eBook #8

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.

LAPOPLIFE

eBook #8 Copyright © 2015 por LAPOPLIFE.

Contenido

- LAPOPLIFE

- 1. Entrevista: León Benavente

- 2. Entrevista: Cristina Quesada

- 3. Entrevista: Goodly Thousands

- 4. Entrevista: El Cuarteto de Nos

- 5. Ana Helder

- 6. Viaje al Centro de Subterfuge

- 7. Jennifer Rostock

- 8. Young Fathers

- 9. Domo

- 10. Dinámica: Festival de lo Nuevo

- 11. Sizarr

- 12. Bonetti

- 13. Barouh

- 14. Sergio Pángaro

- 15. The Love Bülow

- 16. Circa Waves

- 17. Pile

- 18. Violeta Vil

- 19. Velódromo

- 20. Las Liebres

- 21. Hero Fisher

- 22. Shark?

- 23. Detergente Líquido

- 24. Fer Zárate

- Copyright © 2014-2015, LAPOPLIFE

LAPOPLIFE

ebook #8
Marzo 2015

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.

* Descárgalo y llévalo contigo para leer offline en cualquier momento.

1

Entrevista: León Benavente

SERGIO BENITEZ

El cuarteto español realizó una gira por varios foros pequeños del país.

La banda que es también el grupo de apoyo de las presentaciones de Nacho Vegas, visitó México para presentarse en diversos foros del centro del país, antes de entrar al estudio para grabar su segundo LP.

Visitar México era primordial para la agrupación, debido a la importancia que tiene como mercado y a la calidez del público. Aunque en España no se conocen demasiadas propuestas mexicanas, ya que de acuerdo con Luis Rodríguez, guitarrista de la banda, no hay un intercambio: “Se conocen bandas como Zoé y Molotov, pero nada más. Hace poco conocí a una banda de la que soy fan, Sonido Gallo Negro, a quienes conocí en una presentación con Nacho Vegas en el Centro Cultural España”, comenta.

“Quizá lo que más llega a España son bandas como las que menciona Luis y que son parte de una escena más mainstream, pero lo que ahora intentamos conocer son más propuestas de la escena independiente”, añade Abraham Boba, vocalista y tecladista de la agrupación.

León Benavente definen su música como rock pop influenciado por el estilo de cada uno de sus integrantes, y alejado de lo hecho con Nacho Vegas, que para ellos es mas canción de autor. Para Abraham ambos proyectos tienen mucho en común, ya que considera que el mismo público los sigue en sus presentaciones con Nacho y León Benavente.

Además de acompañar a Nacho en sus presentaciones en vivo, los integrantes de León Benavente también tienes diversos proyectos alternos, aunque Abraham considera que en este momento esta es su prioridad: “El grupo ha funcionado, después de 130 conciertos seguimos creciendo. Lo cierto ahora es que entre Nacho y León Benavente, tenemos todo el año lleno de fechas, así que por ahora no tendríamos tiempo de hacer algo más”.

Una de sus presentaciones que más llamó la atención fue la del 23 de marzo en la estación del metro Tacubaya, donde se dieron cita decenas de seguidores y curiosos que a diario se mueven por este medio de transporte. “Teníamos bastante curiosidad por tocar en el metro, el hecho de que sea una estación y que vaya pasando gente resultó algo interesante y bueno para el grupo”, comenta Luis.

A Abraham al principio le pareció bastante extraño, “luego platicando con gente de aquí, nos dimos cuenta de que le dan mucha importancia, como que es algo muy especial”.

Ya de regreso en España, el grupo tendrá un par de presentaciones junto a Nacho Vegas y como León Benavente continuarán con la preproducción del nuevo disco y sus planes para entrar al estudio a finales de 2015.

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2

Entrevista: Cristina Quesada

ESTEBAN CISNEROS

FOTOS: Elefant

Cristina Quesada, de Fuerteventura (en las Islas Canarias, España, casi África), se ha convertido en una favorita de esta humilde casa. Su música es un twee repleto de sacarosa con actitud y buen gusto, totalmente desprejuiciado; parece que vive en un universo alterno de chicle de anís, sorbete de napolitano (dotación vitalicia), películas musicales con coreografías remilgadas, instrumentos de juguete y discos de sunshine pop.

Puro escapismo. Es, por supuesto, el mismo universo Elefant Records que a veces puede hacerme desertar amedrentado, temblando ante el pensamiento de un coma diabético/musical, pero que en la dosis adecuada es el remedio perfecto para el aburrimiento.

Quesada, quien además es actriz (trabaja en un programa de televisión para niños y ha participado en varios cortos, mediometrajes y obras de teatro), me parece una suerte de voluble y demente anacronismo que me gusta: parece una chica nouvelle vague atrapada en un pasado de postal parisina de los cincuenta que pasa de la euforia más perturbadora a la nostalgia más acentuada. Carga un ubérrimo ukelele a todos lados y canta canciones viejísimas como si fueran un éxito-radial-de-hoy.

Pero, sin decir agua va, pasa a cantar canciones novísimas como si fuesen standards de ayer. No hay ni poquita ironía en su errar, cosa que también me gusta; es puro candor y sencillez y juventud naïf. Y si me he puesto todo alfeñique y majareta es porque allá, de fondo, suena Pineapple Princess, el EP que lanzó en 2013 (a partir de una demo más vieja que circula en la red).

You Are The One by CRISTINA QUESADA

Pero ya también está en el estante su primer LP, You Are The One, que acaba de ser lanzado por Elefant Records y producido (como el EP) por Javi y Coral de Band À Part y Luis Elefant, con una participación en los créditos de composición del gran Paul Bevoir.

El disco tiene once pistas, entre versiones delirantes a clásicos pop y nuevos temas; es el paraíso del fanático del twee. Cristina se dio un tiempo para platicar con nosotros entre la preparación de sus exámenes de fin de ciclo y un viaje al Wales Goes Pop, festival del que ya es asidua. Sus respuestas dejan claro que está encantada de conocerse y que esa pinta brillante y vivaracha que muestra en sus vídeos no es parte de su personaje, sino de su persona:

Hola, Cristina, la chica del ukelele. ¿Quién es, en realidad, Cristina Quesada?
(Risas*) ¡Qué buena pregunta! ¿Cristina qué? ¡La verdad es que no lo sé, pero me gustaría conocerla!

¿Cómo te iniciaste en la música? Entiendo que estudiabas violín desde muy joven, pero el interés por el pop, ¿fue gradual o tuviste un momento de epifanía?
Creo que soy amante de la música desde que tengo uso de razón. En casa siempre se ha escuchado mucho Beatles, Beach Boys, Carpenters… ¡todo eso! Mi hermana mayor ha sido mi principal influencia musical y ha hecho que desde muy pequeña escuchase a grupos como Los Fresones Rebeldes, Los Flechazos o La Casa Azul, cuyas canciones me han acompañado, por suerte, a lo largo de mi vida hasta ahora. A partir de ahí fui descubriendo poco a poco nuevos grupos gracias a discográficas como Elefant Records. ¡Y esto ha sido un no parar!

Me da la impresión de que vienes de una familia muy artística. Entiendo que varios de los Quesada hacen cosas como video, fotografía, y tú actúas y te dedicas a la música…
(Risas, de nuevo.) ¡Sí! Mi madre fue maestra de música muchos años y algo que tenemos en común mis dos hermanas y yo es que desde pequeñas hemos ido a clase de solfeo. Yo estudié violín y ellas piano. Además mi hermana Dara ha estudiado Diseño de Moda y es la que me ha sacado las fotos de portada y de promo del single “Pineapple Princess” y las de mi LP, You Are the One. Además, ella y Santiago Esteban hicieron el videoclip de “Pineapple Princess”.

¿Cómo fue tu infancia en las Canarias? ¿Cómo la enlazas con tu trabajo?
Viví en Fuerteventura hasta los 17, justo antes de mudarme a Madrid para estudiar en la Universidad. Guardo muy buenos recuerdos, sobre todo de mi familia y mis amigos. Además, pese a ser un sitio muy pequeño yo siempre estaba ocupada: si no era el colegio o el instituto, eran las clases particulares, el tenis, ballet, clases de violín, y de vez en cuando tenía la oportunidad de trabajar en algún cortometraje y alimentar mi amor por el cine y el arte. Eso siempre me hacía muy feliz.

Trabajas en un programa televisivo. ¿Cómo es aquello?
Trabajo en un programa infantil que se emite en la Televisión Canaria que se llama El Club de Archi. Es gracioso, porque un día, mientras preparaba mis exámenes finales (como ahora), me llegó un anuncio de un cásting para el que buscaban “una chica que fuese mayor de edad pero que pudiese aparentar entre 13 y 14 años y que fuese divertida y dicharachera”. No me lo pensé mucho y decidí que quería presentarme, pero unos días más tarde me llamaron para decirme que habían visto el primer videoclip de “Pineapple Princess”, con la versión de la demo, y que querían verme directamente en Tenerife para hacer prueba de cámara. ¡Y así hasta hoy! Ya llevamos tres temporadas, grabo en verano todos los capítulos. Es intenso, pero muy divertido. La productora La Casa Animada cuenta con unas personas maravillosas que todos los veranos son como una segunda familia para mí.

¿Por qué un ukelele? ¿Y cómo distinguirse de toda la gente que también lo está tocando en clave indie o folk?
Recuerdo escuchar canciones con ukelele y me parecía un instrumento mágico. Mi primer ukelele fue algo muy preciado y desde el día que llegó a casa (por correo) empecé a tocar. Quedé enamorada de su sonido. ¡Me lo llevaba a todas partes! Eso no lo podía hacer con mi guitarra, menuda diferencia ir al instituto cargando con ella que ir con mi ukelele. Realmente no tengo como principal objetivo diferenciarme de otros grupos que utilizan el ukelele para darle un toque indie o folk, sino más bien tocar canciones de la manera que me gusta. Interpreto las canciones como me salen; soy más natural, intuitiva.

The Jetset es uno de mis grupos favoritos… ¿Cómo fue tu contacto con Paul Bevoir, con quien coescribes algunos de tus temas?
La historia de cómo conocí a Paul es genial, es una de las muchas cosas que le debo a internet. Yo también soy muy fan de The Jetset y hace unos años decidí enviarle una solicitud de amistad a Paul en MySpace. Empezamos a hablar y descubrimos que teníamos muchas cosas en común. ¡Nos hicimos muy amigos! Así que es natural que esté muy contenta de que forme parte de mi proyecto musical y que pueda tener canciones escritas con un músico con tanto talento.

¿Cómo se dio tu fichaje con Elefant Records?
Cuando me compré mi primer ukelele empecé a tocar versiones de mis canciones favoritas en mi habitación y un día comencé a grabar demos en mi ordenador, solo para mí. Como fan de Elefant Records, yo ya conocía a Luis Calvo y a Montse Santalla (cabezas visibles del sello), desde hacía mucho tiempo, pero fue en un concierto de Band À Part, en Madrid, cuando tuve la suerte de conocerles y más tarde en un concierto de Guatafán le dije a Luis que había grabado una demo de “Viaje a los Sueños Polares” de Family con el ukelele. Lo hice solo como algo “gracioso”, pero me dijo que se la enviase. Abrí una cuenta en Bandcamp donde publiqué algunas de mis versiones y al poco tiempo toqué por primera vez como invitada especial en una Fiesta Elefant en Madrid. A partir de allí empezamos a trabajar en mi primer EP.

Cuéntanos un poco más de la grabación de ese EP: de tu primera demo de “Pineapple Princess” (que tiene un video muy divertido) a la versión del EP (cuyo video es también genial) hay un trecho…
¡Fue muy emocionante! Nunca había grabado en otro sitio que no fuera mi habitación, donde siempre estábamos a solas mi ukelele y yo, así que recuerdo que grabar en El Laboratorio de Band À Part me tenía un poco nerviosa, pero también con muchísimas ganas ya que además soy muy fan de ellos. Javi y Coral son maravillosos e hicieron que todo fuese muy cómodo y divertido. La versión de “Pineapple Princess” del EP es muy distinta de la demo por el proceso de grabación: pasé de grabar solo ukelele y voz a oír mi voz con los arreglos de Paul Bevoir. Fue cuando me di cuenta de que todo esto era una realidad y que de verdad iba a sacar un single con Elefant.

¿Cómo eliges las canciones que interpretas? Hay de todo: de los hermanos Sherman a The Jesus & Mary Chain, pasando por France Gall y Family. Una constante hay: buen gusto.
¡Muchas gracias! Me suelo decantar bastante por aquellas canciones que signifiquen algo para mí o que me hagan sentir de una manera especial. Lo más bonito de hacer versiones es interpretar mis canciones favoritas de la manera en la que me llegan y me hacen sentir.

Ahora tienes un LP. ¿Cómo fue el proceso, la grabación? El ukulele queda un poco de lado en este disco…
Hemos trabajado en el LP desde el año pasado, preparando las canciones, ideando la portada… Es un proyecto en el que todas las personas que colaboramos hemos puesto mucha ilusión y dedicación. Es un álbum con nueve versiones y dos canciones compuestas con Paul, todas grabadas de nuevo en el Laboratorio de Band À Part.

En las presentaciones en vivo usas pistas pregrabadas, porque por lo general estás sola en escena, con tu ukulele. ¿Hay algún plan de hacerte acompañar de un grupo en el futuro o de cambiar el formato? ¿O te encuentras cómoda así?
Normalmente toco sola. Al principio me daba un poco de miedo; ahora estoy bastante acostumbrada, aunque siempre es divertido tener a alguien que te acompañe. Hace un año toqué en Zaragoza con Capitán Sunrise y fue muy guay, nunca había tenido a tantas personas tocando conmigo en un escenario. Andreas Jonsson, de Alpaca Sports, también me ha acompañado en el concierto de octubre en The Lexington en Londres y en Madrid. No sé, de momento seguiré tocando sola pero no descarto tener a alguien más conmigo en el escenario de vez en cuando.

Grabaste tu último videoclip (“Just Like Honey”) cerca de Canterbury. ¿Cómo se dio aquello? ¿Y cómo haces para moverte de un lado a otro? Fuerteventura, París, Londres…
Este año estoy viviendo en Canterbury porque estoy estudiando con una beca Erasmus, así que Chris Croft, el director del video, y yo decidimos grabar en Herne Bay, un sitio muy bonito en la costa. De ese día guardamos bastantes anécdotas, sobre todo acerca del frío que hacía: ¡estábamos a 4 grados y yo sin abrigo! A Fuerteventura, como los demás años que he estado fuera, solo me puedo escapar cuando tengo vacaciones, pero vivir en Canterbury este año me ha dado la oportunidad de estar de un lado al otro entre dos de mis ciudades favoritas: Londres y París, que están a solo un par de horas en tren.

Sé que es una pregunta difícil, fastidiosa, pero no puedo evitar hacértela, como para confirmar tu universo de referencias. ¿Puedes nombrarnos diez discos esenciales para ti?
A Hard Day’s Night, de los Beatles; Tapestry, de Carole King (el primer disco que compré); If You’re Feeling Sinister, de Belle and Sebastian; Carpenters, de los Carpenters; Baby Bop, de France Gall; Tea for the Tillerman, de Cat Stevens; Pic-nic, de Pic-nic; ¡Es que no hay Manera!, de Los Fresones Rebeldes; Greatest Hits, de ABBA, y el soundtrack de Melody.

¿Qué sigue para Cristina Quesada?
Ahora estoy muy contenta con el lanzamiento de mi primer disco largo con Elefant, pero también me gustaría intentar dar conciertos y seguir con canciones nuevas poco a poco. ¡A seguir!

C/S.

* ¡Guau! Siempre quise poner “(Risas)” en la transcripción de una entrevista. ¡Lo logramos!

3

Entrevista: Goodly Thousands

ESTEBAN CISNEROS

The Hit Parade, The June Brides, Hurrah!, Primal Scream en la época del C86, The Field Mice… Parece la lista de influencias de un grupo que me gustaría sin escucharlo: a veces me gusta la música por sus ideas.

Cuando supe de los Goodly Thousands (quienes presumen a estos héroes) caí de cabeza en su música con el prejuicio de que me gustaría, de que eran mis favoritos solo porque sí. Me clavé en sus canciones (que son pocas) por unos días, le di vueltas y vueltas a su primer EP homónimo. Pero no todo podía ser tan bueno, ¿o sí? Les dejé reposar para volver a ellos con la cabeza fría.

Aquí estoy. Y, como suele suceder con la música que más me gusta, me doy cuenta de que son un grupo pequeño, local, de amigos, formado por tipos cándidos que aman los discos de su juventud y que se cuentan chistes privados que solo entienden ellos. Esos son los más grandes, porque son los que perpetúan esa idea pop de salirse con la suya, de cambiar el mundo (el mundo propio, claro, que ya es algo) y seguir el impulso efebo de alcanzar la gallardía más pura con guitarras y tambores. Sigo dándole vueltas a las canciones de Goodly Thousands y me convenzo de que algo hay, de que ese viejo sonido jangly quiere decirme algo aunque no logro descifrar qué; mientras tanto, el misterio me gusta y me gusta quedarme allí. Play de nuevo.

Goodly Thousands, de Dublín, Irlanda, acaban de sacar su segundo EP en Shelflife Records en vinilo de 7” y CD. No es como para que se paren las prensas, pero sí es un acontecimiento que hay que celebrar: es un pequeño triunfo cuando un grupo así saca nuevo material y satura el mundo (más aún) de canciones. Puede que, en un plano macro, se pierdan en la entropía de la red; pero para algunos (¿pocos?, ¿muchos?, ¿cuánto es poco y cuánto es mucho?) quedarán como canciones importantes. Levanto la mano.

Platiqué brevemente (gracias, internet) con Colm Dawson, líder de Goodly Thousands, quien se dio un tiempo entre su trabajo de día y sus ensayos. Su amabilidad me la esperaba, pero su absoluto dominio del español, no; argumenta que lo aprendió durante una estancia en Valencia. De todo lo que conversamos solo hubo un término que usé y que no pudo descifrar: chingón. Suerte que ahora conoce la palabra, porque puede (¿debe?) aplicarse a su música perfectamente.

¿Quién en el mundo son Goodly Thousands?
Los tres somos de Dublín: Darren (bajo) es electricista, Aaron (batería) es un ingeniero y yo soy profe de inglés. Nos reunimos en un cuartito al fondo del jardín de Aaron cada domingo y hacemos ruido.

¿Cómo comenzó tu interés (no sé si pueda llamarle obsesión) por la música? Y cuéntanos un poco acerca del origen de Goodly Thousands…
Pues, siempre sonaron los discos de los Beatles de mi padre de fondo en casa, pero si hablo de un interés activo, me recuerdo de siete u ocho años, sentado al lado de la radio con mi dedo en el botón de “rec” de la grabadora, llenando cassettes de canciones del Top-40.  Cuando tenía diez años, mi padre me enseñó lo básico para tocar guitarra en una imitación Stratocaster que tenía, para que yo pudiese tocar “Mr. Tambourine Man” en el grupo de la escuela.
Pero no fue sino hasta los trece que mi amigo Dónal y yo comenzamos a escribir canciones, en su habitación. De ahí salió una banda que duró de 2003 a 2008, más o menos, con muchos otros chavales y un nivel de entusiasmo variable de todos los involucrados. Pero tuvimos algunas tocadas muy divertidas y, de hecho, el tercer track de nuestro nuevo EP apareció por primera vez en ese grupo, hace unos diez años. Carajo, ¿diez años ya?  Como sea, esa banda agonizó lento. Me di cuenta que tenía algunas canciones (o ideas de canciones) de jangly indie-pop en mi cabeza que nunca encajaron con el estilo del grupo, que era más una especie de garaje e imitación de emo de los 90. Así que le propuse a Aaron que tocara la batería, encontramos un bajista, y Goodly Thousands salió de la nada.

¿Por qué es importante tener una banda hoy?
Supongo que yo necesito algo que me estrese y me ponga nervioso. Pero el veinte por ciento del tiempo en el que no me preocupo acerca de terminar canciones o cumplir con fechas de tocadas (o que estoy nervioso por no tener tocadas próximas) es totalmente estimulante y satisfactorio. Es estimulante cuando una canción suena como debe hacerlo en un ensayo o en vivo; es satisfactorio porque hay gente lejos de aquí que edita discos de verdad con nuestras canciones.

¿Cómo influyó Dublín en el grupo y en su música?
Es muy común aquí que los chicos tomen un instrumento. Yo creí que así era en todos lados, pero he escuchado a mucha gente no-irlandesa decir que aquí hay una notoria cultura musical. Es algo que yo daba por hecho pero que ahora aprecio en su justa medida. Exceptuando algunas menciones de lugares irlandeses en las letras, creo que mis canciones pudieron haber sido escritas en cualquier parte del mundo. Mi vieja escuela secundaria y mis amigos fueron grandes influencias, creo.
De nuestro grupo de amigos, probablemente la mitad escribió o hizo música en solitario o con grupos, entre ellos o con otra gente. Western Homes, Porn On Vinyl, Soil Creep, Retreat From Moscow, Back Garden, Hipster Youth, Hazing, British Dick Terrorism… todos esos son grupos de nuestra clase de secundaria que han lanzado música original. Así que cuando esos son tus amigos, hay una competencia (sana, debo decirlo) para asegurarte que tus canciones son sólidas y que tus tocadas son buenas. Y, por si fuese poco, tuve amigos cuya percepción sobre nuestra música, bien expresada, nos ayudó a progresar. Todo eso es valioso.

“El jangle pop está más sano que nunca”

¿Qué hace que esa música jangly que toca Goodly Thousands mantenga un lugar especial en el universo pop?
No me canso de ella. Podrías poner el outro de “Ask” de los Smiths en loop y pasarían días antes de que me hartara de él. Fantástico. El jangle pop está más sano que nunca.

No suelo preguntar esto, pero, ¿qué equipo usan en este EP? Suena tremendo.
Mi Danelectro ’59 DC de doce cuerdas está por todos lados y al fondo, my Fender Cyclone II y la Jaguar de alguien que estaba allí, sentada en una esquina del estudio, irresistible. Oh, y una Ciarán acústica de doce cuerdas, adorable, de un amigo. Todas las guitarras eléctricas pasaron por un amplificador Laney VC30-112, que es básicamente una copia de un Vox. Fiachra, nuestro ingeniero de sonido, tenía una pedalera que usamos como un reverb en reversa (supongo que así hay que llamarlo) para el final de “Sunshine Hair.”

Tienen un EP previo, que puede bajarse gratis en Bandcamp…
Ese EP fue otra “chamba de verano”, grabado por Mark Chester (si te gusta nuestra música, tienes que ser fan de Ginnels, su grupo.) La mayor parte del disco la grabamos en el sótano de un viejo edificio georgiano en el centro de la ciudad. El edificio se había inundado recientemente, así que olía muy mal, pero creo que la grabación salió muy bien. Tocamos mucho mejor en este nuevo disco, me encantaría que el material del viejo EP sonase así. Pero igual digo eso de este disco cuando salga el nuevo material en un par de años…

Llegó la pregunta fastidiosa: ¿puedes nombrar diez discos sin los que la vida sea nada?
Ok. Pero sin algún orden particular:
12 Rods, Gay?
My Bloody Valentine, Loveless.
Cocteau Twins, Heaven or Las Vegas.
Cap’n Jazz, Shmap’n Shmazz.
American Football, American Football.
Fugazi, 13 Songs.
Kleenex Girl Wonder, Yess Boss.
New Radicals, Maybe You’ve Been Brainwashed Too.
Prefab Sprout, Steve McQueen.
Joanna Newsom, Ys.
Y en estos días escucho mucho Arthur Russell, OutKast, Brighter…

¿Qué sigue para Goodly Thousands?
Tocaremos en mayo en Londres; será nuestro primer concierto fuera de Irlanda, así que estamos emocionados. Y estamos armando nuevas canciones y me encantaría grabar otro EP pronto, aunque escribo lento, muy lento.

¿Cómo se ve a México desde Irlanda?
No estoy seguro de que México esté en el radar de los irlandeses, porque no lo mencionan. He tenido algunos estudiantes mexicanos en la escuela en que trabajo y me da la impresión de que es un lugar vibrante, con un lado oscuro que desafortunadamente no se puede ignorar. Ese asunto de los estudiantes desaparecidos es abominable.

Gracias. ¿Alguna recomendación de algo que no podamos perdernos?
Gracias a ti. No, por ahora es todo. Voy a tomarme una taza de té e irme a la cama, esto fue cansado. ¡Feliz de que les guste nuestra música!

C/S.

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4

Entrevista: El Cuarteto de Nos

ALEX CASTRO

A pocos meses de la salida de su nuevo disco Habla tu Espejo, platicamos vía telefónica con Roberto Musso, líder de la banda uruguaya que este 23 de mayo vuelve a la Ciudad de México para presentarse en el Plaza Condesa. Aquí la charla completa:

Hola Roberto. Siempre me ha parecido que su relación con México (shows, medios, etc.) es medio intermitente. ¿Qué piensas de esto? ¿Cómo es su relación con este país?
Tenemos una relación muy linda. Todas las veces que hemos ido a tocar a festivales como el Vive Latino o presentarnos solos, hay una respuesta excelente. Aunque después, cuando empezamos a recorrer otros lados y dejamos de ir tan seguido, pasa eso que vos decís. Nos encantaría estar más presentes allá y con este nuevo disco la idea es que hagamos una gira más larga para mantener eso más o menos uniforme.

No es muy común que las bandas latinoamericanas actuales pongan tanta atención en sus letras. ¿Crees que en el caso de El Cuarteto de Nos es este su elemento más importante?
Está raro lo que decís, porque creo que el sello distintivo de la banda y el primer gancho por el que llamó la atención fue por esa construcción de las letras que es poco convencional, y de que estén tan trabajadas. Generalmente compongo las canciones como un año antes de entrar al estudio, y soy medio fino porque me gusta que cada frase aporte a la canción, que sume información y que no haya redundancia en los conceptos. Por suerte creo que la gente, así como lo recalcaste, se da cuenta de que hay un trabajo muy fuerte ahí. Siempre me ha gustado hacerlo (porque) fui lector desde muy chico de libros y soy un enamorado del idioma español, que es un idioma tan rico en sinónimos y vocablos que me parecía que eso se podía aprovechar en el formato de canciones de pop-rock.

¿Y ese contenido lírico hace que los siga determinado tipo de escuchas, o no necesariamente?
No, por suerte nuestras canciones provocan distintas sensaciones y convocan a un público muy variado, ¿viste? Nos pasa muchísimo que acá en Uruguay, en Argentina o México que gente mayor de 30 años se engancha con alguna canción, pero también gente de 13 o 15 años. Acá tenemos público más chico todavía. Lo mismo pasa cuando asiste gente de todas clases sociales, justamente porque cada uno decodifica las letras desde su punto de vista.

Me llama la atención que en Habla tu Espejo mantienen su sello característico, pero al mismo tiempo se notan elementos que lo hacen distinto.
Queríamos grabar un disco que quebrara un poco con los últimos tres y con los anteriores. Desde la composición en sí misma, desde cuando empecé a hacer las canciones me intenté ubicar en un ángulo diferente. Las canciones fueron más cantadas en una primera parte, luego más introspectivas, mucho más reflexivas, más transparentes. Y después del nivel de desarrollo del disco, también surgió que va menos por el lado de una banda de rock sino que también tiene elementos como más pop, con elementos folclóricos, incluso de instrumentos de aquí. Se da una mezcla muy interesante, y parece que la gente sí lo concibe como un disco de cambio.

Supongo que ese es uno de los grandes dilemas de los músicos ahora: hasta qué punto mantener tu sello sin dejar de emprender nuevos caminos. Debe ser un “estira y afloja” constante…
Claro, nosotros en toda la historia del Cuarteto siempre hemos cambiado o intentando cambiar cada tanto, porque en el fondo sabemos que es la única manera de mantenerte vigente y de no quedar en un círculo vicioso entre vos, tu público y lo que tu público espera de vos… Yo creo que en eso Habla tu Espejo es la misma esencia del cuarteto, pero contada desde otro ángulo.

¿Qué canciones destacarías de Habla tu Espejo?
Bueno, la que le da el nombre al disco me pareció interesante, justo por eso de la primera persona cantando las canciones, es como todo un análisis de conciencia, y eso me pareció un juego interesantísimo. Otra que me gustó mucho es “Roberto”; otra canción que es como la voz de la conciencia, que no para y que va reamplificando nuestro interior. Me resultó interesante ponerle mi mismo nombre, aunque pareciera medio raro…

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Otro elemento que me parece fundamental en El Cuarteto de Nos es el sentido del humor…
El humor ha estado presente desde el principio de nuestra carrera y con distintas dosis o con distintos tratamientos. De un tiempo a esta parte, más que humor era ironía o algo así… Pero sí, yo creo que este disco del Cuarteto tiene una dosis de cada emoción diferente.

Uruguay es un país muy pequeño, pero rico cultural y musicalmente. ¿Cómo lo viven ustedes desde dentro?
Sí, solo somos tres millones de personas, que es el equivalente a una parte del DF. Y también con una población muy avejentada, porque mucha gente joven ha emigrado a otros lados. Sobre todo para bandas de música y de rock es muy difícil, hoy en día es imposible vivir solo de tu carrera aquí, y las bandas que lo hemos logrado es porque hemos desarrollado una carrera fuera de Uruguay. Muchas bandas jóvenes se encuentran con esa barrera de la cantidad de conciertos y discos que pueden vender actualmente.

¿ Dirías que ustedes son de las pocas bandas uruguayas que ya viven de la música?
Sí, sin duda. Estamos dedicados exclusivamente al Cuarteto y vivimos de esto. Es una bendición, porque son muy pocos artistas los que lo pueden decir… pero con mucho trabajo, invirtiendo mucho y saliendo a tocar, ¡de hecho tocamos más fuera de Uruguay que aquí!

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Ana Helder

NICOLÁS GONZALEZ

Es difícil categorizar a Ana Helder. Oriunda de la ciudad Rosario, en la provincia de Santa Fe, esta DJ y productora viene siendo parte de la extravagante cuadrilla reclutada por Matías Aguayo bajo la etiqueta Cómeme desde hace tres discos, y se ha convertido, junto con DJs Pareja, en lo más destacado de la escena dance argentina.

El éxito de Helder puede residir en la combinación de dos elementos sumamente poderosos. Por un lado los beats duros propios del techno, generando un efecto de hipnosis que es reforzado por la utilización de sonidos psicodélicos. A la vez, todo en Ana Helder atravesado por elementos del breakbeat, el house más clásico y el funk, logrando un resultado explosivo en la pista de baile.

Ana Helder – Beating PC (Cómeme, 2013)

Tras haber tocado tanto en Buenos Aires, como repetidas veces en Chile, Brasil y México, entre varias otras ciudades latinoamericanas, Ana Helder se instala en Alemania, donde continúa su formación y sigue produciendo.

En noviembre de 2014 lanzó Fiebre de Marte, un notable EP de seis tracks, nuevamente editado por Cómeme, en el que continúa desarrollando la idea de mezclar la esencia del rock con la (paradójica) modernidad de los sonidos sintetizados.

Si no la disfrutaron en vivo, deberían. Y si ya la disfrutaron, sin duda estarán pidiendo más.

Ana Helder – Fiebre de Marte (Cómeme, 2014)

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Viaje al Centro de Subterfuge

SERGIO BENITEZ

En 2014 el sello español presentó el libro Viaje al Centro de Subterfuge, que ahora es también una exposición.

Subterfuge es un sello discográfico que ha contribuido a crear una escena musical alternativa sólida en España desde 1989. Sus creadores, Carlos Galán y Gema del Valle, junto con su equipo, continúan trabajando 25 años después teniendo como objetivo encontrar la mejor música y reivindicando la independencia y libertad de criterio.

Subterfuge fue un proyecto que inició tan solo como un fanzine y que terminó convirtiéndose en un referente, tanto musical como estético, que ha marcado a más de una generación. Bajo su etiqueta se han editado más de mil referencias musicales de grupos como Australian Blonde, Dover, Sexy Sadie, Los Fresones Rebeldes, Fangoria, Marlango, Najwajean, Killer Barbies, Cycle, Anni B Sweet, Arizona Baby, Neuman, Bravo Fisher o McEnroe.

A finales de 2014 Carlos Galán y Carlos Moral presentaron el libro Viaje al Centro de Subterfuge: 1989-2014, un recorrido por la historia del sello, a través de una variada selección del material gráfico más reconocible de la escena independiente del país ibérico que, a lo largo de los años, ayudó a definir el sonido, la imagen y la estética de esa música. Esta publicación reivindica una particular forma de entender esa escena, buscando ofrecer a sus lectores las claves para imaginar cómo fue la música años atrás y como será en el futuro.

El libro consta de 194 páginas divididas en seis textos, donde los autores repasan la vida del sello de acuerdo con los diferentes momentos que han vivido a lo largo de este cuarto de siglo. La publicación cuenta con ilustraciones de Miguel A. Marín, artista reconocido por sus colaboraciones en los proyectos de Subterfuge y del periódico El País.

Por cierto, la presentación de Viaje al Centro de Subterfuge ameritó una exposición que, al igual que el libro, retrató la trayectoria de la obra gráfica y audiovisual producida por el sello. Esta exposición integra un total de 350 referencias seleccionadas de entre su amplio catálogo y muestra desde el número cero del fanzine Subterfuge que fuera el origen de todo, allá por 1989 en la ciudad de Madrid, hasta vinilos en 7” y 12” de los grupos que desde entones han descubierto, apadrinado y mostrado. Incluye además, portadas de discos, carteles, boletos, cómics, y por supuesto sus producciones audiovisuales.

Esta muestra, que ya se ha presentado en un par de ciudades de España, sirvió para comprender la evolución de este sello que además de los discos, también publica cómics y libros, y está inmerso en la producción de películas de serie B, documentales, videoclips y bandas sonoras.

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7

Jennifer Rostock

LIDIA LEIVA

Jennifer Weist y John Walter ya formaban equipo desde su época juntos en la escuela, y lo siguieron haciendo cuando se trasladaron a Berlín, ciudad donde formaronJennifer Rostock; banda que empezó a tomar cuerpo cuando se unieron Alex Voigt a la guitarra, Christoph Deckert al bajo y Bakú a la batería.

A Jennifer Rostock se les asocia principalmente con la escena de bandas de la Neue Deutsche Welle, procedente del rock y el post-hardcore. En 2007 comenzaron a darse a conocer por los escenarios, principalmente en los clubes de rock de la ciudad de Berlín. Y así llegaron a firmar con la discográfica Warner, con la que editaron su primer EP Ich will hier raus, que en 2008 los llevó a abrirse puertas en concursos nacionales de rock como el Bundesvision Song Contest.

Con su segundo álbum Der Film (2009), la banda se dio a conocer por Sudamérica con el apoyo del Goethe-Institut. Varios sencillos de este álbum aparecieron en películas como New Moon. Más tarde le siguió el tercer LP Mit Haut und Haar (2011) con el que consiguieron posicionarse en las mejores listas de Alemania y Austria.

Su último trabajo Schlaflos vio la luz a principios de 2014 y con él han realizado ya varias giras, principalmente por Centroeuropa. A finales de mayo de 2015 la banda se presentará en el festival de música Rock Bavaria en la ciudad de Múnich y al lado de artistas como Metallica, Kiss y Muse.

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Young Fathers

CYNTHIA RODRÍGUEZ

En el sentido literal, Young Fathers clasificarían como todos unos juniors, pues se llaman igual que sus padres. Es decir, son una versión joven de sus padres. Pero no pensaron en este nombre sino hasta 2008, muchos años después de haberse conocido y de haber grabado material desde los catorce años.

Los tres se conocieron en un club para menores de edad, y aunque todos vivieran en Edimburgo y sus alrededores, cada quien tenía una historia distinta: Graham “G” Hastings es del sector de Drylaw; Alloysious “Ally” Massaquoi es refugiado de Liberia y ha vivido en Escocia desde los cuatro años, y Kayus Bankole es de padres nigerianos y de crianza escocesa y estadounidense. Aún así, las localidades y los viajes poco tienen que ver con su estilo: hip-hop alternativo con sonido experimental y guiños al folk y al soul.

Solían hacer sus loops por computadora, con toda la lentitud y pesadez de los viejos ordenadores; los grababan en formato minidisc y los llevaban a shows de open mic donde la gente pasaba horas armando batallas de rap. G, Ally y Kayus no estaban interesados en pelear, solo en interpretar; a veces con uno que otro paso de baile para incomodar a los hipsters. Para sus maquetas, grababan vocales usando una máquina de karaoke.

Su primer álbum, Inconceivable Child… Conceived, fue masacrado por el perfeccionismo y nunca salió a la luz. En 2011, cansados de no llegar a ninguna conclusión en cuanto a lanzamientos, se propusieron grabar un tema cada día, publicarlo en internet tal como estaba y compilar los resultados en el mixtape TAPE ONE. Al poco tiempo vino TAPE TWO. Y de pronto ganaron la atención de la disquera estadounidense Anticon, con la que lanzaron los dos TAPE juntos en 2013. Y como consecuencia, llegó la atención que se merecían.

Young Fathers llegó a presentarse en SXSW en Austin y en festivales británicos como Glastonbury y Latitude. Fueron profetas en su tierra, recibiendo el premio a Scottish Album of the Year. Ya en 2014, con esta nueva autoestima y el apoyo tanto de Anticon como de Big Dada Recordings, se animaron a grabar un LP: Dead. La recepción fue más que positiva: encabezaron las listas de popularidad independiente británicas, llegaron al puesto 35 de ventas en todo el país, y fueron acreedores al Mercury Award del mismo año. Fuera de lujos, en cuanto recogieron su premio se fueron a un frío sótano cerca de las vías ferrocarrileras en Berlín a seguir grabando su siguiente material. Nada de champaña por ahora.

En vivo se hacen acompañar por el DJ y baterista Steven Morrison y por las voces adicionales de Lauren “LAWholt” Holt. Fue con ellos que recibieron el 2015 en la celebración tradicional del Hogmanay con el castillo de Edimburgo de fondo. Excelente manera de traer la buena racha al 2015, ahora retacada de presentaciones en Estados Unidos y Europa.

Su próximo LP está listo para salir. Bajo el nombre de White Men Are Black Men Too, pueden preordenarlo a través de su sitio web y recibir gratis una descarga del sencillo “Rain or Shine”. Apenas hace un par de semanas salió “Shame” como otro adelanto. Con mejores métodos de grabación y más seguidores que en sus principios, Young Fathers sigue ganándose un nombre más allá de lo heredado.

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Domo

CRISTHIAN SILIS

Antofagasta es la ciudad que vio nacer a Domo, banda de rock que experimenta con folklor chileno y otros sonidos, generando una fusión a la que llaman “folk rock orgánico”. La agrupación lleva casi diez años abriéndose camino y haciéndose de un lugar en la ahora poblada escena musical chilena.

Daniel Martinez (voz, guitarras), Pablo Llorente (bajo), Alexis Jaldín (teclados) y Rodrigo Carmona (batería) cuentan con un disco de estudio de título homónimo que es una verdadera bocanada de aire fresco gracias a sus canciones sencillas aunque llenas de capas y texturas que van adornando y aderezando sus letras llenan de nostalgia y de historias contadas heredadas por los abuelos.

Actualmente la banda está preparando un nuevo material que se llamará Los Tiempos Quietos y del que ya se dio a conocer un adelanto llamado “Violetada”. Para esta nueva placa el conjunto ha dicho que usaran sintetizadores para enriquecer su sonido y que las letras serán aun mas poéticas, por lo que no nos extrañaría que termine convirtiéndose en uno de los discos esenciales del 2015.

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Dinámica: Festival de lo Nuevo

NICOLÁS GONZALEZ

Desde hace algunos años en Buenos Aires se han vuelto habituales los “recitales de poesía”, las ferias de diseño, los showroom de marcas independientes de indumentaria, las exhibiciones de arte y/o fotografía, y toda una serie de eventos aparentemente ajenos al rock, pero que sin embargo suelen incluir, casi en su totalidad, un show en vivo, o al menos un dj set de algún músico.

Y no solo se han hecho habituales, sino que se han transformado en los eventos predilectos para los mismos músicos a la hora de “elegir” dónde presentarse, debido a que estos eventos atraen a más público que el clásico recital en el bar. Mi duda últimamente era si era el rock el que se había colado en ese “otro mundo”, o si el “otro mundo” era el que se nutre del rock. Pensé que quizá sea una combinación de ambas cosas, pero por las dudas decidí hablar con Claudio Kobelt, figura constante de la no-escena del Nuevo Pop Argentino y además, fundador de Dinámica Festival de lo Nuevo.

Le pregunto si ya había hecho cosas así antes: “Había hecho ferias, eventos parecidos en espíritu… pero esto es bastante más grande, y con otra intención también”. Pregunta obligada: ¿Cuál es la intención? -Poner el énfasis en lo nuevo. Quiero abrir un espacio destinado a los solistas más nuevos y jóvenes de la escena. Hacer realidad esto de la renovación y el momento brillante que creo que pasa la escena independiente argentina. Creo también que es mi forma de contribuir y formar parte de algo que me entusiasma, como es la nueva música. Y contagiar ese entusiasmo, que es básicamente lo mismo que busco cuando escribo sobre música.

Claudio no es músico. No tiene un sello discográfico. No es manager. Su interés por la música es por la música en sí. Por eso se apresura y aclara: “Lo que hago no es para pertenecer, no soy ‘el periodista que se muere por tocar’. Lo que hago es para contribuir a que esto no se detenga, por eso también pensé en Dinámica, para fomentar la renovación.” Sea escribiendo artículos periodísticos, hablando en radio o desde algún programa de TV online, Claudio aclara que su interés no es periodístico, sino que lo que busca es contagiar el entusiasmo que a él le genera la música nueva.

“Como te decía, tengo la firme convicción de que estamos en un momento brillante de la nueva escena argentina, y creo que es el momento de que todos tomemos la responsabilidad que nos cabe para hacer que la música, que tantas satisfacciones nos da, siga existiendo. No creo en el rol del oyente/espectador pasivo, creo en un nuevo espectador que tiene que comprometerse, involucrarse en lo que escucha y/o ve. Claro que hablo de la escena independiente. A Madonna le da igual si yo me hackeo el disco o no. Sin embargo, no da lo mismo si cuando me bajo un disco deHiroshima Dandysdesde Mozcu y no lo pago, o no lo comparto, o no lo voy a ver en vivo. Es mi responsabilidad como músico, como periodista, como público hacer que esto no se detenga. Lo mismo busco cuando escribo, hacer mi parte, y por eso tampoco escribo diciendo la lista de temas o clasificando si esto es rock o es pop… trato de ser más vehemente y de contagiar las ganas de escuchar o ver eso… hacer mi parte”.

Para dar una idea del grado de involucramiento de Kobelt en toda esta ensalada que es el Nuevo Pop Argentino, podemos decir que hasta forma parte de la tapa del disco de Bestia Bebé, dejando en claro que a la hora de agitar, Kobelt está dispuesto a todo: “Me lo propusieron y acepté encantado. Era otra manera de apoyar lo que me gusta, y de una manera muy tangible”.

Claudio Kobelt, pelo largo y barba, arriba, segundo de izquierda a derecha. Tapa de Bestia Bebé (2013).

Respecto a quienes lideran este nuevo movimiento argentino, Kobelt es tajante: “Creo que es innegable lo que hizo, y sigue haciendo, El Mató a un Policía Motorizado por la escena argentina. Fue la punta de lanza de toda una escena, y detrás de ellos, todos. Son un ejemplo claro de que, te guste su música o no, se puede existir, y seguir, y crecer siendo independiente. Son la prueba viva que la independencia no es un sueño, es algo por lo que vale la pena pelear. Pero en cuanto a líderes, si bien ellos abrieron un camino, lo bueno de este momento es que no los hay. Hay mil géneros, estilos, búsquedas sucediendo en cientos de sótanos en todo el país, es algo que ya esta iniciado y no necesita de líderes, solo determinación y apoyo. Por eso existe Dinámica, claro”.

Los niveles de pasión y adrenalina de Claudio Kobelt se disparan de inmediato al hablar de rock, y más allá de estar de acuerdo o no con sus posiciones, queda en claro que uno sale enriquecido después de escucharlo o leerlo. Enriquecido y motivado, porque Kobelt maneja un lenguaje que invita a levantarse y accionar: “Me da bronca, me indigno y me da mucha “cosa” estar viendo a La Venganza De Cheetara, y que seamos veinte entre el público. Pero no me quedo ahí; pienso en generar otro espacio, en escribir, en compartir algo, en generar algo para que eso no se detenga y llegue aunque sea a una persona más. Cuando escuché a los ÑÑÑÑ no lo podía creer… tengo que hacer algo para que esos pibes toquen acá (nota: ÑÑÑÑ son de la provincia de Santa Fé, y es uno de los grupos que se va estar presentando este domingo en la nueva edición de DINÁMICA, en Buenos Aires) son explosivos, son el disco del año, y no salió en ningún lado (en LAPOPLIFE sí). Me indigna, pero que eso sea mi motor para hacer algo y que más gente vibre con ellos como lo hice yo”.

Por eso cuenta que Dinámica nunca fue pensado como un recital o festival de rock, sino como espacio para celebrar lo nuevo en la cultura independiente en todas sus expresiones. “Si estamos todos en la misma, si todos somos independientes, tanto el grupo que toca, como el poeta que acaba de editar su libro artesanalmente, como la piba que hace remeras o la que saca fotos, ¿por qué no unir fuerzas? Mi mensaje es: El que va a la feria, ve las bandas, el que ve a las bandas, ve los poetas, el que ve los poetas… y así se forma una cadena infinita de energía, justamente dinámica”.

DINÁMICA: Festival de lo Nuevo sucede este domingo en el Espacio Cultural Dínamo de la Ciudad de Buenos Aires.

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Sizarr

SERGIO BENITEZ

FOTO: Klein & West / Facebook

Un provocador ménage à trois

Con una mezcla de guitarras, batería, sintetizadores, loops y sampleos, Sizarr logra un crispado sonido post-punk que coquetea lo mismo con la electrónica que con la world music. En sus canciones se escucha una variedad de ritmos latinos que dan a sus melodías un atípico sonido que por momentos recuerda al techno y y el deep house de Berlín.

Sizarr se formó en Lindau, Alemania, a mediados del 2009. Integrado por los amigos de la infancia Deaf Sty (Fabian Altstötter) y P Monaee (Philipp Hülsenbeck), quienes se encargan de las voces, guitarras y sintetizadores, ayudados por Gora Sou (Marc Übel) en la batería.

El trío plasmó desde sus primeras canciones el amor que sienten por el hip-hop de los noventa, el llamado indie rock y la música electrónica, en un provocador ménage à trois que les da un sonido original, además de sus letras que demuestran que tienen mucho que decir. Han participado en destacados festivales europeos como On3, Dockville, Melt! y Iceland Airwaves, aunque también han actuados como DJs en las fiestas Chop Suey de Heidelberg, pinchando desde música funk hasta ritmos tropicales.

Su debut Psycho Boy Happy (2012) convenció no solo a los medios alemanes, sino también a su base de seguidores que poco a poco se empezó a incrementar. El disco cuenta con doce temas que reflejan la gran variedad experimental del sonido de Sizarr, que se escucha único y maduro, destacando la desolada voz de Fabian, cuyas letras de amor y pasión son los temas centrales del disco.

Este 2015 la banda presentó su segundo material de estudio, Nurture, que refrenda la madurez y complejidad musical de la banda. De hecho, actualmente se encuentran promocionando esta grabación con una gira que incluye ciudades europeas como París y Milán.

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Bonetti

SAM VALDÉS

Este proyecto originario de Sheffield quizá no tenga la accesibilidad típica del brit-pop al que estamos acostumbrados ni al indie que tanto pega, pero es una especie de proyecto transnacional que tiene una historia interesante.

Luego de experimentar con Wooderson y Che Ga Zebra, bandas de post punk y rock alternativo, Loic Tuckey toma colaboraciones de varios músicos, las suma a las que tiene con sus músicos cercanos de la disquera The Audacious Art Experiment y crea Bonetti, un proyecto mucho más personal que los anteriores.

Dos Mescal Para Vamanos by Bonetti

Su nuevo EP, Dos Mescal Para Vamanos, es una suerte de disco conceptual que retrata el viaje de dos británicos por el México turístico (y el no tanto) y las peripecias con el lenguaje. El mismo título del disco es gramaticalmente incorrecto como herencia de ese viaje que influyó en el concepto del disco: los elementos de la cultura latinoamericana como la muerte, la camaradería, la barrera de los idiomas y el trabajo duro.

Con un EP corto, una novela gráfica como pieza auxiliar para el relato y grabaciones de campo y sampleos, Bonetti pone tras un lente inglés aspectos de la vida latinoamericana que parecían ser extranjeros para un británico, y que tal vez sin ser un descubrimiento milagroso, resultan muy similares a los de la vida inglesa.

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Barouh

CRISTHIAN SILIS

Paula Barouh es el nombre de esta artista que apostando por un estilo elaborado, llenos de pasajes electrónicos y obscuros, nos recuerda un poco a esas bandas interesantes de los noventa como Kosheen, Republica o Moloko… incluso a la etapa solista de Róisín Murphy.

No nos extrañaría que esas fueran algunas de sus influencias, ya que Barouh además cuenta con una voz altamente educada y expresiva, con la que va generando excelentes melodías que se acompañan de buenos arreglos. En 2007 lanzó su primer sencillo digital“Convulsión”, el cual venía acompañado de un videoclip que logró buena rotación en algunos canales musicales, y tres años después es elegida por la banda The Gathering para ser su acto abridor en un show en Santiago de Chile.

Finalmente, en 2013 sale su primer disco homónimo. Nueve canciones y un remix en los que pone en práctica todo lo aprendido durante los años previos.

Sin embargo, hace unos días lanzó otra canción llamada “Breathe”, que es el primer adelanto del que será su siguiente EP Inevitable, que seguramente la llevará a presentarse en muchos sitios, dentro y fuera de Chile. No la pierdan de vista.

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Sergio Pángaro

NICOLÁS GONZALEZ

Yo no soy porteño, pero de todas las grandes ciudades que tuve la suerte de conocer, es muy difícil que alguna le haga sombra a Buenos Aires en materia de cultura rock. Puede que de día, apenas logre un lejano puesto en el ranking mundial de ciudades, pero ni bien se hace de noche, dudo que haya una ciudad mejor para estar y ser joven.

La fauna de la noche porteña, diezmada por la decadencia neoliberal que padecemos desde 1990, es verdad, pero aún frondosa y particular, es el rasgo que la diferencia, creando un submundo en el que habitan seres excepcionales, atractivos, extraños, divertidos, melancólicos, retro, post modernos, coherentes, incoherentes… contradictorios siempre, pero sumamente interesantes.

Y de ese submundo quiero extraer esta vez a Sergio Pángaro: cantante, compositor, actor y miembro honorario de la noche. Él ha venido creando un mundo paralelo desde hace 25 años. Un mundo que transcurre como en 1940, donde acudir a un cóctel en una confitería es algo habitual, y la elegancia es un valor que no se discute. Un mundo en el que el bolero, el jazz, el merengue y el chachachá se funden con el beat, el garage y los musicales de Broadway.

Sergio Pángaro & Baccarat – Lluvia dorada (Baccarat por el mundo, 1999)

Sergio Pángaro lidera Baccarat desde fines de los noventa, con la idea de recuperar ciertos hábitos perdidos en materia de lenguaje y estética, propios de aquella escena de los cuarentas y cincuentas. Su repertorio gira en torno a esa música, su estética remite a aquellos tiempos… y sin embargo hay más en Baccarat, y uno no debe quedarse solo con la imagen del dandy.

Si bien Baccarat tiene un fuerte aspecto teatral, desde hace algunos años Pángaro también ha incursionado en el cine, componiendo música de películas y hasta protagonizando El Artista. En 2011 también participó de MOACIR, un documental centrado en la grabación del primer disco de Moacir Dos Santos, un ex interno del Borda, el hospital psiquiátrico de la Ciudad de Buenos Aires.

Sergio Pángaro & Baccarat en vivo (2013)

Pángaro es un personaje para prestarle atención. Todo lo que produce, sea en el formato que sea, posee un enorme contenido que hay que saber aprovechar. Prueba de esto es Debut Y Despedida, el disco que grabó junto a Fabio Pastrello (Los Brujos y Adicta) y Rudie Martínez (Adicta) bajo el nombre de San Martín Vampire.

Personaje excéntrico como pocos, el hombre al que nunca veremos de jean y remera, sorprendió la semana pasada publicando una carta que conservaba desde 1980 para el grupo KISS. En la carta, el joven Pángaro de 15 años, habla en nombre de “un grupo en formación que no tenemos recursos para equiparnos” y les pide que no rompan sus instrumentos, “aunque sea una vez”, y que se los envíen a ellos para “colaborar con el rock argentino” ya que “nosotros estamos seguros de llegar lejos”. Pero eso no es todo, en su carta el pibe le aconseja a KISS que mejoren día a día, ya que no entiende por qué no utilizan todo su talento.

No sé qué habrá sido de los demás del grupo. Pero sin duda Pángaro se transformó en alguien muy respetado dentro de la escena nocturna de Buenos Aires. Sin dudas, el que sabe, sabe desde chico.

Aquí la transcripción de la carta:

La Plata – 13/10/80

Kiss:

Me llamo Sergio y tengo 15 años. Les escribo en nombre de tres chicos más, somos un grupos que nos gusta hacer música.

Nos agrada su estilos y “algunos” temas, porque en mi opinión personal, ustedes poseen un talento que, no sé por qué razón, no utilizan totalmente.  Soy admirador de cada uno de ustedes por sus cualidades musicales, pero no integro sus fans, la cual acepta agradecida las obras buenas y malas que les dan.

Nosotros somos un grupo en formación pero que carecemos de recursos para equiparnos instrumentalmente, y como amamos la música le pedimos a Gene, Paul, Ace y Peter que nos ayuden, porque creo que sabrán entender nuestra situación, ya que yo he visto en video cassettes como estrellan una guitarra contra el piso, siendo que podrían abstenerse de hacerlo por una vez y mandarnosla, ya que su negocio va muy bien (según tenemos entendido), y al hacerlo estarían colaborando con el Rock Argentino, ya que nosotros estamos seguros de llegar alto.

No piensen que les escribo expresamente para hacerles saber nuestra posición, sino también para pedirles que mejores cada vez más, porque sé que son capaces.

Les pedimos que no se corte nuestra comunicación, y que nos contesten si es posible, ya que esperamos su respuesta y nos gustaría volver a escribirles, ya no como admiradores sino como amigos, y que nos aconsejen (si es posible) técnicamente.  Si no escribimos más es porque sabemos que tienen mucho trabajo con la correspondencia, pero si quisieran saber más sobre nosotros, sólo tienen que hacérnoslo saber.

PD: Rogamos encarecidamente a la persona que lea la presente, haga todo lo posible por hacérsela llegar a Kiss.

Sergio

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The Love Bülow

LIDIA LEIVA

Este quinteto berlinés se formó en 2008, y al año siguiente lanzaron su primera grabación titulada Menschen sind wie Lieder wurde. Aunque con raíces procedentes de Meklenburg-Vorpommern, el conjunto comenzó sus andanzas como una de esas bandas que tratan de experimentar con todos los palos: desde el pop hasta el rock, pasando por el hip-hop, los beats y el funk.

Sus siete años de experiencia son lo que les ha hecho pulir y definir su estilo, por lo que si hacemos un barrido de sus trabajos vemos ciertos cambios muy elocuentes. El 2012 fue un gran año para ellos, pues además de lanzar el LP So weit, participaron en el Federal Vision Song Contest.

Posteriormente, los integrantes de The Love Bülow se mantuvieron un poco en silencio, a excepción del single que lanzaron en 2013, llamado “Keine Zeit”, y que de algún modo los mantuvo vigentes en los oídos de sus seguidores.

Finalmente, este mes presentaron su tercer disco Leuchtfeuer, con el que han determinado un estilo distinto al de sus grabaciones anteriores, ya que en este caso nos encontramos con melodías donde impera el hip-hop, pero algo más sosegado por los cortes de indie-pop y sutiles melodías que intervienen a lo largo de todo el disco.

A finales de abril inician su próxima gira por los principales escenarios de Alemania, donde presentarán todos los tracks de este disco, Leuchtfeuer:

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Circa Waves

DANNA CAMPOS

Circa Waves es una banda de cuatro jóvenes de Liverpool, que a solo dos años de su formación ha logrado hacer eco con su melódico punk-rock por todo el Reino Unido y más allá de sus fronteras.

La banda ya se ha presentado en festivales ingleses como Glastonbury, Reading y Leeds, además de otros como Summersonic (Japón), Arenal Sound (España) y Splendour in the Grass (Australia).

Su música es divertida en todos los sentidos: riffs estruendosos pero no agresivos, y un discurso a la carpe diem son parte de su sello característico. Es por ello que el conjunto integrado por Kieran Shudall, Colin Jones, Sam Rourke y Joe Falconer ya recorrió varias partes del mundo mientras lanzaban Young Chasers, su disco debut que vio la luz el pasado 20 de marzo.

Después de terminar su reciente gira por varias ciudades del Reino Unido, la banda se dispone a continuar con su tour por varias partes de Europa. Sin duda, se trata de una banda que dará mucho de qué hablar este 2015. No los pierdas de vista.

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Pile

SAM VALDÉS

Guitarras afinadas al punto de sonar casi desafinadas, extraños cambios de ritmo y melodías que cambian de ánimo por los designios de un baterista que parece un oso con rabia… Pile es una banda difícil de describir.

No les queda la etiqueta “slacker rock”, porque sin previo aviso se vuelven una avalancha. La etiqueta indie la dejaron cuatro gritos atrás. Tampoco es experimental porque hay una forma muy definida en su maraña psicológica.

Pile es más bien como una pesadilla que se queda contigo por varios días, con elementos que quizá no tenían sentido cuando los viviste, pero que eventualmente salen a la superficie.

You’re Better Than This by pile

Esto es especialmente cierto de las letras que Rick Maguire escribió en Pile: historias de terror, fracturas en relaciones personales y hasta operaciones de emergencia. Que los disonantes sonidos que la banda crea logren plasmar la fuerza de esas emociones tal vez sea realmente lo que define a Pile.

Parte de la disquera Exploding in Sound, que nos ha dado bandas como Speedy Ortiz, Ovlov y Two Inch Astronaut, Pile es una de las bandas más grandes de 2015, creando una nueva especie de rock que promete quedarse un buen tiempo con nosotros.

Su nuevo disco, You’re Better than This, es recomendado si son fans de Slint, Krill y Roomrunner.

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Violeta Vil

SERGIO BENITEZ

Un grito de guerra femenino.

Cuando hace un par de años Violeta Vil debutara con Lápidas y Cocoteros, ya se podía comprobar que el cuarteto español en realidad era amante de lo musicalmente gótico, por mucho que incluyeran pinceladas tropicales en sus canciones y citen entre sus influencias a Suicide, Broadcast, Yma Sumac, Young Marble Giants o Slowdive.

Sus presentaciones en vivo son una irresistible máquina de baile e hipnotismo lisérgico generadora de atmósferas primitivas. Mónica Di Francesco (teclados y voz) y Yahara Espinoza (guitarra) formaron Violeta Vil en 2011. Poco después se les unirían Gabriela Di Francesco (bajo) y Gabi Ameztoy (ritmos).

Chile, Venezuela, La Rioja y Canarias se juntan en este proyecto de pop caleidoscópico, letras irreverentes, ambientes oscuros y psicodelia. “Al principio nos inventamos el término “góticotropical” para definir nuestra música, un poco como broma… pero creo que esto ha terminado siendo realmente válido para resumir la esencia del grupo”, menciona Mónica.

En 2011 atrajeron la atención de Discoteca Océano, sello discográfico con el que firmaron antes de lanzar su álbum debut Lápidas y Cocoteros en 2012. Ocho canciones en menos de media hora, producidas por uno de los músicos de moda en la escena independiente española, Sergio Pérez (Pegasvs, Thelemáticos).

En este material, Violeta Vil mostró aún más versatilidad de la que aparecía en sus primeras canciones. Un disco plagado de toques orientales, psicodelia sesentera y nostalgia ochentera; aunque sin perder nunca su propio sello. Uno que, sin duda, tiene mucho que ver con ese espíritu irreverente de sus letras.

MUJERES ULAGA by Violeta Vil

Luego de realizar giras por diferentes ciudades España y de ser objeto de elogios por parte de la crítica musical, la banda realizó ajustes a la alineación (sale Gabriela, entra Miguel Aguas) y en 2014 lanzan su segundo LP Mujeres Ulaga –lanzado exclusivamente en vinilo y con portada de la misma Mónica Di Francesco–, un álbum en el que su discurso musical se radicalizó de tal forma que los sintetizadores son prácticamente inexistentes (con excepción de “No Perdón” y “Dogmas”) y lo que ahora presentan son piezas más experimentales.

“Mantenemos la combinación de ritmos primitivos y cajas de ritmos de principio de los ochenta, pero ahondamos más en el rock gótico, algo que se podía oler a lo lejos en el primer disco”, asegura Mónica. “Algunas canciones eran bocetos cerrados y otras solo apuntes que terminamos improvisando en el estudio”, finaliza la cantante.

Cualquier resquicio pop se extirpó prácticamente de raíz. Pareciera que ahora Violeta Vil quiere enaltecer la bandera del post-punk de los setentas. El disco fue grabado en Pamplona, bajo la producción de Iñigo Pérez Artieda, y a través de la disquera Gramaciones Grabofónicas.

Vagina Dentada by Violeta Vil

Apenas iniciaba 2015 y Violeta Vil ya anunciaba “Vagina Dentada”, canción grabada en enero y que formará parte del álbum recopilatorio Presión Sonora, editado por Capitán Demo y Radio 3, mismo que se editará en formato físico en breve.

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Velódromo

CRISTHIAN SILIS

FOTO: Verónica Barrios / Facebook

Los integrantes de esta novel agrupación oriunda de Santiago de Chile son músicos con cierto recorrido en la escena musical. Sin embargo, fue apenas en agosto de 2014 cuando se juntaron en el estudio para grabar su primer EP y por lo visto, hacer magia.

Ya habíamos escuchado la canción “Gemini”, que habían dado a conocer previamente a manera de adelanto, y en definitiva nos había dejado con una gran curiosidad sobre cómo sería el material completo, ya que la canción es todo un viaje donde colisionan el shoegaze y el dream pop.

Velódromo EP by Velódromo

Finalmente, el pasado 15 de abril salió el EP completo que abre con “Atila”, canción que por momentos te hace creer que tu reproductor de audio está teniendo fallas, porque inicia con una deliciosa capa de ruido que va ganando volumen y tomando forma de manera espectacular, hasta dejarte boquiabierto… Yo no pude evitar pensar: “¿realmente esto está hecho en español?”

Le sigue “Gemini”, canción que ya conocíamos, con su sonido denso y poderoso, y que da paso a “Quisiera Ver”, que está más un poco mas cargada hacia el dream pop. Y finalmente, “Catedral”, que es más lenta y melodramática, aunque no menos intensa.

La banda planea lanzar este mismo año otra grabación que incluirá más canciones y en la que prometen que echarán mano de más estilos… Sin duda, un debut muy prometedor.

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Las Liebres

NICOLÁS GONZALEZ

Las Liebres son un dúo rock formado en 2008 por Federico Delbon e Iñaki Zubieta en la provincia de Corrientes, pleno litoral argentino. Les tomó dos años lograr su primer trabajo, El Arroyo De La Miel, el cual grabaron ellos solos en un estudio casero, plasmando su idea de combinar el formato canción con aspectos electrónicos como la programación de bases y algunos elementos del noise.

El Arroyo De La Miel LP by Las Liebres

Con ese primer trabajo, Las Liebres se presentan en vivo siempre en formato dúo, hasta que promediando el 2011 deciden incorporar a dos integrantes más, pasando a ser un cuarteto de fuerte inclinación folk psicodélica con toques de kraut rock.

Durante ese período Las Liebres editan Xauen. Personalmente, el disco que más me gusta del grupo, ya que ahí el proyecto afina su personalidad y logra una maduración, moviéndose con soltura entre distintos géneros, aunque la verdad, acotar el trabajo del grupo a una lista estática de géneros, es un pecado. Creo que lo mejor es decir que la banda crea momentos y juega con las reminiscencias.

Xauen LP by Las Liebres

Es notable cómo el grupo lleva impregnado un aire de world music, quizá producto de su lejanía con Buenos Aires, que todo lo vuelve anglosajón. Sin embargo, no estamos ante an other regional music album. Las Liebres son, fundamentalmente, un grupo de rock que se hace permeable a su entorno, físico y cultural, pero este entorno no “les marca la agenda”, sino que existe como un aroma que uno percibe no sabe de dónde.

Finalmente, en septiembre de 2014 Las Liebres editan su tercer disco, Reverberaciones. Nuevamente, el mismo es una fábrica de ocasiones, aunque más enfocada en la canción, contando con temas que rayan lo onírico y coquetean con el art rock y la canción popular melodramática.

Reverberaciones LP by Las Liebres

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Hero Fisher

CYNTHIA RODRÍGUEZ

Del stoner más elemental a la balada folk.

Gran parte de los comentarios que recibe Hero Fisher están relacionados con su aspecto físico. Es rubia y bonita, tiene nariz perfecta, ojos azules y labios color carmín. Pero su sonido es feo, en el buen sentido de la palabra: feo, fuerte e informal.

Hay algo de polvo y de arena escondida entre su música, más allá del hollín y el smog de su residencia en Londres. Sus padres son australianos y la criaron tanto en las ásperas antípodas como en la existencialista Francia. Si a esto le agregamos la melancolía británica y el nomadismo en general presente en quienes tienen varias casas y varios hogares, podemos apenas entender el por qué de la intensidad en sus temas que navegan entre el stoner más elemental y la balada folk que de dócil no tiene nada y de reflexivo lo tiene todo.

Casi como los vampiros de Only Lovers Left Alive, los temas de Hero Fisher son inmortales e internacionales: alaridos del Medio Oriente sobre una guitarra del Lejano Oeste, la cadencia de un sótano neoyorquino trasladada a las calles de Deptford, la franqueza del blues recién grabado en un vinilo de los años veinte que ha viajado a los tiempos del streaming en vivo.

Los padres de Fisher tenían una extensa colección musical, de la que seleccionaban libremente para hacer compilados en casete para armonizar los viajes en automóvil. Así aprendió a amar toda la música y a nunca decir “de esta agua no beberé”. De hecho, si tuviera algún proyecto alterno, sería una banda de punk.

Por ahora, Hero Fisher se divierte por su cuenta, con sus amigos ayudándola de vez en cuando en vivo y en el estudio. Este mes salió a la venta Slipstream, su primer EP, disponible de manera digital en los sitios de costumbre y, a propósito del Record Store Day, en vinilo de 10” en edición autografiada.

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Shark?

SAM VALDÉS

Shark? se describen a sí mismos como “una aplicación social que conecta cerveza a tu boca, y con suerte una chica y memorias de tacos de medianoche”. Entre la irreverencia de su autobiografía y la energía de su garage rock, queda claro que la banda no intenta ser pretenciosa.

Sin caer en ser “chistositos”, Shark? saben cómo entrelazar temas serios con pequeños detalles que le quitan lo agrio a la vida. “Hate Crime Girl”, de su más reciente EP, Becky and Debbie, narra cómo el guitarrista sale con una chica y cuando regresan de su cita, son testigos de una golpiza callejera, mientras que “California Grrls”, de su disco Savior, habla sobre la gente fantoche y rinde tributo/parodia a los Beach Boys.

Savior by Shark?

Otras letras hablan sobre la misoginia y el fatuo deseo de las bandas que solo quieren hacer desmadre. Aún así, Shark? no se toman en serio. Vamos, Becky and Debbie, su EP recién salido del horno, se llama así por una pareja de cobayas. El sonido garage/ post punk que traían es ahora más áspero y entre esas bromas y comentarios irónicos las verdades que Shark? quieren dejar en su público se asoman.

Para fans de The Sonics, Mazes y Wampire.

Becky and Debbie EP by Shark?

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Detergente Líquido

SERGIO BENITEZ

A lavarse las orejas.

Formada en Cádiz, España por Lucía, Ernie, Antonio y Alberto, Detergente Líquido, es una banda de indie pop rock que tiene canciones redondas basadas en enérgicas guitarras, buenas melodías y estupendos arreglos.

La capacidad del grupo de observar la realidad cotidiana, dotarla de retazos de epopeya urbana y plasmarla en fragmentos de poesía pop confiere a sus canciones un aire de universalidad que será difícil ignorar. En sus canciones se reconocen influencias de Talking Heads, The Wedding Present, The Pop Guns, The Darling Buds, Bis y Helen Love. Sus letras hablan de amor, desamor, destino, incomprensión, aburrimiento, fracaso y crisis.

Ponte en lo peor. Llámame el lunes. by Detergente Líquido

La banda gaditana presenta su primer LP Ponte en lo Peor. Llámame el Lunes, un disco de once temas en los que sigue presente la inmediatez y frescura de esta formación, así como sus melodías pegajosas, guitarras brillantes y sugerentes bases rítmicas, aunque (por encima de todo) destacan las letras. Coproducido por Juan Antonio Mateos y Detergente Líquido, Ponte en lo Peor. Llámame el Lunes ya está a la venta tanto en plataformas digitales como en formato físico: edición limitada y artesanal realizada por el sello gaditano Discosdelrollo.

Detergente Líquido persigue su objetivo huyendo de las modas y las tendencias imperantes, y aplicando, simplemente, las teorías del pop de manual: estrofas, estribillos, arreglos certeros, intensidad o relajación en los momentos adecuados.

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Fer Zárate

CRISTHIAN SILIS

El talento chileno sigue saliendo por todos lados y con diferentes estilos, como es el caso de Fer Zárate, quien actualmente radica en la Ciudad de México.

En su natal Chile participó en 2012 acompañando a Florcita Motuda –uno de los músicos experimentales y de culto más influyentes del país. Pero su primera aventura discográfica en solitario es un EP llamado Ocho de Sol, que fue producido por Felipe Fidel, otro chileno también avecinado en México.

Su música es un pop fino y bien elaborado, lleno de matices y buenos arreglos que dejan ver una fuerte influencia del jazz y que nos recuerdan a bandas españolas como Presuntos implicados, Esclarecidos y Cómplices.

Fer Zárate hace gala de una voz bien educada, misma que viste con el piano ejecutado por ella también, logrando momentos memorables y creando sensaciones cadenciosas como en el caso de “No Sabes Cuánto” o de “Cupiditas”, que es una balada riquísima; ideal para acompañar lo mismo con los días de lluvia que con los soleados. Mientras tanto, “Serenidad” es una canción que podría ser muy buen sencillo, y la que da título al disco es una pieza más acústica, llena de detalles interesantes.

Actualmente Zárate trabaja en su segundo material, cuya producción correrá a cargo nuevamente de Felipe Fidel. La dupla promete que este trabajo verá la luz a mediados de este 2015, por lo que habrá que estar atentos.

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