, pero yo solo quiero que nos puedan escuchar por el medio que más les convenga. Lo que haga que nuestra música tenga mayor alcance me suena muy bien. En años venideros, no podrás medir éxito por ventas, sino por algo distinto que no sé que vaya a hacer. ¡Es confuso, desconocido y muy excitante ser un fan de música ahorita!

Hace poco, Kim dijo en una entrevista que te botaría si Beyoncé le ofreciera puesto como bailarina de fondo. Así que, Matt, ¿por quién botarías a Kim para irte de bailarín de fondo?
¡Ay, Dios! La idea de que yo baile enfrente de la gente me aterra, así que no podría. Lo mejor es que Kim se vaya con Beyoncé y yo me vaya a los camerinos a cotorrear con Jay-Z.

Con la carrera que tienen como Matt & Kim ¿te hubiese gustado haber hecho algo distinto?
Estoy muy orgulloso de lo que hemos hecho. Empezamos como dos personas manejando una minivan, tocando donde fuera y sin grandes expectativas. Las cosas se dieron orgánicas y puedo decir que estoy feliz del pasado y cómo sucedió.

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6

McEnroe

SERGIO BENITEZ

FOTO: Feiticeira

Pop-rock sutil y melancólico.

McEnroe es un grupo de pop-rock que se formó en 2002 en Getxo (Vizcaya). En disco se definen por la sutileza y melancolía que poseen, mientras que en vivo pueden ofrecer emotivas catarsis eléctricas. En 2002 graban su primer demo con seis canciones titulado Apaga el Día y me Quedo, gracias al cual consiguieron ser finalistas en el concurso de maquetas de Radio Euskadi y actuaron en el concurso Villa de Bilbao.

Además, dos de las canciones de aquel demo fueron elegidas por Pedro Mari Santos para ser incluidas en la banda sonora de su primera película, Agujeros en el Cielo. Por cierto, aunque en aquel primer demo había canciones con letras en inglés y en español, a partir de este trabajo la banda opta por el castellano.

En 2003 McEnroe graban con Paco Loco su primer álbum, El Sur de mi Vida. Este disco debut fue lanzado por el sello Un Hombre Encantador Discos, creado por el propio grupo para autoeditar sus discos. La distribución no fue mucho más allá de su grupo de amigos, y el grupo no dio demasiados conciertos para presentar las canciones.

Después de otro mini álbum autoeditado (Trebol EP, 2004), tres años después la banda despierta el interés de Subterfuge Records y firman con ellos para publicar Mundo Marino (2008), que es considerado por algunos como el debut oficial de la banda, dada la escasa distribución de sus anteriores trabajos. En este disco colaboró con ellos Miren Iza en la canción “Otras vidas”.

Luego de algunos ajustes en su alineación, la banda empieza a tener más presentaciones y a publicar discos que llegan a los oídos de más escuchas, como es el caso de Tú Nunca Morirás (2009) y Las Orillas (2012), que definitivamente los colocan como una de las bandas del panorama independiente español que hay que escuchar.

Finalmente, este 2015 regresan con Rugen las Flores, un disco cuyo título está inspirado en un poema de Eduardo Lizalde y que, en palabras de ellos mismos, es el que más se acerca a cómo suenan en vivo, con más desarrollos instrumentales y buscando otros sonidos, aunque sin alejarse de su estilo característico.

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7

LiLiTS

CRISTHIAN SILIS

LiLiTS es una banda integrada por mujeres que cuenta con una trayectoria de más de diez años. Se conocieron en la escuela cuando eran adolecentes y con el paso del tiempo han tenido pocos cambios de alineación, pero vayamos a lo más importante: ¿a qué suenan? Pues a rock crudo con influencias de garage y punk; incluso tienen reminiscencias del sonido de esas bandas que en los noventa hacían que movieras el pie y agitaras la cabeza.

Así que acá no encontrarás sonidos bailables ni atmósferas generadas por sintetizadores; solo distorsión y potencia con riffs de guitarra bien logrados y bases rítmicas fuertes y muy bien amarradas. Y letras que hablan desde cosas cotidianas hasta tópicos sociales.

La banda ha grabado tres discos: LiLiTS (2005), Sueltas (2009) y Visceral (2013) y se han presentado por todo Chile –incluidos varios festivales, entre ellos la reciente edición local de Lollapalooza–, además de España, Portugal, Inglaterra y Argentina.

Por cierto, las oriundas de Santiago también han sido invitadas a mostrar su poderoso sonido abriendo recitales de artistas como Jon Spencer o Manu Chao.

Escucha más de LiLiTs en su página deSoundcloud.

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8

Hernán Martínez

NICOLÁS GONZALEZ

FOTO: Por Javier González Tuñón

Como siempre, desde este reporte celebramos el ascenso del pop y el boom de los sintetizadores dentro de la escena argentina. Y es muy agradable poder escribir sobre tantos artistas que se vienen sumando a las filas del Nuevo Pop Argentino.

El reporte de hoy es sobre Fuera de Foco, el nuevo disco de Hernán Martínez, que lo tiene todo. Desde unas electro baladas con guitarra acústica ultra poperas, hasta un synth-pop bien maquinita para la pista de baile.

En su pasado con Voltura a principios del 2000, como en sus dos primeros discos solistas, el trabajo de Hernán había estado enfocado en el indie alternativo americano y la canción folk, que era lo que se hacía en aquellos años, sobre todo en la escena indie de la zona sur de Buenos Aires.

Pero con Fuera De Foco, HM se ubica como un gran exponente de lo nuevo, y junto a la casa disquera Fuego Amigo logra un material que, desde ya, es candidato a disco del año.

Fuera De Foco by Hernán Martínez

Juan Stewart, a quien ya hemos elogiado por su trabajo con Coiffeur y Los Cooming Soon, fue el encargado de la producción del disco, que además contó con la colaboración de María Zamtlejfer (Las Ligas Menores) y Diego Pérez Arango.

El ingrediente final para posicionarse en lo nuevo lo aporta Agustina Arcondo, con un glitch art en la tapa, que refuerza la idea del nombre del álbum.

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9

The/Das

SERGIO BENITEZ

FOTO: Rosa Merk / Facebook

El dueto alemán visita México por primera vez.

Hoy más que nunca, tratar de encasillar la música de un artista en un género o estilo específico es una idea sin mucho sentido, sobre todo con la amplia gama de instrumentos musicales y de tecnología que tienen a la mano los músicos… Justo como le sucede a los berlineses The/Das.

Luego de haber sido parte del proyecto Bodi Bill, los músicos Anton K. Feist y Fabián Fenk comenzaron a trabajar en su propio sonido, ya como dueto, para lanzar una colaboración con Tale Of Us presentada a través de la disquera italiana Life And Death.

En 2013 debutan con el EP Speak Your Mind Speak, que marcó el inicio del sello distintivo de la agrupación: algo que ha sido calificado como “techno-tenderness” y que reafirma lo difícil que es encasillar a artistas como ellos.

Pero más allá de que “techno-tenderness” se adapte o no al pop electrónico de The/Das, es evidente que su música es innovadora, vanguardista y sobre todo muy apasionada. Letras fuertes que se mezclan con arrítmicos sonidos electrónicos que exhiben niveles de verdadero virtuosismo. Del track inicial de su primer material, “Have no Fear”, hasta el delicado y (casi) frágil “It’s True” no se percibe la necesidad de etiquetar a la banda en un estilo específico, porque es solo buena música.

Ya en su primer LP titulado Freezer, The/Das explora una amplia variedad de sonidos que van más allá del techno habitual. El disco ofrece un acercamiento orgánico a su vena electrónica, pero añade voces casi sublimes de Fenk a la mezcla y una verdadera aptitud para la creación de melodías. No en balde la crítica especializada los ha descrito como “un diamante en bruto, preparándose para la grandeza”.

Después de una larga serie de complicaciones, The/Das se presentan por primera vez en México este 9 de mayo, acompañados por los proyectos locales Le Mat, Velter y Crystal Mafia.

Escucha más de The/Das en su página de Soundcloud.

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10

David Cameron

CYNTHIA RODRÍGUEZ

¿Qué escucha el recién reelegido Primer Ministro y quiénes son sus amigos -y no tan amigos- en el mundo de la música?

Esta ha sido una semana turbulenta en el Reino Unido. El jueves pasado se organizaron las elecciones generales en las que, como cada cinco años, los ciudadanos seleccionaron a los representantes de su región y, por mayoría política en cada distrito electoral, al Primer Ministro.

El sistema de elecciones británico está lleno de defectos, con más distritos electorales en pequeñas regiones al sudeste de la isla – atiborrada de banqueros aficionados a cazar zorros y montar a caballo– y menos distritos en extensas zonas al norte de Inglaterra –con antiguos mineros y comunidades de clase obrera. Por ende, hay más asientos y peso a favor de los Conservadores que poder para los Laboristas, aunque los votos por persona digan todo lo contrario.

Después de cinco años bajo una alianza Conservadora y Liberal Demócrata como de episodio de Casita del Horror de Los Simpsons, el Conservador David Cameron ganó la residencia completa y el poder absoluto fuera de las manos de su ex-compañero Nick Clegg. La opción Laborista, Ed Miliband, intentó ganar el aprecio de los millonarios caza-zorros pero perdió a los mineros y a los obreros que antes lo apoyaban.

“¿Pero qué tiene de malo David Cameron?”, dirán. “Al menos tiene buenos gustos musicales”.

Para el legendario Desert Island Records de la BBC, Cameron seleccionó hace tiempo algunas de sus canciones favoritas. Dijo que “Eton Rifles” de The Jam significaba mucho para él como ex-alumno de una de las escuelas elitistas de Eton. Al parecer, no entendió la ironía con la que Paul Weller la había escrito, inspirado en un reporte televisivo en el que los chicos mimados de estas preparatorias golpeaban y se burlaban de desempleados que protestaban por su derecho a laborar. No nos ha de sorprender que con esta actitud afrontó a los estudiantes que demostraban su desacuerdo ante el aumento de la colegiatura, con policías aventándoles caballos encima y empujando a discapacitados de sus sillas de ruedas.

En el mismo programa, Cameron expresó su admiración por Bob Dylan y su aprecio por losSmiths, Pink Floyd y Radiohead. En especial por “This Charming Man”, quizás usándola como himno personal para un “hombre encantador”. Al poco tiempo, los mismos Johnny Marr y Morrissey prohibieron al mandatario que los volviera a escuchar, pues su música no fue escrita pensando en alguien con esas políticas ni ese comportamiento público.

David Cameron, stop saying that you like The Smiths, no you don’t. I forbid you to like it.

— Johnny Marr (@Johnny_Marr)

December 2, 2010

En cuanto a Radiohead, Thom Yorke lo tiene muy amenazado, jurando que si Cameron usaba algún tema suyo para campaña política, lo demandaría. “Fake Plastic Trees” es parte de su banda sonora para una isla desierta, ¿pero habrá escuchado Hail To The Thief? ¿Qué tal “Electioneering” del OK Computer? ¿Habrá sido otro himno electoral (otra vez, sin entender la ironía) para cantar a grito pelón mientras conducía su Land Rover portando guantes de cuero?

¿Pero hay alguien a quien sí le caiga bien David Cameron? Semiprivatizar el servicio postal, poner el sistema de salud en riesgo, mutilar los beneficios de madres solteras y personas con discapacidad, esparcir hostilidad contra los inmigrantes y hacer cada vez más imposible la educación superior no es tan malo, ¿o sí? Así piensan Mumford & Sons, infinitamente agradecidos por el aprecio que han recibido de la casa número 10 en Downing Street. Los Mumfords, con ex-alumnos de Eton entre sus filas, son disfrutados tanto por David Cameron como por su esposa Samantha. Su pasado elegante y su estilo poco amenazador fueron suficientes no solo para encabezar festivales como Glastonbury, sino para tocar en La Casa Blanca frente al presidente estadounidense Barack Obama bajo recomendación directa gubernamental.

Para los que son más POP que LIFE: Gary Barlow de Take That es Conservador de hueso colorado. Apoyó a Cameron desde su primera campaña en el 2010 con un concurso escolar a pequeña escala al estilo de The X-Factor. Un par de años después, Cameron le perdonó a Barlow no haber pagado sus impuestos; una deuda de casi 26 millones de libras esterlinas. Para eso están los amigos. ¿Y qué hay de los indecisos y diplomáticos? En una entrevista con The Telegraph, el Primer Ministro comentó que estaba viendo la serie danesa The Killing, que jugaba Angry Birds y que le gustaban Band of Horses y Lana del Rey. Quizás desconozcan la situación política, siendo norteamericanos, pero ni el conjunto de Seattle ni la princesa neoyorquina han dicho algo al respecto.

¿Pero qué tal su esposa? Samantha Cameron tiene gustos un poco más interesantes. Cuando su marido apenas era líder del partido, ella admiraba públicamente a Gwen Stefani y deseaba tener suficiente dinero para aclararse el cabello como ella (¿qué la detiene ahora que lo tiene?). También reveló a Glamour que David escuchaba a Eminem pero que no quería hacerlo público; y, quizás revelando más de lo que quisiéramos saber, pues le dijo a Azealia Banks que le encantaba “212”.

Quizás la moraleja es no confiar en nadie solo por sus gustos musicales, en especial si son incongruentes con su estilo de vida o si no captan ironías ni insultos. El Primer Ministro ideal puede estar clínicamente sordo, pero si escucha a sus jefes (los ciudadanos) y formula sus proyectos teniendo sus necesidades y bienestar en mente, no hay problema. Así le guste el “Gangnam Style”… Y que le haga tantito caso a su pareja.

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11

Maifersoni

CRISTHIAN SILIS

Cinco años tuvieron que pasar para ver la continuación de Telar Deslizante, el increíble y psicodélico debut de Enrique Elgueta, quien es el hombre detrás del alias de Maifersoni.

Y justo por tanto tiempo que había transcurrido, no sabíamos qué esperar de esta nueva entrega. Sin embargo la nueva placa, titulada Maiferland (Acto de Amor), llega como una ola refrescante que golpea en las orillas de la playa durante una tarde soleada.

Después de un par de adelantos que se dieron a conocer hace unos meses (“Partners” y “Las Flores Más Hermosas se Marchitan”) ahora tenemos frente a nosotros esta obra lo-fi de psicodelia, pop, delay, atmosferas tenues, y delicados adornos sonoros que aparecen en el fondo como si estuvieran a lo lejos; como ese sol que parece que se hunde en el mar por las tardes.

Las letras bien podrían ser poemas que aquí se funden con la música para crear doce fotografías sonoras que generan diversos sabores. Entre las más recomendables se encuentra “Picorocos de Guananqueros”, con la colaboración de Soledad Puentes, de Marineros. Recomiendo escucharlo con audífonos y con los ojos cerrados mientras se disfruta de un buen cocktail bajo el sol matutino o de la tarde.

Sin duda, este disco dará mucho de qué hablar. Que no les sorprenda si termina entre los mejores discos chilenos del año.

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12

ETILE

NICOLÁS GONZALEZ

En la ciudad de Buenos Aires siguen apareciendo proyectos que encajan en la etiqueta #PostInternet. Esta vez toca el turno a ETILE, un proyecto de esta ciudad, liderado por Jonatan Morel.

Morel, quien intercala la fotografía, el video y la actuación ahora también con la música, igual aplica como otra de las características inherentes a la no-escena digital argentina actual, por la “multidisciplinariedad” de sus actores.

Ya es común ver sobre el escenario menos músicos y más artistas, lo cual personalmente considero genial, ya que entienden la música de una manera mucho más amplia que los músicos de formación musical clásica, que deben lidiar con los criterios restrictivos, donde las reglas son las reglas y ya están escritas, y donde el objetivo se encuentra en construir piezas casi “matemáticas”.

SPD-08 | Our Imaginary Friend by E T I L E

En paralelo, proyectos como ETILE, al igual que otros que hemos recomendado aquí como Hiroshima Dandys, SINUX, o Astrosuka, tienden a configurar una “matemática” alternativa, donde 2 + 2 no es necesariamente es 4, y donde se fuerzan “situaciones” que un músico de conservatorio no grabaría, simplemente porque “suenan mal”. (NA: Estoy generalizando).

Hacer algo “bien” de algo que está “mal” me parece uno de los puntos más destacables que, sin querer, está logrando esta no-escena, y en ese sentido, Our Imaginary Friend, editado por SPD Records hace un mes, me parece uno de los lanzamientos más destacados en lo que va del 2015 junto con el de Hernán Martínez que recomendamos la semana pasada.

La unión de géneros como el hip-hop y el dance, con elementos más actuales, que rozan la escena glitch y la synthwave, hacen de ETILE uno de los proyectos más interesantes para ir a ver en vivo.

13

Glass Animals

CARLOS CELIS

Dave Bailey, cantante de la banda británica Glass Animals, y Joe Seaward, baterista, parecen ser mejores amigos porque siempre dan sus entrevistas juntos. Esta vez los agarramos en la terraza del hotel Condesa DF de la Ciudad de México, cuando visitaron nuestro país por primera vez para un showcase especial organizado por Spotify.

Glass Animals es un cuarteto originario de Oxford, Inglaterra, formado por amigos que se conocen desde los 14 años de edad y cuya alineación se completa con Drew MacFarlane (guitarra) y Edmund Irwin-Singer (sintetizadores). Empezaron a sonar desde 2012 con el EP Leaflings y con temas como “Cocoa Hooves”, aunque por aquellos días se manejaron con el característico anonimato de internet al que tantas bandas recurrieron para llamar la atención, y por eso pasó un largo rato para que la gente supiera más de ellos.

Su ascenso ha sido gradual pero constante, no tan repentino como el de otras bandas de su generación y están conscientes de ello: “Lo hemos sentido como un crecimiento muy natural que se ha dado de forma muy agradable. No nos han forzado en el gusto de la gente”, opina Joe. “No queríamos sentir presión para hacer nuestra música”, comparte Dave. “Hay otras bandas que tienen mucho hype pero eso viene con un precio, porque entonces tu disquera espera que hagas cierto tipo de música”.

En 2013, Glass Animals llamó la atención del famoso productor Paul Epworth (responsable de éxitos de Adele, Coldplay y Florence and the Machine), quien les produjo el EP Glass Animals y los firmó en su sello Wolf Tone, para después lanzar en 2014 su debut, Zaba. De ese álbum se han liberado sencillos como “Pools”, “Gooey” y “Hazey”, que poco a poco han ido ganando más popularidad para la banda. El estilo musical de Glass Animals es una fusión de indie rock que toma elementos de la psicodelia de The Beatles y mezcla sonidos electrónicos con algunos toques de R&B, aunque ellos rehuyen a las etiquetas y se sienten más cómodos definiéndose sencillamente como rock.

“Hubo un tiempo en que escuchamos mucho R&B. Sobre todo de los noventa”, admite Dave. Joe se pone un poco serio y explica: “Yo incluso escuchaba mucho del nuevo R&B. Pero no me identifico con las referencias que usa la gente”. Entre risas dice, para terminar: “Tampoco me molesta que nos pongan en esa categoría, podría ser mucho peor”.

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14

Pree

SAM VALDÉS

La universalidad del folk y la relativa facilidad de componer lo hacen un género que rompe barreras fácilmente, aunque a la vez le ha hecho ganar un poco de desdén por parte de los fans que piden algo más complejo en la música que escuchan.

Y aquí es donde entra Pree. Engañosamente folkeros, los oriundos de Washington D. C. hacen un pop ensoñador que aunque basado en estructuras folk, incluye elementos de otros géneros: math pop, chamber y hasta momentos paisajistas son con lo que Pree adereza su música pop compleja.

Folly by Pree

Su jubiloso álbum debut, Folly, los puso en el radar desde 2011, con su mezcla de sonidos indie que ya tenían algunos tintes de psicodelia aderezándolo. Giras interminables mantuvieron a la banda a la vista de todos y cuando llego el momento de hacer un disco nuevo, se basaron en los roces de la vida en la carretera, las extrañas vicisitudes de las relaciones interpersonales y la nostalgia.

Rima, su disco más reciente, aumenta la experimentación sin quitar un pie del folk que los vio nacer. Un viaje aural que a veces es meditativo y a veces sentimental, Rima tiene a Pree listos para despegar… Quizá el pie ya no está completamente en la tierra, pero tal vez ya es la hora de empezar a volar más alto.

Rima by PREE

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15

Mad Lucas

CRISTHIAN SILIS

Apostando por un sonido crudo y totalmente rocanrolero que se mezcla con algo de folk y letras en ingles cantadas con una voz rasposa, Lucas Aravena, a.k.a. Mad Lucas da rienda suelta a su creatividad en este proyecto que nos lleva por pasajes melancólicos y que nos hace recordar por qué el rock es capaz de tocar fibras tan sensibles.

Cuenta la leyenda que las canciones que componen su primer Mad, su primer EP, son el resultado de recopilar viejos escritos y casetes que tenía por ahí, en el olvido. Así que retomándolas e imprimiendo vivencias obtenidas durante sus visitas a lugares tan remotos como Australia, da vida a canciones como “The Sun”, o el primer sencillo “Summer’s Gone”, que nos pueden dar una idea de cómo sonará su siguiente disco, The Sun / The Moon.

En México aún no podemos verlo en directo, aunque hay expectativas, ya que recientemente hizo una gira por algunas ciudades de Estados Unidos, donde al parecer conectó muy bien con la audiencia. Sin duda, Mad Lucas tiene ese toque desgarrador que nos hace creer que el rock esta más vivo que nunca.

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16

El Hipnotizador Romántico

NICOLÁS GONZALEZ

El aluvión de grupos que se pasan a las filas del Nuevo Pop Argentino pareciera no acabar. Cada semana podemos encontrar un nuevo proyecto que se enlista dentro de esa estética que busca fusionar la canción pop con elementos de la electrónica y la synthwave.

Esta semana mi descubrimiento fue sorpresivo, ya que provino de donde no esperaba. El Hipnotizador Romántico es un grupo que posee ya algunos años dentro de lo que podríamos llamar indie-konex*, pero que sin embargo, se ha decidido a cambiar. Y mucho.

Con un LP y un EP en su haber, en los cuales se centraron mayormente en la canción rioplatense/folk, el grupo liderado por el ex Mataplantas, Maximiliano García, junto con Rocío Maquieira, acaba de editar Jungla, un disco de ocho canciones en las que abandonan, no del todo, pero sí en gran medida, los instrumentos regionales, para comenzar a experimentar con los sintetizadores y las cajas de ritmos.

Como ejemplo de todo esto podríamos tomar la canción “Revolución Musical”, en la que el grupo habla de la característica fundamental que posee la no-escena post internet, y que es la eliminación de fronteras, la cual podemos gozar gracias a la inexistencia de nacionalidades en la red.

El resultado es un disco contemporáneo, que seduce desde su composición y se destaca por su producción. Si tuviera que establecer parentescos, diría que El Hipnotizador Romántico pasó de ser primo hermano de Onda Vaga, a ser primo hermano deBarco y Ministerio de Energía.

JUNGLA by El Hipnotizador Romántico

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17

HOOD

CYNTHIA RODRÍGUEZ

Ahora es tiempo de invocar a HOOD, el bellísimo conjunto de Leeds (vía Wetherby) que está cumpliendo un cuarto de siglo de existencia… y una década sin sacar nada.

Los hermanos Chris y Richard Adams comenzaron a hacer música con algunos amigos en 1990. Sacaron varios EPs y demos por su cuenta durante algún tiempo, y en 1994 ganaron la atención de Fluff y Slumberland Records, con quienes lanzaron Cabled Linear Traction, su primer álbum de larga duración. Originalmente en versión LP, Fluff imprimió solo 200 copias y Slumberland sacó solo 1,100. No fue hasta cinco años después que estuvo disponible en mayores cantidades como disco compacto.

Un par de años después salió Silent ’88, en el que seguían fuertes las influencias de Sonic Youth y Pavement con un post-rock tan sucio, lo-fi y tímido que no tenía posibilidades de salir en MTV – aunado a la permanente introversión de sus integrantes.

Domino Records, hoy en día nadando en dinero gracias a Arctic Monkeys, los tomó en sus brazos en 1997 y los ayudó a producir el sencillo “Useless”, bajo la batuta de Matt Elliott, de Third Eye Foundation. Elliott siguió trabajando con ellos para Rustic Houses, Forlorn Valleys y The Cycle of Days and Seasons. Los temas cada vez eran más largos y con los pies más alejados del suelo. Más viento que tierra. Más cercano al ensueño kiwi de Dadamah y a la alienación de Talk Talk después de sus populares sencillos.

Sin embargo, la verdadera magia brotó gracias a la creciente ubicuidad de internet, en el crucial momento en el que dejó de ser un lujo de pocos y pasó a convertirse en una herramienta útil para la mayoría de los hogares. Fue de este modo que trabajaron con Yoni Wolf y Doseone, cofundadores de Anticon, quienes junto con Boom Bimp (cuyos vínculos británicos continuaron al formar Neon Neon con Gruff Rhys) eran miembros del proyecto de hip-hop alternativo cLOUDDEAD.

Con su colaboración en varios temas (“Branches Bare”, “They Removed All Trace That Anything Had Ever Happened Here” y “You’re Worth the Whole World”) crearon en 2001 su disco más aclamado, el crujiente y gélido Cold House. Le perdieron el miedo al hip-hop y a la electrónica y aprendieron que los temas pueden ser cortos sin ser menos impactantes.

El mismo año publicaron el bien nombrado EP Home is Where it Hurts, aunque el disco Outside Closer (2005) fue su último LP, con el que la electrónica se quedó en sus vidas y con el que aprendieron a incorporar fragmentos del pasado. Por ejemplo, en “The Lost You”, recortando el coro de un tema de Robert Wyatt, clásico artista y cantautor de protesta y vocalista de Soft Machine. Abundan los violines y el piano, las voces del pasado, alterados hasta convertirse en manchas irreconocibles de lo ya perdido.

Los Adams y sus amigos se tomaron un extenso hiato que no ha terminado. Mientras tanto, cada quien produce material por su cuenta: Chris Adams bajo el apodo de Bracken, antes protegido de Anticon y ahora con los también estadounidenses BARO Records. Su hermano Richard, con el proyecto The Declining Winter, quienes recientemente fueron parte del compilado Dalayu/For Nepal de Hibernate Records en apoyo a los damnificados de los terremotos en Nepal. Gareth S. Brown ha seguido como solista con su nombre de pila, y Mark Wright es integrante del interesante y adorable colectivo hindi-indie Maggie8.

Si Bracken regresó en 2014 después de no haber sacado nada desde el 2007, ¿creen que Hood alguna vez vuelva? ¿Cómo sonarían hoy en día? ¿Creen que funcione invocarlos para siempre como lo hicimos con Boards of Canada?

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Someone Still Loves You Boris Yeltsin

SAM VALDÉS

Hubo un tiempo, alrededor de 2006, donde vino una marejada de bandas de indie pop rock que tocaban “bonito” y tenían nombres chistositos para apelar a una cierta nostalgia del pop tempranero de los sesentas. Injustamente se aventó a Someone Still Loves You Boris Yeltsin en esta categoría.

Broom, su primer álbum, tal vez quedaba estéticamente en esa clasificación, pero había algo más, una especie de tristeza primigenia escondida entre los acordes abiertos y los panderazos que acompañaban a esa voz un tanto perdida. El disco había sido grabado en casa y el sonido áspero le dio una credibilidad fuerte con la prensa especializada. Pershing, la difícil segunda obra, continuo la fórmula del anterior, puliendo un poco más el sonido pero todavía siendo “pop bonito” en la superficie.

Let It Sway by Someone Still Loves You Boris Yeltsin

El cambio llegó primero con Let It Sway, en 2010. La producción de Chris Walla de Death Cab For Cutie capturó los tintes rockeros de Someone Still Loves You Boris Yeltsin, quienes se empezaban a sacudir la etiqueta de “bonitos.” Con la salida de un miembro fundador, John Robert Cardwell, co-autor de buena parte de los discos, la banda cambió. Pero no solo fue la nueva alineación lo que modificó el sonido, sino también una residencia en Rusia, pagada por una fundación rusa para que funcionaran como representantes culturales de Estados Unidos. Y de ese viaje se desprendió el disco Fly by Wire. Engañosamente pop, las distintas capas sonoras tornan el paisaje de la banda a un claroscuro.

The High Country, su nuevo disco que saldrá en junio con Polyvinyl Records, encuentra a la banda alejándose más del pop, abrazando estructuras rock con distorsiones pero todavía con una voz indie pop que no contrasta tan negativamente como se pensaría. Es tal vez el disco que siempre quisieron hacer: rock con ganchos pop y un nihilismo perfectamente retratado en sus canciones.

The High Country by Someone Still Loves You Boris Yeltsin

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Bajhara

CRISTHIAN SILIS

FOTO: Facebook

“Rock duro” podría ser el mejor término para definir a esta banda de Santiago, cuyos descollantes riffs de guitarra y precisa base rítmica que funciona como la maquinaria de un reloj, pero con texturas envolventes y un sonido que contrasta con la voz femenina.

Ellos se definen como “Rock N’ Roll elegante desde Sudamerica”. De hecho, en su mini álbum debut El Principio del Final, no hay espacio para las baladas. Todas las canciones, potentes y llenas de energía, se acompañan de letras directas que hablan de temas sociales o de desamor, a veces con buenas metáforas.

Aunque inicialmente querían editar este disco en 2014, fue hasta marzo de 2015 que salió a la luz, dándole más tiempo a la agrupación de adquirir más experiencia sobre el escenario, donde se rumora que poseen mucha energía y nunca decepcionan. Juzguen ustedes.

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Adrián “Toto” Nievas

NICOLÁS GONZALEZ

Adiós del líder de Adicta y Ciudadano Toto.

A principios de los 2000 existían dos corrientes dentro del under local, y si bien ambas terminarían dando lugar a la explosión actual del Nuevo Pop Argentino, hay que hablar de una en particular, que se caracterizó por su carácter menos masivo, pero más de culto: la surgida en la ciudad de La Plata, y que tuvo a Adicta como su mayor exponente. En particular tenemos que hablar de Adrián “Toto” Nievas, voz perdida de toda una generación pop.

Adicta se formó a finales de los noventa con Adrián “Toto” Nievas, Rudie Martínez y Fabio Pastrello (estos dos últimos, compañeros de Sergio Pángaro en St Martin Vampire, y Pastrello además ex Los Brujos). Sería principios del año 2000 cuando el nombre de la banda comenzó a escucharse en el under porteño en boca del público, porque los medios demorarían varios años más en enterarse de lo que estaba sucediendo.

Su álbum debut vio la luz a mediados de ese año y fue una especie de llamado al silencio: “Shh”. De inmediato fue bien recibido, dado su carácter contemporáneo que unía rock con electrónica chill y algo de tecno industrial. Shh recibió elogios de toda la prensa argentina, y fue proclamado como “mejor álbum del año” por la edición argentina de Rolling Stone.

“Beta”: primera canción de la discografía de Adicta, incluida en el disco Shh, del año 2000)

Ya en 2003 el grupo edita Miedo, que incluye la canción “Tu Mal”, hit máximo de Adicta que se transforma en parte fundamental del soundtrack de toda la generación del 2000. Ese año, Adrián “Toto” Nievas también se transforma en el Ciudadano Toto, proyecto solista con el cual graba y edita un álbum inolvidable para todos los amantes del electropop argentino.

Sin embargo parecía que no había techo para Adicta, y en 2004 se suman Julián Fraus (guitarra), Mariano López (bajo) y Sergio Sotomayor (batería), brindando presentaciones emblemáticas en ciclos y locales bien conocidos del under porteño, aunque también ya se perfilaban para escenarios de mayor convocatoria.

En 2005 vuelven al estudio y graban Día de la Fiebre con producción de Tweety González, alcanzando el punto más alto de popularidad del grupo. Lo presentan en el Teatro Broadway, uno de los más importantes de la calle Corrientes, y además ingresan en los grandes festivales, participando del Pepsi Music, el Personal Fest y de la edición argentina de Creamfields.

Adicta – Día de la Fiebre (2005)

A partir de ese momento Adicta ya es parte del imaginario colectivo de todos los consumidores de rock nacional. Continúan tocando, empiezan a sonar en las radios de otros países y de hecho editan más discos hasta 2010, año en que, no sé si se desintegran, pero sí que pierden visibilidad, volviendo a ser patrimonio de aquel nicho original de fans que los siguieron en sus andanzas iniciales, por la Buenos Aires post-menem de fin de siglo.

De Ciudadano Toto se supo poco y nada. Además de aquel disco inicial editado en 2003, existe muy poco material. Apenas unas pocas copias de un increíble compilado llamado Grupie, que una agencia de viajes tuvo la osadía de fabricar en algún punto entre 2003 y 2005, y que alguien digitalizó gracias a la vida.

Esta semana Toto volvió a estar en boca de todos. A finales de 2014 había sorprendido al lanzar algunas nuevas canciones, que aparentemente serían editadas en un nuevo disco durante 2015. Adrián Nievas realizó una presentación en el principal local porteño actual y dijo a través de sus redes sociales que después de mucho tiempo había vuelto a ser feliz. Todos pensamos inmediatamente en una nueva etapa de Ciudadano Toto, donde seguramente se verían volcadas las no muy conocidas vivencias de esos últimos años de este artista tan carismático como sensible.

Sin embargo, el domingo 24 de mayo por la madrugada, Toto se quitó la vida. Lo último publicado en su página web fue un pedido de una silla de ruedas para su madre. El sábado cerca de las 20:00 horas (Arg) subió a su fanpage un último posteo . Era la canción nueva que había adelantado en el mes de diciembre, “Flores, brillos y arcoíris”. “Tal vez, tal vez, nunca más vuelva, si el cielo, el cielo me abre sus puertas” dice la canción. Ojalá que así sea para Toto.

Ya no habrá más Adicta, ni más Ciudadano Toto. Queda lo que hay…y hay mucho.

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