eBook #7

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.

LAPOPLIFE

eBook #7 Copyright © 2015 por LAPOPLIFE.

Contenido

- LAPOPLIFE

- 1. Entrevista: Paper Rifles

- 2. Entrevista: Juan Cirerol

- 3. Entrevista: Grupo de Expertos Solynieve

- 4. Infografía #7. Kanye West

- 5. The Half Earth

- 6. Prayers

- 7. The New Raemon

- 8. Ícaro del Sol

- 9. Pappo

- 10. Ja, Panik!

- 11. worriedaboutsatan

- 12. Action Jets

- 13. León Benavente

- 14. Las Naves

- 15. Fiesta

- 16. Nena

- 17. I.R.A.

- 18. Department M

- 19. Otto Von Schirach

- 20. Nueva Vulcano

- 21. Como Asesinar a Felipes

- 22. Violeta Castillo

- 23. El Bosso & Die Ping Pongs

- 24. The Mirror Trap

- 25. Mi Capitán

- 26. Colombina Parra

- 27. Dedés

- 28. The Lucid Dream

- 29. Lieutenant

- Copyright © 2014-2015, LAPOPLIFE

LAPOPLIFE

ebook #7
Marzo 2015

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.

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1

Entrevista: Paper Rifles

ESTEBAN CISNEROS

“Es posible combinar melodía y mensaje sin sacrificar alguno”.

Me encontré con Paper Rifles mientras hacía surf en la red de redes. Un clic, dos, diez, y de pronto estaba en una pantalla de Bandcamp. De las bocinas salía una música cojonuda tocada con una fuerza casi marcial y cantada con una convicción que solo merece el adjetivo militante. Con melodías. Y luego, el asombro. Di una, dos, diez vueltas a “Made To Break/Four Hours”, el primer sencillo; luego una, dos, diez vueltas a Politics, el EP que fue grabado apenas en diciembre de 2014. Me encantó lo que escuchaba.

En tiempos en que enfrentar a un público empuñando una guitarra acústica y sin otra arma que la voz está subvaluado (en parte por los folkies blandengues y los trovadores complacientes, en parte por la indiferencia general hacia la música con entrañas), Paper Rifles reivindica el poder de la canción: sin necesidad de gran producción ni de arreglos complejos, aquí hay letras que hablan fuerte y claro y melodías que se quedan oscilando en el neocórtex por largo tiempo. Un hurra por ello.

Platiqué vía correo electrónico con Jon, quien es la voz, manos, cerebro y alma detrás de Paper Rifles. Me topé con un sujeto afable, vehemente, idiosincrásico. Aquí lo que dijo:

Paper Rifles. Gran nombre. ¿De dónde salió?
¡Gracias! Escoger el nombre para una banda siempre es, para ser honesto, como caminar sobre un campo minado. ¡Es un nombre y hay que portarlo, no solo tenerlo! No quiero ser de esos tipos que usan su nombre y tocan una guitarra acústica. Mientras que hay quien lo ha hecho muy bien (¡Frank Turner, ahí te hablan!), nunca me pareció atractivo. También me gusta el anonimato que puede darme y siempre deja la puerta abierta para tocar con un grupo en algún momento, aunque no es algo en lo que esté pensando ahora. Además me gusta el contraste entre las palabras y cómo se ven escritas. Parece que no, pero eso es siempre importante.

Eres profe (como yo, debo decirlo). ¿Qué enseñas y dónde?
¡Lo soy, por todos mis pecados! Soy profesor de Historia en nivel escuela secundaria, pero es lo único que diré. Me gusta mantener mi trabajo y mi música separados, intento no traslaparlos aunque inevitablemente los chicos descubren sobre ti. Ambas cosas implican cierto elemento de performance, de actuación, pero que no se mezclen. Me considero con suerte porque disfruto genuinamente mi trabajo, pero es importante mantener ciertas distancias, tener campo para respirar.

¿Hace cuánto que tocas y cantas?
He tocado en grupos de una clase y otra desde que tenía 16. Compré un bajo cuando estudiaba para mis standard grades y comencé a tocar con dos de mis compañeros de la escuela; fue mi primera banda. Cambié de bajo a guitarra acercándome a los veinte y empecé a cantar también. Desde entonces he tenido suerte, porque he tocado con muchísima gente genial y he hecho cosas que, siendo realista, nunca creí poder hacer. Nunca olvidaré la vez que tocamos en Barrowlands, en Glasgow. Aunque Curators, mi grupo pasado, está ahora en medio de una pausa de tiempo indefinido, pudimos hacer un montón de cosas grandes. Es bonito cuando puedes decir que tu banda fue tocada en Radio 1; Gary (la otra guitarra y segunda voz) y yo estamos ferozmente orgullosos de Curators en todas sus manifestaciones. Tuvimos miembros cambiantes conforme pasaron los años, pero aún escucho las grabaciones con regularidad, y eso no me pasa con ninguna otra banda en la que he estado.

Cuéntanos más de Curators. ¿Cómo empezaron? ¿Por qué terminaron? Realmente me encanta Is This A Private Fight…
Gary y yo comenzamos Curators hace unos cinco o seis años, pero no nos lo tomamos en serio sino hasta 2010. Tuvimos varios bateristas y bajistas, pero hubo dos formaciones concretas para los discos: primero Mark y Pete, luego Mark y Bob (en la batería y el bajo, respectivamente). Y en cuanto a Is This A Private Flight, nos abrió los ojos. Grabamos con Stephen Watkins (ahora del TAPE Studio en Edimburgo) antes de que tuviese su lugar propio. Hicimos todas las pistas base en una noche y luego pasamos mucho tiempo grabando por las noches en el apartamento de Stephen, porque era la única hora a la que se podía. Por el trabajo y eso, tú sabes. Todavía me asombro de que ese disco grabado en una habitación pequeña suene tan grande como lo hace y que nos haya llevado tan lejos.

Ya habíamos comenzado a dejar señales de humo en ese punto de la historia, pero –típico–, nos las arreglamos para descarrilarnos. Pete, el bajista del primer disco, aplicó para unirse a la marina y aceleraron el trámite de su ingreso, así que de repente teníamos un disco pero no una banda para promoverlo en vivo. Por fortuna reclutamos a Bob (que ahora es guitarrista en Danny, Champion of Nothing que se sabía las canciones al derecho y al revés y podía imitar esos coros tan optimistas del disco; así, seguimos en las andadas.
Con esa alineación escribimos y grabamos nuestro segundo disco, The Cold In The Walls, y también nuestro single de despedida, “Cemetery Sea”. Una combinación de matrimonios, bebés y eso que llamas vida nos llevaron a esta pausa indefinida, pero no me parece imposible que volvamos en el futuro.

Una de las canciones de tu EP es “Cemetery Sea”, justamente. ¿Por qué decidiste regrabarla como Paper Rifles?
Muchas de las canciones de Curators fueron escritas en acústico y luego arregladas por la banda, así que tenía sentido para mí tocarla en su forma original, al desnudo. Hay un par de canciones de Curators que toco en vivo y hay muchas más que podría tomar. Decidí regrabar “Cemetery Sea” porque creo que es una especie de puente entre el final de Curators y el inicio de Paper Rifles. También me gusta el hecho de que tiene algo del estilo de Billy Bragg en los versos. Y si vas a hacer un cover de alguien, ¡que sea de ti mismo!

¿Cómo empezó Paper Rifles?
En realidad no es que “empezó”, es que “está empezando”. Ya traía en la cabeza la idea de un proyecto solista, pero necesitaba el ímpetu para llevarlo a cabo. Mi intención original era hacer un álbum, pero el estudio se vino abajo; decidí entonces que grabaría “a ráfagas”, tratando de ser más espontáneo. Contacté con Andrea de los estudios 21 Seven e hicimos clic de inmediato. Grabé el single “Made To Break” en octubre de 2014 casi como un experimento, pero nos fue tan bien que regresé en diciembre a grabar el EP Politics. La respuesta a las grabaciones ha sido mucho mejor y más grande de lo que había esperado y me ha dado mucha confianza en cuanto a esto de ser un “artista solo”, lo que sea que eso signifique. Mi siguiente proyecto es salir y tocar en vivo mucho durante 2015.

Politics by Paper Rifles

Politics . Casi es una palabra ofensiva. ¿Puede la música pop aún llevar mensajes importantes a los escuchas? ¿Lo ha hecho alguna vez?
Sí. Sí y tiene que hacerlo. No es necesario hacer folk martilleante y traer en la mano una copia de Das Kapital, pero creo que es posible combinar melodía y mensaje sin sacrificar uno por otro. No sé qué tan familiarizados estén allá con la situación de la Gran Bretaña y Escocia, pero sentí que las cuestiones políticas tenían que ser abordadas de distinta manera, una no tan obvia. Ignorar la situación sería un lío, sería cobarde.

¿Cuál es tu inclinación política?
Interesante pregunta. Por mi trabajo tengo que ser cuidadoso en mi respuesta. Basta decir que mi ideal político descansa a la izquierda del centro en su mayor parte. La política británica es, a nivel nacional, un chiste absoluto; el establishment de Westminster es más homogéneo, más corrupto y menos representativo que nunca. Un caos. Al menos en Escocia tenemos un surgimiento popular de optimismo de izquierdas con grupos como el National Collective. Contrasta eso con esa cosa llamada UKIP (United Kingdom Independence Party) en Inglaterra y su supuesto ascenso…

¿Cómo es Edimburgo hoy? ¿Cómo es Escocia?
Yo soy de Dundee. Me mudé a Edimburgo a finales de los noventa y de ahí no me he movido. Edimburgo es una ciudad hermosa, de alguna forma es una anomalía en Escocia. Pero me enorgullece llamarla mi casa. ¿Y Escocia? Comprometida, ocupada. El referéndum, me parece, ha despertado un interés popular genuino por la política, pero de una manera en la que se quiere cambiar y mejorar.

¿Estás a favor de la independencia escocesa?
Sí, aunque no siempre lo estuve. Todo lo que pasó antes del referéndum me giró de un no por default a un sí cauteloso. Pero todo lo que sucedió después ha hecho mi decisión del sí aún más fuerte. No soy un nacionalista. Creo en una democracia que rinda cuentas, representativa, y Westminster sencillamente no la proporciona. El referéndum fue una oportunidad de hacer una apuesta gigantesca, pero también de pensar realmente acerca de cómo tendría que ser una democracia moderna. Casi nadie vota en las elecciones generales, pero casi todos lo hicieron en el referéndum y hay una razón: sabían que su voto contaba. Los líos del “juramento” y todo eso que ha sido arrastrado en la etapa post-referéndum sólo muestra lo débil que es nuestro sistema político. Podría seguir hablando de esto durante días, pero más o menos captas la idea…

Por cierto, ¿cómo ven a México desde Escocia? ¿Ven a México desde Escocia?
Interesante pregunta, otra vez. Solo puedo hablar por mí, pero ciertamente no los vemos a través de los ojos huevones de Top Gear y esas cosas. Supongo que les vemos como los vecinos pisoteados de los Estados Unidos, muy satanizados en la prensa (¡hola, Fox News!) Me alegra que hayas preguntado eso, ¿sabes? Creo que México ha sido visto en Escocia siempre desde el prisma de Hollywood: saltos en la frontera, tequila, viajes ilícitos para adolescentes. ¿Y el resto? ¿Es un espacio vacío en un mapa? ¡Hombre, tenemos que conocerles mejor! Quisiera saber más acerca de música, de punk en México. Quisiera saber más acerca de arte y política y conocer la opinión mexicana acerca de los Estados Unidos. ¡No hay excusa para la ignorancia cultural en la era de la internet!

Ya hablaremos de eso en otra ocasión. Por lo pronto regresemos a la música. ¿Cómo fue tu proceso de grabación para el sencillo y el EP?
Muy, muy fácil y divertido. Andrea, de 21 Seven, es un tipazo y me sentí como en casa en su estudio con solo pisarlo. Era la primera vez que hacía un disco en acústico, así que fue mucho más rápido que con una banda en pleno. El single “Made To Break” fue grabado todo en una tarde; y ahora que lo pienso, también el EP Politics. Tenía la idea de no complicarme las cosas. Tengo una guitarra y una voz, así que había que enfocarse en eso.

Folk, punk acústico… dejemos las etiquetas de lado, porque no sirven cuando la música suena bien y tiene alma. Pero, ¿cómo trabaja una banda de un solo hombre? ¿Cómo es tu trabajo en vivo?
¡Te lo diré! Creo que es perfectamente posible pararse y dejar todo en un escenario con una guitarra acústica sin ser estático o aburrido. Como aún soy muy nuevo en esto de tocar solo, aún estoy buscando tierra, pero no puedo quedarme quieto en escena, costumbre del grupo. Así que ahí voy con Paper Rifles.

Made To Break / Four Hours by Paper Rifles

¿Hay planes para lanzar las canciones en CD o vinilo?
¡Me encantaría sacarlas en vinilo! James Johnson y yo hemos estado hablando acerca de un disco compartido, un lado él y otro yo; lo hablamos ya con nuestros amigos de Anti-Manifesto, así que esperemos que funcione. Creo que también tengo que lanzar, pronto, las canciones de Paper Rifles en CD. ¡Escucho ofertas!

¿Cuáles son las ventajas (y desventajas) de usar Bandcamp y Soundcloud?
Soundcloud está bien, pero soy un hombre de Bandcamp. Es una gran plataforma. Después de una o dos horas de que lancé Made To Break, ya había cien escuchas. Es sorprendente. Me di cuenta también de que subir mi trabajo y que el consumidor proponga el precio que quiere pagar por él es genial. Para alguien como yo, en el nivel en que estoy, Bandcamp está casi libre de desventajas. Soy un gran fan, aunque también soy un viejito que ama tener discos en físico y escucharlos.

Como yo. Y, ¿qué sigue para Paper Rifles?
Ya veré. Todo esto es nuevo para mí, así que tomo todo tal como viene. Mientras me divierta, habrá Paper Rifles. Haré toda la música y daré todos los conciertos que mi vida de profe treintón y casado me permita. ¡Rock and roll! ¿Eh?

Live in Edinburgh by Paper Rifles

¿Qué música escuchas estos días?
Siendo honesto, paso mucho tiempo con mi colección de discos de los noventa y de principios de los dos mil. Dicho esto, tienes que escuchar los discos que sacan Anti-Manifesto y Make That A Take. Sería indolente y facilón de mi parte decir que toda la buena música se hizo cuando yo era un adolescente, pero no tendría sentido. Hay muchísimas cosas geniales allá afuera, pero tienes que salir y encontrarlas.

Mencionas Full Metal Jacket como inspiración para tu canción “Four Hours”. ¿Qué otras películas son importantes para ti?
Soy un fan inmenso de Apocalypse Now. El Exorcista es otra de mis favoritas. También me encanta Withnail And I. La banda con la que tocaba en la escuela usaba el soliloquio de Withnail… al final, como intro de una de las canciones.

Ahora una pregunta espantosa, terrible. ¿Puedes nombrar diez discos sin los que la vida sería fea?
Manic Street Preachers, The Holy Bible. Idlewild, 100 Broken Windows. Nirvana, In Utero. Radiohead, The Bends. The Gaslight Anthem, The ’59 Sound. Hot Water Music, Caution. Erm… ¡esto es muy difícil! Probablemente te daría una respuesta distinta cada día, así que dejémoslo. La única constante en la respuesta es The Holy Bible, que es el mejor disco jamás hecho.

¿Y el futbol?
Soy, claro, seguidor del mundialmente famoso Dundee United FC.

Gracias, Jon. ¿Algo más?
¡Estoy hecho polvo! Agradezco este tiempo, ha sido un placer. ¡Que viva México!

C/S.

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2

Entrevista: Juan Cirerol

ALEX CASTRO

Juan Cirerol acaba de lanzar su quinto disco, y primero con una trasnacional. Todo Fine, como suele decir él, y no habría razón para no estar bien y de buenas.

Hace dos años que el de Mexicali anunció, luego de varios discos editados con sellos independientes, que firmaba un contrato con Universal Music. Aunque luego pasó el tiempo y no sucedía nada. Incluso editó otro disco por su cuenta, Cachanilla y Flor De Azar . Él asegura que le dieron chance de sacar ese otro disco, que fue un capricho que le cumplieron.

Pero ahora el tema es Todo Fine. Y después de escucharlo, mi primera inquietud tiene que ver con la energía que suele proyectar Cirerol en directo; una fuerza que se extraña a la hora de escuchar sus discos, porque hasta la fecha no ha podido trasladarla (pocos pueden hacerlo). Se lo comento y él argumenta que hasta la fecha sigue aprendiendo a grabar. Bien bajado ese balón.

De pronto nos interrumpe un sonido ya característico de las calles de México DF, y según me cuenta él, de otras como Mexicali. El famoso sonsonete de “Se compraan… estufas… lavadoras… o algo de fierro viejo que vendaaan…” Le comento que detesto esa grabación y él, que no es un amargado como yo, se ríe y dice que a él le musicaliza el día. “Es muy genérico de los días en México… emblemático. México tiene unos emblemas muy extraños, pero son muy interesantes cuando logras perfilar tu energía hacia ellos”.

Después de la distracción, retomo lo de esta grabación, que fue producida por MarcMonster y Toy Selectah. Le pregunto quien los escogió y me dice que él mismo… No le creo, ¿pero qué importa? Mejor le pido que me diga por qué ellos y qué fue lo que le aportaron al disco.

Todo Fine tiene una particularidad: suena muy parecido a todos los discos de Juan Cirerol, porque a nivel composición e interpretación no hay ni un mínimo cambio. Pero a nivel técnico sí se utilizaron otras herramientas para su registro, y de alguna manera también se nota. Él ha dicho que es un disco raro, y estoy de acuerdo. De lo que estoy seguro es de que ya se perdió el factor sorpresa.

No quiero desaprovechar la oportunidad de preguntarle por qué se estuvo comunicando con sus seguidores de las redes sociales de una manera tan confusa en los últimos meses. Le digo que mi teoría es que todo se debe a la fiesta. Él sonríe y además de contestar me empieza a contar, casi sin que se lo pida, lo que significa para él la fama…

Habiendo averiguado lo que quería del disco, tengo tiempo para asuntos menos importantes, como por ejemplo, las mentadas drogas de las que habla en casi todas sus canciones.

Ya está. A partir de ahora, los discos de Juan Cirerol estarán disponibles en todas las tiendas de discos, entre los de Charlie XCX y los de Cash. Y quizá en todos los festivales, y todas las radios, o quizá no. Y no es que me importe, pero por si alguien se lo preguntaba, le lanzo una última pregunta…

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3

Entrevista: Grupo de Expertos Solynieve

ENTREVISTA: MARÍA MERIOMA / FOTOS: CARLOS H. JUICA

Hablamos con Manuel Ferrón, Antonio Lomas y Miguel López de Grupo de Expertos Solynieve, quienes están presentando la edición latinoamericana de su más reciente LP con conciertos en México y Colombia.

GESN surgió de una reunión de amigos paralela a sus otros proyectos. ¿En algún momento pensaron que los traería al otro lado del charco?
Todos al unísono: No.
Miguel: De hecho pensábamos que no iba a durar ni medio minuto.
Manuel: Es más, ni siquiera pensábamos que íbamos a ser un grupo, ni que editaríamos discos, ni que daríamos conciertos, ¡nada! Todo ocurrió porque ni siquiera trabajamos mucho para que ocurriera. Teníamos algunas canciones que surgían de encuentros festivos, como este (señala la cerveza que hay sobre la mesa y el entorno acogedor de la sala) pero con guitarra… y en un momento dado nos dio pena que esas canciones no estuvieran grabadas. Los Planetas tienen un estudio y nos permitían grabarlas, las grabamos; cuando estaban grabadas nos daba pena que se quedaran en un cajón en nuestras casas… las grabamos en un disquito que finalmente editamos y ya, a partir de ahí todo.
Antonio: Era lo que has dicho, una reunión de amigos y todo fue muy paso a paso.

Un grupo cien por ciento andaluz, es el concepto de la banda.
Manuel: Totalmente. De hecho, nosotros como contamos el grupo, tanto a la gente como a los medios, pasa todo por ahí y tenemos muy claro que tenemos que ser coherentes, presumimos de origen y de una manera de hacer las cosas y tenemos que ser coherentes con eso porque es parte fundamental del discurso.

¿Cómo logran mezclar sus otros proyectos con GESN?
Antonio: Hace diez años empezamos sin demasiadas pretensiones en los huecos que teníamos tanto de ensayos como de conciertos y otros trabajos y sigue siendo así…
Miguel: Y nunca está demasiado tiempo activa (GESN); hay años que se hacen más cosas y otros que no, pero siempre hay tiempo para esto y si no, lo buscamos porque también es una prioridad hacerlo.
Manuel: También es que esto nunca lo hemos enfocado como un trabajo diario, como se hace en otras bandas, y eso es lo que nos permite ir rodando y al final hacer cosas…
Miguel: También en la oficina, el management, se van poniendo de acuerdo para hacer que no coincida nada para que se pueda mantener. Un trabajo con colaboración de todos.

El asiento vacante que se ve en las fotos es el de Jota, quien creímos que no estuvo porque no suele acudir a las entrevistas, aunque después si atendió otras citas en la radio (y el recital en El Plaza Condesa, por supuesto). Sin embargo, la charla con estos tres granadinos dejó “claro y meridiano” lo que necesitábamos saber.

Sus dos EP (Colinas Bermejas y Lucro Cesante) parecen un todo. ¿hubiera podido ser un LP si se hubiesen esperado más tiempo? ¿O prefieren ese formato?
Antonio: Hubieran podido ser un LP pero no tuvimos tiempo. El encuentro Colinas Bermejas dio para cinco canciones porque de hecho la canción “Colinas Bermejas” va en Lucro Cesante y se guardó explícitamente. Nos gustaba cómo las otras cuatro canciones contaban el momento y nos pareció muy buena idea continuarlo con un vínculo obvio que es el nombre de la canción y del álbum aunque hay muchos más vínculos por detrás. De hecho, en México se edita como un todo y en principio tuvimos la idea de juntarlo con otro título y sumarle canciones antiguas que aquí no han sido editadas, pero pensamos que precisamente por esa coherencia interna que tiene, era mejor publicar solo esas ocho canciones como un todo que realmente funciona y que define el momento actual del grupo.

El título Lucro Cesante ¿surge como una crítica al estado de la cultura en España?
Antonio: De la cultura de robar dinero (risas).
Manuel: Tiene que ver con todo: con la situación socioeconómica en general y con la cultura en particular. En España la actividad cultural está perseguida, esto puede parecer exagerado pero no lo es; no te persiguen con armas, te persiguen con un IVA del 21% que hace casi imposible la edición, la promoción, todo. Son comparaciones estúpidas pero el porno tiene un 4% de IVA y las actividades culturales el 21%… El gobierno es conservador, si tú ves alguna lógica en esto, excepto la persecución manifiesta… luego nos dicen radicales. Creo que tiene que ver con una actitud general de los dirigentes políticos que saben que los artistas se expresan, que la gente los escucha y que son una fuente de ideas y de opinión muy peligrosa.

Esa crítica política es parte del discurso de GESN desde el principio, ¿no?
Manuel: No es nuestro único motor pero está ahí… la primera canción de nuestro primer LP decía: “Esto tendrá que explotar por alguna parte, alguien tendrá que largarse que yo me pienso quedar”, y hemos visto cómo efectivamente eso está explotando y nosotros seguimos diciéndolo…
Miguel: Y al final nos vamos a tener que largar nosotros (risas).
Manuel: (continúa) y esa letra se ha reformulado mil veces, porque al final “La Nueva Reconquista de Graná” habla de lo mismo y muchas otras canciones hablan de lo mismo, porque no ha cambiado la situación. De alguna manera hemos visto cómo nuestros peores presagios se han ido haciendo realidad.

Si las entradas al estudio de grabación son como una reunión de amigos para GESN, ¿cómo son esas reuniones?
Manuel: Pues mira, llega Miguel con una cerveza en una bolsa de plástico…
Antonio: Eso siempre.
Miguel: Me estáis dejando fatal, vamos.
Manuel: Entramos al estudio un poco después de la hora que dijimos. Empezamos muy tranquilamente, con alguna versión de algo que nos gusta. Comentamos lo que veníamos escuchando, leyendo o algo que nos acaba de pasar. Casi nunca hacemos lo que se supone que vamos a hacer, cuando quedamos para ensayar o para ver el repertorio de un concierto y grabamos algo o quedamos para grabar y al final no grabamos nada.

¿Y para los conciertos?
Manuel: Ahí está la parte profesional, has vendido una entrada, debes respeto porque va a verte gente que te quiere.
Miguel: Es diferente un ensayo a un concierto. Hay una presión que no tienes en un ensayo y eso dificulta un poco que puedas tener el mismo tipo de ambiente para tocar igual de tranquilo.
Manuel: Tenemos que convertirlo en una fiesta. Al principio las portadas del primer EP y del LP, reproducían motivos de una cerámica tradicional árabe que son los objetos cotidianos que hay en las casas en Granada: las jarritas de vino, los vasos, útiles de cocina… y nosotros a los conciertos llevábamos este tipo de cosas (cada concierto nos los robaban y dejamos de hacerlo). Intentábamos reproducir al máximo el rollo doméstico en el sentido casero; estar entre amigos, y ahora intentamos que no se no se diluya ese espíritu original.

Por cierto, la portada del último EP se parece mucho a la de …And Justice For All, de Metallica.
Miguel: ¡Ah, sí! ¿También te has dado cuenta?
Manuel: Conocemos la portada. Te diré que ningún medio nos lo había dicho, pero amigos y músicos, sí… Metallica y nosotros no tenemos nada que ver… esa estatua está en Colinas Bermejas (porque) es la Justicia, la diosa Justicia; es un icono universal, no podíamos dejar de usarla porque se parecía a la de Metallica, pues responde a una idea mucho mayor. Es un motivo universal.

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4

Infografía #7. Kanye West

SAM VALDÉS / DISEÑO: ALEJANDRA ROBLES

Calidad vs. Popularidad

¿Cuál es el mejor disco de Kanye West y cuál el peor? ¿Cuál es su álbum más popular y el más ignorado?

Para medir la calidad consultamos las calificaciones que cada disco ha tenido en distintos medios especializados, y las promediamos. Para medir su popularidad hicimos lo mismo con las listas de éxitos en el mercado inglés y el norteamericano.

Aquí los resultados:

ALGUNOS DATOS QUE ARROJA LA INFOGRAFÍA:

* La mayoría de sus discos ha obtenido muy buenas calificaciones en promedio (cinco de ellos han recibido más de 4 estrellas y solo dos han recibido más de tres).

*Sus discos mejor calificados son Late Registration y My Beautiful Dark Twisted Fantasy.

* Su disco peor calificado es 808s & Heartbreak.

* Al ser un artista norteamericano, 5 de sus discos han sido más populares en Estados Unidos que en el Reino Unido.

¿Cuál es tu disco favorito de Kanye West y por qué? Cuéntanos.

5

The Half Earth

SAMUEL VALDÉS • Folk expansivo.

Conor Stephenson era un simple estudiante de química en Sheffield. Proveniente de una familia de músicos, el fin de su carrera profesional lo tenía en una disyuntiva: dedicarse a la ciencia o crear música. Y como no consiguió armar una banda, prefirió hacerlo como solista.

Este proyecto es el etéreo ser conocido como The Half Earth, cuyo sonido está compuesto por una sensibilidad folk que recuerda a Bon Iver, enaltecida por espectrales sonidos que le dan un sonido mucho más majestuoso. Canciones como “Glass” se aferran a un sonido expansivo como el de Glasser o Bat For Lashes, pero en otra parte de ese espectro multicolor.

Teniendo como estudio un pequeño cuarto, los sonidos de The Half Earth gozan de imperfecciones que le dan otra capa de emociones en sus melancólicos acordes. “Borders”, el primer sencillo de su EP Light Breaks In, es un buen presagio de lo que el artista tiene para nosotros.

Con solo unas canciones publicadas, pero bajo la promesa de un álbum este 2015, Conor Stephenson ya encontró buen recibimiento de BBC Radio, augurándolo como uno de los artistas revelación del año… La ciencia tendrá que esperar.

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6

Prayers

SERGIO BENITEZ • “Cholo goth” desde San Diego.

Este proyecto se formó en 2013, en la ciudad de San Diego, California. El dúo integrado por Rafael Reyes (líder y ex vocalista de Vampire) y el artista de música electrónica Dave Parley, ofrece un estilo un poco ajeno a lo convencional.

Killwave, occultwave o como ellos mismos lo describen: “Cholo Goth”. Eso sí, con influencias muy comunes como The Cure, Pet Shop Boys, Joy Division, David Bowie o Peter Murphy. Sobre todas esas etiquetas, dice Reyes: “Killwave, occultwave, shadowave son todos una salida que utilizo para exponer y celebrar fragmentos de lo que soy, puede ser vulnerabilidad o, a veces mi ego”.

Reyes nació en Michoacán, México, y creció como miembro de la pandilla Sherman Grant Hills Park 27, aunque a los 18 años se alejó de ese ambiente para abrir Pokez, un restaurante de comida mexicana vegetariana en San Diego, mismo que veinte años después, su familia aún posee y atiende.

Reyes cumplió dos condenas por asalto grave en los últimos 20 años, después de la muerte de su padre. Usó su tiempo tras las rejas para desarrollar su arte y escribir, lo que le llevó a publicar Living Dangerously, una novela sobres la vida de las pandillas. Lleno de violencia y sexo, impregnado de la jerga de la calle y de diálogo ágil, el libro revela la bravuconearía y humanidad de su autor.

El líder de Prayers comenzó a pintar y esculpir pero aún ansiaba una manera más directa y activa para expresar su mensaje, por lo que formó los grupos góticos Baptism of Thieves y Vampire, con los que obtuvo gran notoriedad, sobre todo a nivel local.

Con Prayers, su actual proyecto, Reyes en compañía del nativo de Tijuana David Parley, llama a la “maldad” humana y demanda respeto sin temor alguno. El nombre y estilo de la banda encajan perfectamente entre sí con su propia iconografía cultural: cráneos, encajes, velas, santos y crucifijos. La música se basa en el desamor, alienación y angustia, lo que es perfecto para los jóvenes que se consideran indeseables en todo el mundo.

Sus tracks tristes y descontentos inmediatamente los relacionan con Bauhaus, Depeche Mode, Christian Death, Joy Division, y hasta con los sonidos melancólicos de The Smiths (cuyo cantante Morrissey es un ídolo para muchos chicanos). Uno de los primeros videos de Prayers, “From Dog to God”, proporciona una buena idea de lo que significa el killwave: imágenes esotéricas, el maquillaje con base en tatuajes manchados sobre Reyes, la monstruosa barba de Parleys, esmalte negro de uñas, temas de aislamiento y traición, ritmos bailables y los sintetizadores que producen cierto misticismo.

En sus actuaciones en vivo, Prayers presenta los elementos más oscuros de baile con toques de una mezcla entre Pet Shop Boys y David Bowie. Transiciones abruptas, letras rapeadas sobre orgullo y lucha se arremolinan junto al sonido del sintetizador y el incesante golpeteo de los tambores.

Algunos medios como NBC hablan de la innegable credibilidad callejera de Reyes y el poder redentor de la música en su vida. Como él mismo dice: “Mi música me ha salvado de mí mismo y ha salvado a otros de mí”.

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7

The New Raemon

MARÍA MERIOMA • Pop folk desde Barcelona.

FOTO: Noemi Elias Bascuñana

Ramón Rodríguez no tenía pensado publicar el primer álbum de The New Raemon y aún así desde ese comienzo, en 2008, se convirtió en un referente del pop independiente catalán. Ese primer trabajo titulado A Propósito de Garfunkel, fue el despegue de un “nuevo Ramón” que no ha parado de crear y mejorar con cada álbum que pasa.

The New Raemon tiene en su haber cinco largos, dos EP y un recopilatorio en los que como compositor de letras es, podría decirse, transparente, pues permite saber lo que está pensando y sintiendo de una forma bastante directa. Las buenas letras son una constante y algo que él define como “pequeñas canciones sentimentales”.

La música que le da sentido y ritmo a sus palabras es lo que se tiñe de diferentes colores según el disco, aunque en general se pueda catalogar como pop-folk.

Tinieblas, por fin by The New Raemon

Sus primeros trabajos A Propósito de Garnfunkel y el EP La Invasión de los Ultracuerpos daban una sensación de cantautor solitario, pero en 2009 con La Dimensión Desconocida ya se nota una banda de respaldo y en el álbum Libre Asociación (2011) cambió un tanto el intimismo por un tinte más extrovertido, dado por el sonido rock y eléctrico que volvió a llevar a la oscuridad en El Problema de los Tres Cuerpos y Tinieblas, por fin.

El responsable de casi todo es Ramón Rodríguez (voz y guitarra), pero recientemente de manera habitual lo acompañan Pablo Garrido (guitarra), Salvador D’Horta (batería), Pep Masiques (bajo) y Marc Prats (teclados), músicos amigos que tienen otros proyectos pero que también conforman este como si de un grupo se tratara.

El pasado 27 de enero The New Raemon estrenó Oh Rompehielos, un disco en el que retoma el desasosiego que causan las relaciones humanas pero con momentos en los que parece, incluso, que quiere hacernos bailar… aunque sea por el gusto de vernos caer después.

Oh, rompehielos by The New Raemon

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8

Ícaro del Sol

CRISTHIAN SILIS • Electropop desde Santiago.

Ícaro del Sol es dueto genial de Santiago de Chile. Con su disco debut homónimo (2011) colocaron algunas canciones en MTV: una en la rotación normal y otra en una serie de corte juvenil del mismo canal, lo cual les abrió varias puertas.

Con un sonido que va del pop rock al electropop, y letras que hablan de temas personales y espirituales, pero también sociales y de conciencia, Sebastián Valenzuela (voz, teclados, baterías, programación) y Francisco Soto (voz, guitarra, teclados, percusiones, programación) han estado haciendo suficiente ruido en lo que va de esta década, dentro y fuera de su país.

Icaro del Sol by Icaro del Sol

Después de seguir moviéndose por varios territorios –incluido México, a donde hicieron una visita a modo de exploración, junto con una delegación de músicos chilenos–, y de seguir colando temas en varios medios, en 2014 la banda regresó con un EP de cinco canciones que le dieron continuidad a su ascendente carrera.

En ese mini álbum llamado Versus, se inclinan por un camino un poco más bailable, como se pudo escuchar desde el primer adelanto del mismo, que fue la canción “París de Abril”, mientras que en la canción “Algo Bueno” colabora La Entrópica, con quien logran una combinación fabulosa que hace bailar a cualquiera. La otra colaboración destacada del EP fue con el uruguayo Juan Celofán en “Ellas”.

Versus by ICARO DEL SOL

Por todo lo anterior, esperamos que la banda no tarde en lanzar un nuevo material y que visite otros países para que podamos verlos de una vez por todas en directo.

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Pappo

NICOLÁS GONZÁLEZ • Un héroe del rock, a diez años de su partida.

En marzo de 1950 nació en Buenos Aires Norberto Aníbal Napolitano, más conocido como Pappo. El carpo, como también se lo conoció, fue, desde mi punto de vista, el único guitar hero auténtico del país, introduciendo e impulsando el heavy metal en estas latitudes, pero sobre todo, siendo un personaje notable, contradictorio y polémico, que al igual que otros de la talla de Diego Maradona, acuñó frases inolvidables que calaron para siempre en la cultura popular argentina.

Para comenzar tenemos que decir que Pappo fue parte del inicio de la cultura rock argentina, y por lo tanto sudamericana. Participó de la primera formación de Los Abuelos de la Nada allá por 1967, tocó con los hoy míticos Los Gatos, Aeroblus y también con La Pesada del Rock and Roll, el grupo de Billy Bond, otro personaje increíble de la fauna porteña, hoy empresario exitoso, y de quien también tendremos un reporte en breve.

Podemos decir entonces que Pappo fue parte de aquella “juventud dorada”, frecuentando los mismos bares y reductos que todos los “padres fundadores del rock en español”, y tocando con la mayoría de ellos. Sin embargo, ¿por qué no aparece al lado de figuras como la de Litto Nebbia, el flaco Spinetta, Charly García, etcétera? La respuesta es simple y compleja a la vez.

Pappo era hosco, sanguíneo (característica de la que carecen casi todos los héroes del rock argentino), práctico, por momentos bruto y alejado de toda pretensión artística. Él sólo quería tocar blues y rock and roll a todo volumen, andar en moto, correr en auto y divertirse con las chicas. Esto hizo que su figura quedara en segundo plano, de alguna manera, frente a otros artistas más “rosados”.

Sus dos proyectos más importantes fueron Pappo’s Blues, con el cual grabó siete volúmenes entre 1971 y 1978, más un disco producto de una reunión en 1995 y otro en 1999, también producto de una nueva reunión.

Pappo’s Blues (1971)

El otro fue Riff, demoledora agrupación, primeros en dedicarse al heavy metal, y en la cual Pappo brilló junto a Viticus en bajo y Michel Peyronel en batería.

Riff – Ruedas de Metal (1981)

Es muy extensa la discografía de Pappo como para enumerarla entera, sin embargo se puede afirmar que logró hacerse de un lugar entre los grandes guitarristas del mundo, llegando a ser invitado por el propio BB King en persona a subir al escenario durante un recital suyo en el Madison Square Garden de Nueva York.

Durante los noventa grabó discos de manera solista, siempre moviéndose entre el blues y el rock and roll, donde se destacan piezas como “Mi vieja” que se transformaría en un himno de la lucha de los jubilados contra el modelo neoliberal que sometía a la región en aquellos años.

Por otro lado, Pappo también dejó su marca en la manera en la que los jóvenes asimilarían el rock, en una (de nuevo) ya mítica entrevista televisiva del año 2000 en la que le dejó bien en claro a un DJ que, por aquel entonces era famoso (y hoy por suerte ya no), que “los dj no tocan, eso no es tocar”, marcando una pauta que miles de jóvenes imitarían hasta el día de hoy, y que más allá de lo gracioso del episodio, ha retrasado mucho la producción musical argentina, que continúa transitando episodios donde pareciéramos no haber llegado siquiera a los años noventa.

Episodios como ese, en la carrera de Pappo, hay muchos. Entrevistas canceladas en mitad del reportaje, plantones a último momento, declaraciones explosivas y más de un escándalo, ubican a Pappo en un nivel de estrella de rock extraña, lejos del glamour y de las limusinas, pero con toda la carga de controversia y polémica que cualquier estrella necesita y que hoy, lamentablemente, ya no existe.

Pappo falleció el 25 de febrero de 2005 en la localidad de Luján, Buenos Aires, al caer mientras piloteaba su infernal Harley Davidson y luego ser arrollado por un auto que venía en dirección contraria. Su impronta no se borrará jamás.

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Ja, Panik!

LIDIA LEIVA

Hace unos días indagaba en listas de rock independiente, donde me topé con esta agrupación austriaca que se formó en 2005, y que actualmente se encuentran asentada en su ciudad adoptiva, Berlín.

Andreas Sprechtl, Stefan Pabst Laura Lander y Sebastián Janata son los actuales componentes de un proyecto que lleva ya unos diez años haciéndose escuchar, y por el que han pasado otros músicos como Christian Treppo hasta 2012 y Manuel Dinhof hasta 2006.

Sus primeros trabajos datan del 2006 con su primera grabación homónima, con la que experimentaron sus primeras ambigüedades con un punk-rock bastante desenfadado y alocado. Así siguieron su camino y al año siguiente lanzaron su segundo álbum The Taste and The Money, con el que crearon un revuelo dentro de la escena independiente alemana, convirtiéndose en uno de los mejores discos del año para la revista Spex. El álbum es una experiencia que puede ser un poco desconcertante para quienes lo escuchen por primera vez, debido a sus inesperados cambios de ritmo y sus fuertes rasgueos de guitarras.

Fue en el verano 2008 cuando grabaron su tercer LP The Angst and The Money, de la mano de Moises Schneider, conocido productor a quien también hemos visto trabajar con algunas bandas ya mencionadas en este Reporte, como Tocotronic y Beatsteaks.

Más tarde, toda la agrupación se mudó a Berlín con la salida de su último trabajo, con el que obtuvieron más reconocimientos en buena parte de la escena alternativa. Desde entonces, los austriacos han seguido encaminándose por los senderos del indie-rock más progresivo, como demostraron en su cuarto LP DMD KIU LIDT (2011), con el que mantuvieron ocupado a su público hasta principios de 2014, cuando vio la luz Libertatia, quinto álbum con el que se siguen dando de qué hablar.

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worriedaboutsatan

CYNTHIA RODRÍGUEZ • Entre el post rock y la electrónica.

Hace diez años, un par de estudiantes del Leeds College of Music se juntaba para escuchar música y hablar sobre ella, como muchos de nosotros. Gavin Miller y Tom Ragsdale seguían a conjuntos ya establecidos del post-rock y el metal, pero su afinidad por las guitarras no quería decir que fueran enemigos de la electrónica. Al contrario, amaban a Mogwai del mismo modo que idolatraban a Underworld.

Establecidos en Bradford, los integrantes de worriedaboutsatan comenzaron a hacer música tomando los géneros que tanto escuchaban y empalmándolos como el hollín en las paredes de los edificios en Yorkshire. El peculiar nombre de su proyecto viene de un lado B de los belgas dEUS, dándole tintes continentales a su aislado sonido.

EP1 (Remastered) by worriedaboutsatan

Sus primeros mini álbumes, EP1 y EP02 salieron en 2006 y 2007, uno por año. El primero se agotó en formato físico, y el segundo fue masterizado en Transition Studios, donde también ha trabajado Burial. Es con él con quien comparten ese aire nostálgico que viene después de una inundación. Sus temas fueron promocionados por Steve Lamacq y Mary Anne Hobbs en la BBC, y fueron utilizados como música de fondo en el tradicional culebrón Coronation Street.

A mediados de 2009, sacaron su primer LP Arrivals, a través de Gizeh Records. Para diciembre, salió un álbum de remixes del mismo con reinterpretaciones de Her Name is Calla, Genoud, Destroyed by Template y Toby Dixon, entre otros actos independientes. Pero el verdadero impacto llegó en 2010 con el sencillo “Heart Monitor”; un extenso tema con vocales –a diferencia de los temas instrumentales que comprenden la mayoría de su catálogo– tan complejo como memorable. El vinilo de colección se vendió como pan caliente y las críticas generales fueron positivas, pero Gavin y Tom se dieron un descanso y mientras se encargaron de otro proyecto: Ghosting Season.

I’m Not / The Next Round by worriedaboutsatan

El 2014 volvió a ver a worriedaboutsatan de nuevo, con el sencillo “I’m Not / The Next Round”, que era solo un aperitivo de lo que está por venir la próxima semana, cuando salga a la venta su segundo LP, Even Temper. Ahora desde Manchester, y en la disquera This Is It Forever, regresan a continuar este asunto pendiente y ver qué les depara el destino. Los medios estudiantiles ya proclaman su retorno.

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Action Jets

ESTEBAN CISNEROS

“Es muy fácil sacar tu CD de Weezer y rockear, pero hay tantas cosas nuevas, que no buscar es una necedad”

Action Jets. Son de Phoenix. Son tres. Y, sí, el nombre les delata: hacen rock and roll de guitarras muy melódico, veloz y pegadizo; lo suyo es un powerpop brincón y nervioso.

Action Jets perpetuan, y qué bueno, esa música nada enrollada, nada hípster ni modernilla, callejera, proletaria, que privilegia el ruido y el ritmo sin indagaciones ni tanteos, sin conjeturas ni teorías. Es como aquella caja roja en los edificios, con su leyenda “rómpase en caso de…” Action Jets: rómpase en caso de aburrimiento. De solemnidad. De altiva adultez. De… Advertencia (eso sí): va a querer romperlo todo. Y no está mal. De-eso-se-trata.

El grupo es nuevo, novísimo. Qué digo reciente, recentérrimo. Han grabado apenas cuatro-canciones-cuatro (todas escuchables y descargables en su Bandcamp , pero ya prometen mucho: todas son perfectas para detonar guateque hasta en las situaciones más adversas. Así que hay que tenerlos a la mano siempre. En caso de aburrimiento, solemnidad, altiva adultez. No es que eso suceda mucho, pero…

Con ustedes, Action Dave, líder del grupo, quien accedió a responder algunas preguntas. Idiosincrásico, anfetamínico, errático, habla de sí mismo y del grupo siempre en tercera persona. Y es un ferviente del viejo wokandwoe. Como uno que escribe, vamos. Con ustedes, Action Jets:

Action Jets. Vaya nombre. Muy pop-art. Me gusta.
¡Ja, gracias! Pusimos cierto esfuerzo en que el nombre fuese cool, pegadizo, que se pareciese a la música que hacemos. Nuestro nombre debía ser veloz, chispeante y lleno de energía. Y no queríamos ser The Algos.

¿Cómo comenzó el grupo?
Action Jets surgió de las cenizas de Dfactor , un grupo que duró de 2008 a 2012. Era la banda de Action Dave, pero también su apodo durante gran parte de la década del 2000. Tenía buenas canciones, tal vez con mayor influencia punk que los Action Jets. El problema es que un nombre como Dfactor no llamaba la atención de los promotores de Phoenix, no les daba una idea clara de la música que hacíamos. Uno de ellos me dijo que creyó que éramos una banda de metal. ¡Ja! ¡La cosa más lejana a la verdad!

“Yes and No Girl” de Dfactor es tremenda. Cuéntanos más sobre Action Jets, que son novísimos. ¿Quiénes son? ¿De dónde vienen? ¿A dónde van?
Ok, Cotton-Eyed Joe, las cosas están así: Action Dave es el cabecilla, compositor, guitarrista, vocalista, promotor de shows, productor de discos, ingeniero de mezclas, consultor de diseño y honcho hazlo-todo del grupo. Action Gary es un baterista que ha tocado por todo Phoenix desde hace mucho tiempo. ¡Ha tocado con grupos del área de Tempe, Arizona, desde la época de los Gin Blossoms! Colecciona memorabilia de rock and roll en sus tiempos libres: tiene libros, pósters, cartuchos de 8-pistas e hileras de tickets de conciertos pegadas en la pared de su garaje. Action Jeff es un bajista lleno de energía que nos escuchó y le gustó lo que hacíamos. Fue a comienzos de 2014 y terminó por acompañarnos en todos nuestros shows. Todos vivimos en el área del gran Phoenix, Arizona, que está convirtiéndose en una extensísima metrópolis.

El título de su nuevo single es “Action Girl on Instagram”.  ¡Ahora se hacen canciones inspiradas en redes sociales!
¿Inspiradas? ¡Sólo mira a todas esas action girls en Instagram, posteando todos los días! ¡Duh! ¿Tienes Instagram? ¡Ve y busca a todas esas chicas lindas, las hot mamas, tú sabes! ¡Y síguelas!

¿Qué tan importantes son las redes sociales para un grupo hoy?
Las redes sociales son los únicos medios de comunicación estos días, ¿no? Estar conectado es un trabajo de tiempo completo para las bandas hoy y eso forja una nueva conexión abierta con los seguidores. Es fácil para mí decirlo ahora, ya que los Action Jets tienen pocos seguidores. Pero si llegamos al cielo y tenemos millones de seguidores, va a ser un reto mucho mayor.

¿Lanzarán sus canciones en CD o vinilo?
Haremos unos CD para vender en los shows locales, pero espero poder prensar algunos discos de vinilo también. Acabo de leer sobre una empresa de prensado en San Francisco. Tener más plantas de prensado va a hacer más fácil saciar el apetito de todos esos grupos que necesitan lanzar sus discos en físico. Pero, por lo pronto, le tiramos a lo digital. Ya veremos.

¿Hacen la música que escuchan?
¡Todo, claro! A Action Dave le gusta el pop de radio, la electrónica de baile, el indie rock y cualquier cosa que haga Robert Pollard (de Guided By Voices). Y, es evidente, el punk rock. Action Gary rockea un montón con Cheap Trick y Action Jeff ve el futbol americano.

¿Qué define el estilo de Action Jets?
La melodía es clave. Action Gary y Action Dave se sienten en su elemento cuando llegan a una melodía rock súper cool. Así que tratan de escribir esas melodías a lo Everly Brothers para después ponerles un toque de rock. ¡Les encanta que la gente cante con ellos en sus shows!

¿Cómo empezó tu obsesión por la música?
Nuestra debilidad es ese periodo de finales de los setenta, cuando el punk gruñón se convirtió en new wave melódico. Action Gary y Action Dave han sido fans de toda la vida del gran rock and roll. Vimos montones de shows de arena rock pero también otro montón de shows pequeñitos en lugares indie. Action Dave gusta de presumir que ha visto a The Jam, U2, Guided By Voices, The Hives, Spinal Tap, Hüsker Dü, The Replacements, Teenage Bottlerocket, Soundtrack Of Our Lives. ¡Es un continuum de rock and roll!

¿Cómo es Phoenix hoy?
Todos vivimos en Phoenix, pero no somos de aquí. Action Jeff y Action Gary ya llevan acá más de diez años y Action Dave, apenas siete. Pero en Phoenix pasan cosas. Hay bastantes clubes buenos para tocar, algunos escritores locales muy decentes y fans que apoyan con ganas. Es una escena boyante, aunque todavía subterránea. Creo que a muchos escuchas aún les gusta el rock and roll rápido, pegadizo, melódico. Pero el rock de guitarras ha sido empujado escaleras abajo y ahora es difícil dar con él en el dial de la radio. Hay que confiar mucho en las recomendaciones. Veo carretadas de blogs que hablan de electrónica, de alt-folk, de noisepop, pero aún cuento con los dedos de las manos a los blogueros que escriben sobre nuestra música, sobre ese poderoso powerpop. Ser un fan de la música requiere tiempo y ganas de buscar. Claro, es muy fácil sacar tu CD de Weezer y rockear, pero hay tantas cosas nuevas, que no buscar es una necedad.

¿Por qué seguimos necios con esta música, su música, nuestra música?
¡Lo que hacen los Action Jets es música de viernes por la noche, para un gran follón! ¡Es pura energía! Es nuestra versión de ese ruido de puños-en-alto, música de pogo como aquella de los Ramones. Es lo que nos engancha. Así somos. No puedo imaginar que escribamos una balada romántica, lenta. No somos así. Preferimos divertirnos. Y si es juntos, haciendo ruido, mejor.

¿Y qué dice su público de su música?
“Action Girl on Instagram” está atrapando nuevos oídos, hemos tenido una gran respuesta. Tocamos música, como decimos nosotros, in your face. No tratamos de ser misteriosos ni esas mierdas. ¡Aquí estamos y vamos a hacer ruido! Con todo, creo que hemos progresado desde nuestras primeras canciones. No sé, tal vez las guitarras y los tambores siguen sonando increíble para mucha gente. O eso espero.

Veo algunos elementos mod en su música, su filosofía y la pinta que llevan. ¿Es cierto o son mis nervios?
¡Gracias! We are the mods, we are the mods, we are, we are… No, mejor así: We are the mods and rockers, we are the mods and rockers… Queda peor en la canción, pero queda más con nuestra filosofía. Nos encanta todo lo modernista, pero ser mod se trata más de tener una cierta energía, un sentimiento pandilleril, una manera de ver las cosas. En ese caso, sí somos mods.

¿Cómo está la cuestión subcultural en su Phoenix?
El área Phoenix-Scottsdale-Tempe cubre un montón de terreno musical. Hay una grandísima escena de folk-indie-del-desierto, una espectacular escena electrónica, una escandalosísima escena garaje-punk. Sé de buena fuente que hay una escena metalera muy sólida, pero no sé mucho de eso. Y estamos tratando de que nuestras ondas pop invadan todo el espectro.

¿Cómo es la gente que sigue a Action Jets?
Aún estamos tratando de armar una fanbase, pero seguro es gente que abraza la filosofía rock and roll y no se pone finolis. Hay algo de poderoso en un grupo armado con guitarras, bajo y batería, sudando y rockeando, en vivo. Si te gusta esa energía, entonces Action Jets es tu nueva banda favorita.

¿Hay otros grupos de Phoenix que hay que escuchar?
Nos gustan los garajeros y los punks. Scorpion Vs. Tarantula es una de las bandas más persistentes de la ciudad (y una de las más ruidosas.) Playboy Manbaby hacen un estruendo fabuloso y The Smokebombs traen de vuelta el punk británico de los setenta con gran tino.

Mencionaron el fútbol americano. ¿Qué hay del Arizona United SC de fútbol?
Aquí todo se trata de los Cardenales de Arizona, hermano. Y en segundo lugar, de los Phoenix Suns de la NBA. Después, hablamos ocasionalmente de béisbol o hockey. ¿Hay equipo de futbol aquí? Supongo que sí…

C/S.

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León Benavente

MARÍA MERIOMA

Distintos puntos del territorio español (de Asturias a Murcia y de Zaragoza a Galicia) convergen en León Benavente, grupo que desde su debut en 2012 se ha ganado el reconocimiento de medios y público.

Sus integrantes: Abraham Boba (voz y órgano farfisa), Luis Rodríguez (guitarra), Eduardo Baos (bajo y sinte) y César Verdú (batería y percusiones) son cuatro músicos con historia, veteranos y experimentados en el terreno, que se reunieron para crear canciones que conectan con la realidad española, sin que les guste que su música sea catalogada de política, pues no quieren que sus canciones pierdan vigencia.

Nacho Vegas, a quien acompañan en los conciertos, define el sonido de León Benavente como road pop por su compromiso con lo que sucede en el “viaje”, que significa la vida en contacto con todo lo que nos rodea, sin encierros. Esto tiene más que ver con las letras que no suelen ser introspectivas. Melódicamente su viaje tiene pasaporte al pop pegadizo, hacen canciones redondas que se siguen una a otra en sus dos álbumes, el LP León Benavente y el EP Todos Contra Todos.

En 2014 estuvieron nominados en seis categorías de los Premios de La Música Independiente, llevándose los galardones de Artista Emergente y Canción del Año (“Ser Brigada”) y en febrero de 2015 se llevaron el Premio Ojo Crítico de Música Moderna que entrega Radio Nacional de España.

Además de esos reconocimientos, con escasos tres años de vida, esta agrupación ya visitó México en junio de 2014 para dar un concierto en Caradura y este mes vuelven a este país con cuatro fechas cerradas para finales de marzo y un recopilatorio de edición especial.

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Las Naves

CRISTHIAN SILIS

Este dueto originario de Santiago está enfocado en la música electrónica, aunque con sutiles muestras de folklor, psicodelia y pop. Todo lo anterior se traduce en sonidos muy interesantes e intimistas, con arreglos sencillos y buenas armonías vocales, ideales para acompañar una tarde nublada.

El dueto se formó en 2011 y desde entonces han publicado tres grabaciones: Una Tormenta se Acerca, Nazca (ambos editados en 2013) y el más reciente, titulado Plural (2014), todos disponibles para escuchar y bajar gratuitamente desde su página de Bandcamp.  En una Tormenta… tienen colaboraciones con sus colegas de Deplasticoverde y con el argentino Lucas Martí, mientras que en su última grabación ostentan arreglos más bailables.

Plural (2014) by Las Naves

Aunque Las Naves es un proyecto relativamente nuevo, sus dos integrantes ya tienen un largo camino recorrido, ya que por más de diez años fueron parte de la banda Termita.

Como dato curioso, la banda lanzó recientemente una sesión casera en directo con cinco canciones que nos dan una idea de cómo se escuchan en vivo, mientras preparan su siguiente material que podría estar en la calle este mismo año.

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Fiesta

NICOLÁS GONZÁLEZ

Lean Orella, Juan Paoli, Pitu Ravetti, Tape De Prisco y Pato Graglia le dan forma a Fiesta, un combo muy efectivo en los menesteres del indie rock pop, cuyo primer álbum, homónimo como corresponde, merece ser escuchado con atención.

A primera oída parecen otro grupo más que se mueve entre el rock y los sintetizadores; sin embargo, el quinteto posee un marcado sentido de lo popular, y logra plasmar en sus canciones varias influencias del rock nacional argentino, pero con el plus de no ser obvios en dicha estrategia.

Fiesta – “Fiesta en cualquier lugar”

En el disco podemos encontrar más bien momentos, reminiscencias, pasajes que nos conducen a ciertos paradigmas nacionales, como por Bocanada de Cerati, los primeros discos de Los Guarros, la etapa “clase B” de Andrés Calamaro o, acercándonos en el tiempo, el trabajo de Estelares.

Otro punto destacable de Fiesta, es su gran trabajo en cuanto al groove, con bases muy bien trabajadas, presumo, desde grabaciones en vivo, logrando hacer canciones simples y radiables, pero cargadas de elementos de antaño como el beat de los sesenta o más nuevos como el indie dance.

Fiesta, Fiesta (2014)

Fiesta by Fiesta (Arg)

Este sábado tocan en el Liverpool Bar de la ciudad de Buenos Aires.

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Nena

LIDIA LEIVA

En 1983 corrían tiempos difíciles en Berlín, y los grupos de protesta contra la guerra fría eran cada día más numerosos. Todos reclamaban la caída del Muro y el fin de una guerra tormentosa.

Mientras tanto, “99 Luftballons” sonaba como número uno en los canales de radio de la Alemania Occidental y entre las barricadas de Berlín. En aquel entonces, Nena se convertía en uno de esos grupos ochenteros que pegó fuerte en las listas de Europa y de América. Treinta años más tarde, su cantante sigue siendo un icono de la música de los ochenta al nivel de su contemporánea Cyndi Lauper o de Martika.

Suzanne Kerner comienza su carrera a finales de los setenta cuando es fichada por el guitarrista Rainer Kitzmann, quien le ofrece participar en su banda local que por aquel entonces se hacía llamar The Stripers. Tras varios trabajos, la banda se separa y es entonces cuando se forma Nena con Rolf Brender (batería), Carlos Karges (guitarra), Uwe Fahrenkrog (teclado) y Jürgen Dehmel (bajo). Así fue como Nena formó parte en la “Neue Deutsche Welle” (nueva ola alemana) como también lo hicieron otros grupos del momento que acababan de empezar en todo aquel revuelo social, como Trio.

Después de treinta años invertidos en su carrera musical y de diecisiete discos, la cantante de Nena, que sigue llevando ese nombre, nos ha sorprendido en más de una ocasión con varios cambios de estilo, como lo ha hecho con su último álbum de estudio Oldschool, que se publicó a mediados de febrero de 2015, después de tres años de silencio.

Diecisiete temas pop que no desatienden nuevos sonidos pero tampoco los matices ochenteros a los que nos tenía acostumbrados. Sin duda se trata de un buen regreso.

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I.R.A.

SERGIO BENITEZ

I.R.A. es una de las bandas de punk más influyentes de Colombia, que ya cuenta con una larga trayectoria y un largo camino de giras por varios países del continente americano.

En sus canciones reflejan la difícil realidad del pueblo colombiano, del mundo y también los sentimientos que la vida les despiertan. El nombre inicial de la banda fue S.I.D.A. (Sucios y Desordenados Anarquistas), cuando sus integrantes eran Yoryi (batería), José R (bajo), José Juan (guitarra) y David Viola (voz).

Comenzaron ensayando en casa de uno de ellos, hasta que fueron echados a causa del ruido y desorden provocado por quienes asistían a sus prácticas. Entonces decidieron alquilar un espacio en uno de los primeros ensayaderos que existieron en Medellín; de allí que la calidad de su sonido no fuera muy buena en ese tiempo.

En 1989 cambian su nombre a I.R.A. (Inflexión Respiratoria Aguda o Ideas de Revolución Adolescente), luego del regreso de José Juan, quien viviera seis meses en México, tiempo que aprovechó para componer varios temas que posteriormente tocaría con la banda. Para entonces, I.R.A. encontró otros espacios para ensayar con poco o nada de público para evitarse problemas. Ese mismo año, además de realizar su primer concierto en la Acción Comunal, también graban Barkizidio, un EP grabado en los estudios Chava Bluss.

A través de sus presentaciones y ensayos comenzaron a relacionarse con otras bandas, algunas representativas de la ciudad como B.S.N. (Bastardos Sin Nombre), Dexkoncierto, Reencarnación, Crimen Impune, C.T.C., Nada, Antioquia Podrida y Ataque de Sonido, que también buscaban refugio en su casa de ensayo que terminaría siendo conocida punk house.

A finales de 1989 Yoryi sale de la banda y entra en su lugar Marcelo. También tocan por primera vez fuera de Antioquia en un concierto organizado por punks del barrio Cuba de esa ciudad. Un año después entran nuevamente al estudio para grabar su segundo EP Atentado Terrorista.

En 1996 graban su primer LP Crónicas de una Década Podrida, que recopila veintiséis de sus canciones compuestas entre 1986 y 1996. Posteriormente se realiza un ajuste en los miembros de la banda: José Juan se va a Estados Unidos y Federico lo reemplaza en la guitarra, y este es reemplazado en el bajo por Cabe; Kamel deja la batería y su lugar es ocupado por Aníbal. Con esta formación viajan a Venezuela y tocan en el Poliedro de Caracas; poco después sale Federico y es entonces cuando Viola asume su actual posición de guitarrista y vocalista de la banda.

En 1998 graban tres canciones para la recopilación Ideas Encontradas (Sin Piedad Records). Un año más tarde lanzan su segundo álbum, Entre Amigos, en el que participa José Juan como productor y guitarrista invitado. Las inconsistencias en la alineación de la banda llegan a su fin en el 2000, cuando Mónica asume su actual posición como baterista y vocalista. Ese año tocan en diferentes sitios de Medellín con reconocidas bandas de la escena punk como Fértil Miseria, La Zorra, Ácido Folclórico, Coffee Makers, Dumka Diskantus, 2 Minutos, 911, Tr3s de Corazón, Mojiganga, Grito, 5 de Menos, Tres Hombres y La Siembra.

A partir de 2003 I.R.A. logra una estabilidad en su alineación y empieza a realizar constantes giras y conciertos dentro y fuera de Colombia. Posteriormente lanzan Epidemia de Inflexión Respiratoria Aguda, un álbum con temas nuevos, versiones actualizadas de sus canciones y temas vivo. Es entonces cuando empiezan a filmar sus primeros videos, como “Lo que ustedes se merecen” y “Neurona”, este último con gran aceptación y apoyo por parte de los medios colombianos.

Al año siguiente son invitados a viajar a Estados Unidos para realizar una gira por ciudades como Boston, Baltimore, Nueva Jersey, Miami, Monterey, Berkeley, San Francisco y Nueva York, en el famoso bar CBGB, donde graban un álbum en vivo. Posteriormente lanzan Décadas de Libertad (2005) y su documental Documentira. Luego de su segunda gira por Estados Unidos, Gabriel sale de la banda y Viola y Mónica deciden que el bajo será interpretado a por músicos invitados.

En octubre del mismo año la banda se presenta en Rock Al Parque (festival al que regresarían en 2009 y 2014) y en febrero de 2006 abren dos conciertos de The Misfits, mientras continúan las giras por Estados Unidos, Brasil, Argentina, Chile, Uruguay y Perú.

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Department M

SAM VALDÉS

FOTO: Iggoire / Facebook

Después del catastrófico final de su banda anterior, Grammatics, Owen Brinley parecía ser otro artista indie que llevaría la cruz de “pudo haber sido un contendiente”. Pero estando contra la pared, Brinley decidió empezar el proyecto Department M, alejándose completamente del sonido de Grammatics y tomando el género electrónico por las riendas.

Con un sonido de tintes industriales pero claramente fijado en un pop muy bien hecho, Department M mezcla drones electrónicos con ambientes sinoidales, creando ondas que envuelven la voz. Inicialmente concebido como proyecto solista, ahora la banda en vivo se alía con músicos de otras bandas de Leeds, tales como These Monsters (rock experimental), Stalking Horse (rock) y Menace Beach (que ya les hemos recomendado en esta columna).

Too Pure Singles Club Double A-Side by Department M

Con un par de sencillos en “Too Pure” y un EP en la disquera londinense Fierce Panda, Department M ha tenido en dos años un crecimiento sólido y su nuevo sencillo “Stress Class”, ahora toma un poco del sonido C86 que se asemeja un poco al tan de moda Dreampop.

Grammatics era un buen proyecto, pero habiendo visto a Department M en vivo en Live at Leeds, puedo asegurar que ese final tan dramático trajo consigo un sonido mucho más fresco y agresivo.

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Otto Von Schirach

SERGIO BENITEZ

El músico cubano-alemán es uno de los exponentes más destacados de la escena latina de Miami.

Toma un poco de avant garde, miami bass, cuban funk, IDM, modular synthesis y breakcore; mézclalos todos y ¿qué obtienes? Otto Von Schirach y una mágica supernova de ondas sonoras.

Otto Von Schirach, mitad cubano y mitad alemán, nació en la tercera punta del triángulo de las Bermudas, Miami. Algunos dicen que fue dejado ahí por un OVNI o que llegó de Gravitron. Cuando era niño, su abuela practicaba la santería, la magia blanca y otras artes sobrenaturales. Ella lo hizo abrir los ojos a lo paranormal, extraño y bizarro para practicar la magia con Dios.

Otto se crió en una zona conocida como Tre Duece Avenue, donde los chicos escuchaban el pesado Miami Bass y la música tropical cubana. Comenzó a desenvolverse como DJ en 1990, a los 12 años de edad, presentándose en los bailes escolares y fiestas de amigos. En 1991 compró su primera caja de ritmos y de inmediato reconoció su pasión por el sonido “cósmico” de los bombos.

Magic triangle by Otto Von Schirach

Más tarde comenzó a participar en numerosos conciertos alrededor del mundo, y a alternar con artistas como Venetian Snares, Skinny Puppy, Modeselektor, Blowfly, Miss Kitten, Cevin Key, GUT, Doormouse, Debbie D y Jose El Rey. Como Caballero de Miami y líder de la Sound Barrier, fue coronado Rey del Triángulo de las Bermudas, y con su nuevo título comenzó la Triangle Family al lado de Mr. Feather y Alligator Jesus, además fundar la disquera TRIANGLE EARTH.

En los últimos años, Otto se ha involucrado más en el mundo del arte a través de FriendsWithYou y del grupo experimental TM Sisiters. Sus composiciones para obras de arte visuales se han expuesto y adquirido por museos y galerías de todo el continente americano. Como actor, Otto también ha flexionado sus músculos para protagonizar la película Death Print, creada y dirigida por Aiden Dillard.

Miami Bass Warriors by Otto Von Schirach & Miami Bass Warriors

A mediados de 2014, Otto fue invitado por Silverio a colaborar en la música y video del tema “Salón de Belleza”, canción que se incluye en el último álbum del mexicano. El video fue dirigido por Nacho Vigalondo y grabado en Pátzcuaro y el Lago de Zirahuén, en el estado de Michoacán.

Recientemente, Otto se ha involucrado más con los Miami Bass Warriors; un proyecto centrado en el miami bass con José el Rey, El Tigre y Debbie D, de Avenue D. Su video de debut, “Going Back to Calle 8”, fue presentado en el show La Esquina, de Pitbull. Actualmente trabaja en la película Pineal Warriors, basada en su último álbum, Supermeng (2012).

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Nueva Vulcano

MARÍA MERIOMA

Aunque se declaran seguidores de la movida hardcore de D.C., definitivamente el sonido de Nueva Vulcano no es tan duro; más bien podría resumirse en la ambigua palabra rock que, en este caso, se encuentra en un punto indeterminado entre el punk y el pop. Más cercanos al pop en su recién lanzado álbum Novelería, tal y como se puede ver y escuchar en el videoclip “El Mirlo”, estrenado el lunes pasado.

Hace poco más de once años, de las cenizas de otras agrupaciones (Aina y Shanty Rd) surgió el trío Nueva Vulcano. Dos amigos de la infancia, Artur Estrada (voz y guitarra) y Wences Aparicio (bajo) invitaron al batería Albert Guàrdia después de un concierto de la banda The Moon Men, de la que Guàrdia también era parte, y así comenzó este inciso de la historia de la música hecha en Barcelona.

En un principio lo que más sorprendió de Nueva Vulcano fue el paso del inglés al español que dio su líder y compositor, Artur Estrada. Hoy eso ya no es una novedad, pero siempre se agradece que las bandas españolas hagan letras en nuestro idioma, o en su lengua materna, porque para buscar letras en inglés nos vamos a otra parte.

Su primer año como grupo fue una deflagración sonora que iba dejando grabaciones de constantes momentos en el estudio. En 2004 aparte de su primer largo, Principal Primera, sacaron dos EPs Sobremesa y Sagrada Familia y para 2005 tenían un nuevo LP, Juego Entrópico. Así se ganaron el apelativo que aún hoy en día se escucha al referirse a ellos: “la mejor banda de la escena underground”.

Hoy en día siguen ardiendo igual que hace una década, pero el tiempo que dejan entre un álbum y otro hace ya es mayor. Entre sus últimos dos trabajos han dejado pasar seis años. Finalmente, el pasado 10 de marzo pudimos escuchar Novelería; un disco mucho más limpio que los anteriores, que presumía de un sonido turbio y distorsionado.

Escúchalo completo aquí:

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Como Asesinar a Felipes

CRISTHIAN SILIS

Haciendo de lado la intención pandilleril de su nombre, este descollante combo dispara en cada canción rimas que no solo son quejas de la sociedad, la injusticia y todo lo que no está bien, sino que también propone algunas soluciones.

Instrumentalmente, C.A.F. echan mano de cada estilo que se les cruza enfrente, pero especialmente del jazz, con el que generan un viaje al inconsciente que se vuelve casi hipnótico.

Con un camino recorrido bastante considerable, la banda cuenta con cinco grabaciones hasta la fecha. Después de su debut Como Asesinar a Felipes (2008), editaron Un Disparo al Centro (2009), donde experimentaron mucho con los ensambles de cámara interpretados por la Orquesta Sinfónica Juvenil, y luego vino Colores y Cadáveres (2010), que fue la placa que los puso en boca de todos.

En 2012 lanzan Comenzará de Nuevo (2012), una placa que fue editada por el sello Koolarrow, propiedad de de Billy Gould (Faith No More), quien además se encargo de mezclarlo, y con el que de hecho giraron por los Estados Unidos y México.

Por último, a finales de 2014 lanzan CAFV, el cual se podría decir que es su disco más agresivo, el que vienen a presentar en estos días, cuando regresan a la Ciudad de México para ofrecer algunas presentaciones.

Como Asesinar a Felipes tiene todos los elementos para enganchar a las mentes más ávidas de letras combativas, sonido potente y explosivo, y una actitud demoledora. Ni más ni menos.

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Violeta Castillo

NICOLÁS GONZÁLEZ

Desde hace algunos años Violeta Castillo viene fabricando un universo mediante sus canciones. Y este universo podemos describirlo en tres términos: fino, delicado y fantástico.

Fino en cuanto a su producción, ya que toda la obra de esta cantautora presenta un trabajo cuidado y detallista en cuanto a sonido y fusión de ingredientes. Por ejemplo, en Uno y Otro (sus dos mini discos debut del 2011) como también en el EP Horizonte, la artista deja ver su interés por la canción de carácter folk, pero sumando arreglos y texturas electrónicas de una manera muy prolija.

Delicado refiriéndonos al matiz de sus canciones, ya que las sensaciones transmitidas abarcan una gama que oscila entre la tranquilidad, la armonía y el ensueño, aunque las letras pueden estar refiriéndose a cuestiones más tormentosas.

Horizonte by Violeta Castillo

Esto se nota en la cuestión de que, uno escucha los discos enteros de Violeta Castillo, y no sale cansado. Por el contrario, la experiencia es relajante y sumamente placentera. Quizás por una suma de factores, que incluyen el hecho de que sus álbumes no superen los cinco tracks, y, como dije, todo parece envuelto en una atmósfera amistosa.

Y por último fantástico, ya que las letras poseen una pizca de “realismo mágico”. Detalles que nos dicen una cosa, pero pueden decir otra. Personajes que podríamos ser nosotros mismos, pero que a la vez se mueven en un mundo de fantasía que pareciera transcurrir en la mente de Violeta.

Esta unión de componentes –lo correcto, sensible e imaginativo del universo creado por Violeta Castillo– recuerdan a experiencias de grandes picos del pop argentino, como podrían ser los discos solistas de Gustavo Cerati o más atrás en el tiempo los de Rosario Bléfari.

En 2013 Violeta Castillo lanzó Hasta Abajo a través del sello Estamos Felices, y el mismo es otra prueba de la sintonía de cierto sector de la no-escena indie argentina con el Nuevo Pop Chileno, haciendo que podamos ubicar a Violeta Castillo como parte del combo integrado por artistas como Dënver, Gepe o Javiera Mena.

Violeta Castillo – Hasta Abajo

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El Bosso & Die Ping Pongs

SERGIO BENITEZ

El Bosso & Die Ping Pongs es considerada como la primera banda de ska alemán. Fundada en 1985 en Münster (disuelta en 1992 y desde 2003 en activo nuevamente), desde su creación fue reconocida por combinar textos alemanes exitosos, principalmente con el estilo vanguardista del 2Tone.

Su música es una especie de caleidoscopio fuertemente influenciado por el ska y el reggae, pero también por la música pop, el dub, el dancehall y otros ritmos de tambor graves. La banda está integrada por Markus ‘El Bosso’ Seidensticker en la voz, Marcus ‘Skacus’ Diekmann en la guitarra y Dr. Ring-Ding en el trombón (quien por cierto, en los momentos de inactividad de la banda ha colaborado con artistas como Lord Tanamo, King Django, The Skatalites y The Toasters).

La agrupación que se renueva en cada álbum sin perder su estatus de banda culto. Cuentan con dos EP, cinco álbumes de larga duración y un DVD que contiene su presentación en el Skater’s Palace, además de aparecer en diferentes discos recopilatorios del género y series de televisión como Wir warten auf die Lindenstraße.

Su primer LP homónimo contiene su himno “Immer nur Ska”, un tema que también fue incluido en la recopilación Ska Ska Skandal No.1, que cuenta con la participación de agrupaciones de Europa y Estados Unidos.

En 2003 deciden reagruparse pero para no vivir solo de sus éxitos anteriores, años después lanzan otros dos álbumes: Tag vor dem Abend (2012) y Hier und jetzt oder nie (2014).

El ska de El Bosso & Die Ping Pongs se distingue por la firmeza que caracteriza a los alemanes. No se trata del ska santurrón como lo conocemos en las bandas mexicanas; es elaborado, directo y sin las condescendencias ni lugares comunes de otras agrupaciones. El reconocimiento internacional que han conseguido los coloca al lado de bandas como The Specials y Ska-P, entre otras con los que se les compara, sin dejar de reconocer su originalidad.

Actualmente continúan promocionando Hier und jetzt oder nie con presentaciones dentro y fuera de Alemania, y demostrando que el tiempo no ha mermado su calidad dentro del estudio ni la magia que proyectan sobre los escenarios.

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The Mirror Trap

CYNTHIA RODRÍGUEZ

Rock escocés, con el apoyo de Placebo y la adoración de Rusia.

Desde sus inicios, The Mirror Trap ha basado su existencia en la admiración y respeto hacia quienes han llenado al mundo de romance. Sus integrantes –el cantante Gary “The Panther” Moore, los guitarristas Michael “John” McFarlane y Paul Markie, el baterista Paul “Drums” Reilly, y el bajista Ben Doherty– su juntaron en 2009 cuando estudiaban música y se encontraban frecuentemente en tocadas y otros eventos.

En aquel entonces, el éxito nacional de la banda The View puso el nombre de Dundee en alto. De pronto, varias bandas en esta pequeña ciudad escocesa comenzaron a formarse para aprovechar la atención de la gente. La mayoría se desmoronó un par de años después, y en palabras de The Panther, “sólo quedaron los raros”.

Se hacen llamar “pervertidos musicales”, y ven el show de Jools Holland como quienes van a misa. Absorben todo lo que ven y escuchan, desde Queens of the Stone Age hasta Radiohead, Joy Division, The Cure y The Smiths. No sólo aman la música y asisten a tocadas como nosotros, sino que esperan a sus ídolos y se les acercan al final.

Se hicieron amigos de The View y abrieron para ellos algunas veces, antes de lanzar su primer LP, The Last Great Melodrama (2011). Ganaron una competencia para hacer lo mismo con Deacon Blue, ganando la atención y la lujuria de varias señoras. En 2012 tocaron en el festival T in the Park, sacaron el EP The Visible Hand y grabaron una sesión en vivo con Vic Galloway para BBC Scotland.

Ese año fueron descubiertos por el promotor Lee Wilkie, quien se animó a representarlos junto a Dave Mclean de Riverman Management, casa representante de Placebo. Al llamar la atención de Brian Molko, comenzaron una relación entrañable en la que han abierto para el trío/dueto londinense en repetidas ocasiones, incluyendo una gira completa alrededor de ocho ciudades en Rusia durante el verano de 2014, gira en la que aprovecharon para promocionar su segundo LP, Stay Young. La recepción en aquel país fue tan escandalosa, que recibieron dibujos y fotomontajes, agradecimientos en coro por parte de la audiencia, y hasta propuestas de matrimonio.

Este año, The Mirror Trap sigue abriendo para Molko y sus colegas alrededor del Reino Unido, conviviendo con admiradores y disfrutando lo que pueden en cada visita. Ya dejaron su trabajo para dedicarse cien por ciento a la música. No siempre les alcanza para cenar y dormir, así que aprovechan las giras al máximo.

En febrero de 2015 sacaron el Silent Men EP, y aún así siguen dando a conocer temas nuevos cada noche. “Piranhas”, por ejemplo, ha sido un gran favorito.

Para escuchar más y comprar su material, mercancía, o quizá invitarles unos tacos, síganlos por Facebook o Bandcamp. Y si quieren leerlos más de cerca y aprenderse las letras de sus canciones, visítenlos en Blogspot.

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Mi Capitán

MARIA MERIOMA

Pocas bandas logran sorprender hoy en día y menos si no suenan a algo nuevo. Mi Capitán es una excepción reciente, pues aunque no se puede hablar de ningún tipo de innovación o ruptura en su sonido, sí sorprende el lugar cómodo en el que nos ubica.

Como el libro del cajón de la mesa de noche que nunca nos hartamos de leer, tiene rastros de su vida con nosotros, olores que remontan a otros lugares y anotaciones que refieren otros tiempos y por eso está ahí, cerca.

Es una forma de definir a un grupo de músicos que proceden de una parte destacada del panorama del pop español, cercana y cotidiana. Sus integrantes, además de buenos amigos de Gonçal Planas, vocalista y líder del grupo, pertenecen a bandas ya conocidas como Love Of Lesbian, Standstill y Egon Soda, lo cual es de por sí una buena tarjeta de presentación.

Mi Capitán se formó en Barcelona en 2013, aunque fue hasta febrero de 2015 que lanzaron su primer álbum titulado Drenad el Sena. Eso sí, mucho antes de esto pudimos escuchar el primer sencillo “Es Suave la Voz” que disparó los contadores de reproducciones en diversas plataformas digitales y que nos tuvo a la espera de oír el resultado completo.

Drenad el Sena es un trabajo impecable con notas al pie que provienen de sonidos que abarcan desde a Lagartija Nick hasta a Sidonie. Cabe esperar más en el futuro, pero por lo pronto tenemos un trabajo bien hecho, el comienzo de una gira y confirmaciones como parte del cartel de algunos festivales.

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Colombina Parra

SERGIO BENITEZ

Música, pintura y poesía en una sola mujer.

Miembro de la connotada Familia Parra, Colombina Violeta Clara Parra Tuca es una compositora y cantante nacida en Chile en 1970. Formó parte de Los Barracos e intermitentemente del trío Besos de Lengua, pero es mayormente conocida por haber sido vocalista de la banda chilena de rock Los Ex.

Desde su adolescencia, la hija del “antipoeta” Nicanor Parra tuvo una gran atracción por la música. Inició su carrera siendo parte de la escena de rock alternativo chileno de mediados de los noventa. Con Los Ex se dio a conocer en gran parte de Latinoamérica con el lanzamiento de Caída Libre, primer disco de la banda. Un material que tuvo un excelente recibimiento por parte de la critica, permitiéndoles sonar constantemente en la radio local, mientras que con su primer video permanecieron varias semanas en la posición numero 2 del listado top 20 de MTV.

Colombina grabó tres álbumes más con Los Ex, hasta que en 2011 decide iniciar su proyecto solista con el disco Flores como Gatos. Una grabación que se diferencia mucho de su trabajo anterior y que presenta un sonido más bien folk.

Canciones a pura guitarra y voz, llenas de sus propios recuerdos, imágenes y estampas cotidianas. Tan personales que llevan, todas, una dedicatoria con nombre y apellido, pues fueron concebidas como regalos musicales para circular solo entre amigos y parientes… hasta que esos mismos amigos y parientes las convirtieron en otra cosa.

Dos años después llegaría su segundo disco Detrás del Vidrio. Producido por Cristián Heyne, este LP cuenta con las colaboraciones de Barraco Parra –hermano de la cantante– en la guitarra y de Aldo Benincasa en la batería. Colombina definió este trabajo como un disco para oír en el ataúd o “detrás de ese vidrio que separa la vida de la muerte”. Además, la portada es una alusión a la no imagen para un disco íntimo, tocado dentro de una catedral, lo que da un efecto oscuro y misterioso.

En 2013 Colombina comenzó a explotar un talento que tenía guardado y comenzó a pintar hasta poder exponer su obra a finales de 2014, previo a la presentación de su disco Otoño Negro, que verá la luz este 30 de marzo. La creación de este material discográfico comenzó desde un año atrás, resultando aún más introspectivo que sus discos anteriores, pues son canciones que Colombina escribía mientras pintaba.

Así que no podemos dudar de que Colombina hace canciones solo porque tiene esa necesidad de sacar todo lo que lleva dentro… O como ella dice: para encontrar un camino.

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Dedés

NICOLÁS GONZÁLEZ

FOTO: Sofía Gómez / Facebook

Comandados por Matías Fernández, en voz y guitarra, y Agustin “Chino” Bandiera en la batería, Dedés es un dúo dedicado a la faena del indie rock. Se formaron en 2013, y fue en ese año cuando se dieron a conocer con el sencillo “No”.

Ya en 2014 lanzaron su primer material formal, No Sos el Único Así; un EP de seis tracks muy bien recibido por la prensa local. Dedés además puede presumir de no sentir la ausencia del bajo, algo que, por lo general, es costoso para los dúos que se inclinan más hacia el rock clásico en lugar de ir por el lado electrónico. Con estilos muy diferentes, Riel es otro ejemplo de esos afortunados.

Otro rasgo notable del trabajo de Dedés son sus influencias. Si bien se presentan como un dúo alternativo de indie folk pop, poseen elementos que rememoran a clásicos del rock nacional. Solo por nombrar algunas, se destaca la influencia de Joaquín Levinton, ex Turf, o hasta detalles de Viejas Locas, la gloria stone argentina.

Como plus, Dedés promueve su material de una manera muy original. Desde su página web, se invita al público a personalizar el arte de tapa, donde han dejado un espacio vacío simulando una foto rota, la cual se puede rellenar subiendo la imagen que a uno le gustaría romper, ajustarla y descargarse el disco con esa tapa personalizada.

Dedés – No Sos el Único

No sos el único así EP by Dedés

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The Lucid Dream

SAMUEL VALDÉS

The Lucid Dream comenzaron en 2008 en la ciudad de Carlisle como una carta de amor al sonido espectral de The Jesus and Mary Chain, cargado de tintes de psicodelia que han desarrollado a través de los años.

En su primer EP, Erbistock Mill, The Lucid Dream trabajó con atmósferas espesas y voces lejanas, creando paisajes fantasmagóricos que pretendían traer al mainstream el sonido de los sueños lúcidos y las alucinaciones auditivas. Era un EP espeso como el ambiente después de quemar barras de incienso.

El ambiente se despejó un poco con el sencillo de 7” Heartbreak Girl, donde se tomaba un sonido más parecido al de 13th Floor Elevators con una actitud más ácida, al más puro estilo de The Cramps.

El cambio de la banda culminó en un fenomenal primer disco titulado Songs of Lie & Deceit. El paso lento de Erbistock Mill era cosa del pasado y la dualidad de Heartbreak Girl se había desvanecido, y con lo que nos encontramos fue un sonido que mezcla el shoegaze, la psicodelia y hasta el drone estilo Can para crear música que bien podría acompañar los sonidos de Hookworms y Oneida.

Su nuevo disco, The Lucid Dream, acaba de salir y deja un poco la furia del primer disco de lado, volviendo nuevamente a los pasajes lentos ricos en atmósferas. El sencillo “Cold Killer” muestra a una banda que le gusta mantener una atmósfera psicodélica con la velocidad punk y “Unchained Dub” vuelve a los extraños momentos lentos de la banda, semejantes a un viaje de ácido en las calles de una ciudad post-industrial.

Songs of Lies and Deceit by The Lucid Dream

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Lieutenant

SERGIO BENITEZ

Nate Mendel, bajista al que muchos ubicarán porque toca con Foo Fighters y Sunny Day Real Estate, presentó hace unas semanas el primer álbum de su proyecto solista, bajo el nombre de Lieutenant.

Con el título de If I Kill This Thing We’re All Goint to Eat for a Week, este material salió a la venta el pasado 10 de marzo, aunque previamente ya se había dado a conocer un adelanto titulado “Rattled”.

Otra canción que también se ha difundido en plataformas como Youtube es la abridora del disco, “Belle Epoque”.

Para esta grabación, el músico que también ha tocado en proyectos como The Jealous Sound y The Fire Theft, contó con la colaboración de colegas como Joe Plumber (Modest Mouse), Josiah Johnson (The Head And The Heart), Chris Shiflett (Foo Fighters) y Jeremy Enigk (Sunny Day Real Estate).

Más información en el sitio oficial de Lieutenant.

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