eBook #6

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.

LAPOPLIFE

eBook #6 Copyright © 2015 por LAPOPLIFE.

Contenido

- LAPOPLIFE

- 1. Entrevista: Martín León (Tiernos Mancebos / MALESO)

- 2. Durazno

- 3. Kellar

- 4. Perfect Pussy

- 5. El Último Vecino

- 6. Fredi Michel

- 7. Riel

- 8. Mouse on Mars

- 9. Lusts

- 10. Havoc

- 11. Felicia Morales

- 12. Fernandez 4

- 13. Irmin Schmidt

- 14. The Last Harbour

- 15. The Ettes

- 16. Pigmy

- 17. DePlasticoVerde

- 18. El Mató a un Policía Motorizado

- 19. Alin Coen Band

- 20. Ghost Culture

- 21. Tremenda Trementina

- 22. Föllakzoid

- 23. Carca

- 24. Fiva

- Copyright © 2014-2015, LAPOPLIFE

LAPOPLIFE

ebook #6
Febrero 2015

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.

* Descárgalo y llévalo contigo para leer offline en cualquier momento.

1

Entrevista: Martín León (Tiernos Mancebos / MALESO)

ESTEBAN CISNEROS • Una extensa charla con uno de los sobrevivientes de la otra movida española.

Mediados de los años noventa en León, Guanajuato, México: La tienda de música más popular (afrontémoslo: la única entonces) de la provincianísima ciudad del cuero y el calzado, La Manzana Verde, cierra sus puertas. En la liquidación, un tal joven Guti se hace de un disco que muestra en portada a cuatro paliduchos con ropa estridente y raros peinados nuevos. Se va a casa y pone el disco. Su mente estalla y queda esparcida en cientocuarentaydos pedazos en la sala de estar. Guti ha descubierto a los Tiernos Mancebos, que pronto se convierten en sus héroes de juventud.

Principios de los años dosmildiez en León, Guanajuato, México: el joven Guti (afrontémoslo: sigue siendo joven) habla de Tiernos Mancebos conmigo. Es una conversación de música como cualquier otra y hago una nota mental, pero no me pongo a buscarlos a la primera. Un día, semanas después, voy al centro a una nueva tienda de discos usados que alguien me ha recomendado (ya las épocas de La Manzana Verde han quedado atrás).

Revuelvo varias cajas y en una me encuentro con ese mismo disco: cuatro paliduchos con ropa estridente y raros peinados viejos. Sellado. Impecable. Recordé la conversación, me maravillé de la coincidencia y me fui a casa a poner el disco. Mi mente estalló y quedó esparcida en cientocuarentaysiete pedazos en mi estudio. Había descubierto a los Tiernos Mancebos y quise que fuesen también mis héroes de juventud.

Así es la vida, así es el mundo: unos sevillanos de los años ochenta hacen mella en la psicogeografía de un sigloveintiunita guanajuatense, por azar o destino (qué sabe uno ya). Porque los Tiernos Mancebos comenzaron a tocar alrededor de 1984, grabaron su primer (y único) LP en 1987 y se separaron en 1989, cuando yo no tenía ni cinco años; porque lo hicieron en una tierra lejana que, aunque comparte muchos vínculos con la mía, sigue siendo ajena a pesar del internet y todo ese jazz. Qué de sus sonidos y palabras, de su pinta y actitud me dijo tantas cosas incluso treinta años después, no lo sé. Pero así es la música y, carajo, por eso me encanta.

Después de darle muchas vueltas al disco y de hablar de mis impresiones con el joven Guti, me contó que mantenía contacto con Martín León, bajista del grupo y ahora líder de su proyecto MALESO. Ni tardo ni perezoso, lo contacté yo también. Quería saber de Tiernos Mancebos y terminé por conocer mucho más. Y me quedé corto, creo. Aquí mi pequeña charla a distancia, web mediante, con Martín León…

¿Cómo nace en Martín la obsesión, La Obsesión, por la música y los discos?
Fue algo en cierta forma premeditado. En mi casa no se oía música, mis padres no eran aficionados ni hay antecedentes en la familia. Un día, con trece o catorce años, en una excursión escolar, mis compañeros en el autobús cantaban todos una canción en inglés (creo que “Wish You Were Here”, de Pink Floyd). Yo pensé que no tenía ni idea de música y que debía aprender. Consideré que el grupo más famoso eran los Beatles así que me conseguí una cinta de ellos. Desde el momento en el que le di al play ya no hubo marcha atrás.

¿Cómo era tu ciudad natal cuando eras niño? ¿Y cuando joven?
Jerez es una ciudad de unos 200 mil habitantes en Andalucía, 100 kilómetro al sur de Sevilla. La ciudad en sí es bastante extensa y siempre viví allí en barriadas del extrarradio. Había mucho terreno libre para jugar, con vegetación y escombros. En esa época a los niños se nos dejaba todo el día en la calle jugando y eso es lo que recuerdo. Cuando crecí ya me tuve que marchar a Sevilla a estudiar.

¿Cómo fue que comenzaste a tocar?
Ya llevaba un par de años oyendo música pop, sobre todo Beatles, y un día vi en un escaparate una guitarra eléctrica; me pareció un instrumento precioso, con esos colores brillantes. Decidí que quería una. Mi padre me puso como condición que aprendiese a tocar la guitarra flamenca y lo hice durante un año. Finalmente, me compró mi primera guitarra eléctrica.

¿Tocaste antes de Tiernos Mancebos con otros grupos?
En Jerez toqué en un par de grupos muy amateur, con amigos del barrio y compañeros del colegio. En aquella época lo que pegaba era el rock andaluz; una mezcla entre rock progresivo y flamenco y era lo que intentábamos hacer, aunque era muy complicado para unos principiantes.

¿Cómo llegaste a Tiernos Mancebos?
Ya estudiando en Sevilla conocí a Miguel Ángel en la facultad de Historia. Me comentó que tenía un grupo y que no tenían bajista. Yo tenía en aquella época el bajo de un amigo en casa así que me ofrecí. Como coincidíamos en muchos gustos, la cosa fue bien.

Tengo entendido que cuando llegaste al grupo sonaban bastante distinto. ¿Cómo es que fueron cambiando?
Bueno, no es que cambiara especialmente por mi llegada, simplemente fue evolucionando. Al principio en el repertorio había de todo, prácticamente tocábamos cualquier cosa que supiéramos tocar. Fuimos centrándonos más y más en hacer canciones propias y depuramos el estilo eliminando los rasgos más amateur.

¿Tenían algún vínculo con el revival mod? ¿O con alguna otra subcultura?
Nos llevábamos bien con los mods de Sevilla. En realidad la escena en Sevilla no era tan grande y todos los grupos se llevaban bien entre sí, mods y rockers incluidos. Yo, en particular, lucía una estética más bien rocker, aunque luego el aspecto en el escenario de Tiernos Mancebos era más mod.

¿Qué otros grupos de esa época les gustaban? O les gustan ahora, que los gustos pueden cambiar…
En aquella época había en Sevilla grandísimos grupos como Los Picapiedra, Dogo y los Mercenarios, Helio o Dulce Venganza, y aún me dejo varios. Nuestro grupo preferido entonces era 091, un grupo de Granada.

¿Cómo fue esa primera etapa de Tiernos Mancebos?
La recuerdo con mucho cariño. Éramos muy inexpertos pero muy entusiastas y nos lo trabajábamos mucho, todos pensando solo en el grupo.

¿Cómo fue la grabación del primer disco, que me encanta?
Fue bastante pintoresca. La compañía de discos nos mandó a Londres a grabarlo en enero, con un metro de nieve. El estudio estaba en una casita al sur de Londres y fue una gran experiencia. Aprendimos mucho.

¿De dónde salían esas letras? También me gustan un montón…
Me alegro de que te gusten. Las letras son algo extraño porque cada persona le da una interpretación particular y pueden llegar a significar mucho para ellas. En Tiernos Mancebos escribíamos Miguel Ángel y Carlos, que componían juntos, y yo por otro lado. Había canciones muy líricas, como “Moscas y Arena”, “Hoy el aire corre caliente” (mi letra preferida), y otras humorísticas o de puro absurdo. De las mías, la letra que más me gusta es la de “Sevilla indómita”, que entraría dentro del grupo de las absurdas, más bien.

Giras, grabaciones, historias pop… ¿Cuáles fueron los momentos más emocionantes de Tiernos Mancebos?
¡Algunas actuaciones fueron muy espectaculares! Seguramente el momento cumbre fue nuestra visita a Venezuela, donde hicimos varios programas de televisión, incluyendo un concierto completo en directo grabado para su emisión.

¿Y los peores?
En la vida de un grupo hay muchos momentos malos, muchos ratos de interminable espera, muchas dificultades, muchas zancadillas. Pero ya se me han ido olvidando.

¿Cómo eran Tiernos Mancebos en directo?
Era un grupo que impactaba musicalmente, por el uso de las voces sobre todo, y visualmente, por la estética y lo bien que lo pasábamos en escena. Miguel Ángel en particular era espectacular sobre las tablas y nuestro batería, Jorge, nos daba una solidez y un empuje que enganchaban al público.

¿Qué sucedió con el grupo? ¿Por qué terminó todo?
Tras el primer disco nuestra compañía, Polygram, estimó que no había sacado suficiente dinero de su inversión y nos dejó en un cajón. Decidimos marcharnos y empezar de nuevo con otra historia.

¿Qué siguió para ti después del grupo?
Miguel Ángel, Jorge y yo formamos Las Balas, junto con Juan, hermano de Miguel Ángel. Grabamos dos discos y actuamos por toda España. El grupo duró cuatro o cinco años.

¿Cómo fueron los tiempos de Las Balas? ¿Y de Soul Mama, otro proyecto de aquellos días?
De Las Balas recuerdo sobre todo las actuaciones en directo y lo bien que nos llevábamos. La verdad es que disfrutábamos mucho. Soul Mama es un grupo de versiones con el que pude dar rienda suelta a mi pasión por la música negra. El grupo se aletarga y resurge cada cierto tiempo y así ha sido durante los últimos quince o dieciséis años. He aprendido mucho en Soul Mama.

Luego siguió Sur Pop. Cuéntanos sobre ese proyecto. Y qué sigue para él…
Sur Pop es el proyecto de Agustín Gallardo, un músico de mi quinta, también de Sevilla. Hace canciones excelentes y tiene un enfoque musical distinto al mío, lo que me resultaba muy enriquecedor. He tocado con él durante diez o doce años y hemos grabado dos discos. Por cuestiones de trabajo he tenido que dejarlo pero sé que continúan trabajando.

Y ahora, MALESO. ¿Cómo nace el proyecto?
Entre 1995 y 2005 me dediqué fundamentalmente a tocar en grupos de versiones como Soul Mama pero también como Los Excarabajos, Restless y The Casanovas. No veía salida para mis propias composiciones. Con la llegada de internet y la mayor facilidad para grabar en casa que te da la informática vi una ocasión de retomar las composiciones propias y empecé con un primer disco en 2009; una recopilación de las canciones que tenía hechas. Me gustó mucho la experiencia y he ido componiendo y sacando un disco por año aproximadamente.

LP – No es Maleso (2014) by Maleso

¿Cuáles han sido los mejores/peores momentos de MALESO?
Lo mejor han sido las grabaciones. De nuevo he tenido que aprender a manejarme en ese mundo y la experiencia cada vez me gusta más. No recuerdo momentos malos, la verdad.

¿Cómo ves la actualidad de la música pop?
La verdad es que estoy bastante desconectado de lo que ocurre musicalmente en el mundo, vivo en mi universo musical de sixties, música negra y Broadway. Lo que sí es cierto es que hay muchísima música. Los jóvenes tienen más fácil acceder a grabar o a promover su música en internet y los viejos nos empeñamos en no retirarnos. Quizás seamos demasiados.

¿Qué le ves al futuro de la música pop?
Creo que es un misterio y nadie puede prever cómo evolucionará después de la revolución que ha supuesto internet. ¿Crecerá la creatividad al disponer de canales accesibles para la difusión o se ahogará por falta de apoyo profesional? Ni idea.

¿Vinilo, CD, mp3?
Tengo demasiado de los tres formatos. Desde el punto de vista del músico creo que no hay algo comparable a ver tu disco en un vinilo, con su carpeta enorme, con fotos y todo el carnaval. Pero en la práctica solo tiro de los mp3.

¿Tienes algún placer musical culpable?
Cada vez intento tener menos prejuicios con la música y eso hace que no me arrepienta de nada de lo que me gusta, que es extremadamente variado y deliciosamente incoherente. Hace poco grabé y publiqué una sevillana: posiblemente he tocado techo en cuanto a disparate estilístico.

La pregunta molestamente obligada de estos cuestionarios (odio hacerla, pero no puedo evitar hacerla): ¿tienes 10 discos favoritos? ¿Podrías enlistarlos?
Tengo una carpeta en mi ordenador llamada “Obsesión”, en la que tengo discos que tengo que oír cada cierto tiempo. Así más o menos estarían:
Jackson Browne, Running on Empty.
Elvis Costello & The Brodsky Quartet, The Juliet Letters.
Tom Waits, Rain Dogs.
Beach Boys, Pet Sounds.
Brian Wilson, SMiLE.
Kiko Veneno, Échate un cantecito.
Original Broadway Cast, Kiss Me, Kate.
Imán Califato Independiente, Camino del águila.
BMX Bandits, My Chain.
The Beatles, Please Please Me.

¿Y diez singles?
Sam Cooke, “A Change Is Gonna Come”.
Otis Redding, “Try A Little Tenderness”.
James Brown, “Please Please Please”.
Nacha Pop, “Chica de ayer”.
Golpes Bajos, “Malos tiempos para la lírica”.
091, “La torre de la vela”.
Gram Parsons, “The Return of the Grievous Angel”.
Johnny Cash, “Folsom Prison Blues”.
The Kinks, “Days”.
Joan Manuel Serrat, “Para la libertad”.

¿Cuál es tu bebida?
Coca Cola Light, así de triste.

¿Cómo ves a España? ¿Cómo ves al mundo? ¿Estamos jodidos?
Jodidos estamos y bien jodidos. España en grado sumo y el resto del mundo pues según los lugares. En Somalia, por ejemplo, les gustaría estar lo jodidos que estamos los españoles porque allí están mucho peor. La injusticia se ha globalizado y es hora de que despertemos, que tenemos que dejar algo parecido a un futuro para nuestros hijos.

¿Qué hay de México? ¿Alguna vez vinieron, viniste o piensas hacerlo?
Pues con Tiernos Mancebos no fuimos, sí estuvimos en Venezuela. Por supuesto me encantaría ir a México, a tocar o de turismo. Tengo varios amigos allí con los que me comunico regularmente por internet.

Compartimos el gusto por Jesús Franco. ¿Qué le vemos?
Si he de ser franco (valga la redundancia), quien me llevó a Jesús Franco fue Lina Romay, que visualmente es bastante llamativa. Por supuesto, admiro esa capacidad de hacer cine sin preocuparte del qué dirán o de ningún convencionalismo, algo que me gustaría trasladar a la música, aunque es tarea ardua.

En cuanto a cine, libros, TV… ¿qué te gusta y qué no debemos perdernos?
Me gusta el cine clásico en general: Billy Wilder, John Huston, tú sabes. No tengo muchos conocimientos de cine pero sí me gustan Kurosawa, Berlanga y otros enfoques diferentes al de Hollywood. En cine y TV, cualquier cosa que haya hecho Monty Python no debe uno perdérsela. En cuanto a literatura, leo mucho, sobre todo libros de historia y biografías de músicos.

¿Alguna cosa más?
Solo comentar que mis discos como Maleso están disponibles para su descarga gratuita en maleso.com y en maleso.bandcamp.com. A por ellos.

2

Durazno

SERGIO BENITEZ • De experimento personal a proyecto colectivo.

FOTO: Oscar López

Esta banda nace en la ciudad de Bogotá, en 2011, bajo el liderazgo de Laura Roman, cantante y compositora bumanguesa a la cual se sumarían Leonardo Castiblanco (guitarra eléctrica), Enrique Collazos (batería), Juan Gutiérrez (teclados) y Andrés Cupabán (bajo).

En 2013 comienzan a producir su primer EP homónimo, el cual colocó a la banda en algunas de las plataformas musicales más importantes de la capital colombiana, como la Gilberto Alzate, el Shock Fest Tigo y Rock al Parque 2013.

Durazno nace con una intención de exploración de sonidos, matices y emociones, bajo la iniciativa de Román e inicialmente solo a modo de experimento personal. Sin embargo, en 2012 se convirtió en un proyecto colectivo con la llegada del resto de los músicos que terminaron de darle vida.

La banda bogotana ofrece una propuesta de pop rock fresco y cargado de energía, que plasma en sus letras temas de amor, pero también frustración, reflexiones sobre la vida y contenido social. A comienzos de 2014 la banda ingresa nuevamente al estudio para trabajar en su primer LP bajo la producción de su propio bajista Andrés Cupabán.

Es así como su nuevo álbum, también llamado Durazno, fue lanzado en septiembre de 2014, apoyándose en el trabajo visual de Jacobo Castro y Valentina Ibáñez, con lo que la agrupación plantea además un contenido visual que pretende generar una reflexión acerca de las primeras impresiones, como se observa en los videoclips de los dos primeros sencillos del disco, “Dejando de Lao” y “Te Tengo”.

Por ahora se encuentran rodando en diferentes ciudades de Colombia e incrementando su éxito en las redes sociales, donde suelen compartir material nuevo y sesiones que graban con canciones propias y versiones, como la que hicieron recientemente a “Nada”, de Zoé.

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3

Kellar

SAMUEL VALDÉS • Noise rock y mucha improvisación.

En el tema de la psicodelia y el rock experimental, Inglaterra ha generado muchas bandas que buscan un sonido más ácido que el que nos receta el rock & roll. Kellar, oriundos de Brighton, son un duo que se hunde profundamente en este género, pero abandona toda estructura por improvisaciones manchadas de noise rock e industrial.

Comenzando en 2011, Kellar lanzó en 2012 un tosco viaje llamado Beloved Dean of Magic; un álbum lleno de caos y vertiginosas marometas que no siempre tenían forma. La música de Kellar se volvió aún más abstracta en Smokescreen, también de 2012, donde se generan sonidos muy parecidos a las experimentaciones de la BBC Radiophonic Workshop y White Noise, creando un fantasmagórico espectáculo.

Smokescreen by Kellar

No fue hasta Fulminant, de 2013, cuando el caos empezó a tomar una estructura, aún tan flexible como el esqueleto de una serpiente y todavía con ese efecto desconcertador de que la música que se está escuchando es más una alucinación auditiva que una canción “normal.”

Y afrontar estructuras contra ideas es lo que Kellar quiere hacer. En un 2015 donde Moon Duo está ganando una mayor audiencia y donde Lightning Bolt asoma la cara con un nuevo disco, Kellar saca The Even Keel, su disco más estructurado hasta la fecha. Drones, ambientes electrónicos y su más refinada improvisación le dan al disco un fuerte empujón para que la banda finalmente empiece a consolidar una audiencia.

The Even Keel by Kellar

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4

Perfect Pussy

SERGIO BENITEZ • La banda de punk más importante de Syacuse (Nueva York) desde Earth Crisis.

Perfect Pussy es una banda neoyorquina de punk hardcore, fundada en 2012 por la vocalista Meredith Graves, quien se hizo acompañar de Ray McAndrew (guitarra), Garrett Koloski (batería), Greg Ambler (bajo) y Shaun Sutkus en los teclados. Como comentamos el año pasado, a propósito de su presentación en el festival Nrmal, este quinteto es conocido por sus frenéticas y estridentes presentaciones, y han sido descritos como “la banda de punk más importante de Syacuse (Nueva York) desde Earth Crisis”.

Previo a la formación de la banda, su líder y vocalista Meredith Graves fue parte del trío de noise rock Shoppers. Tras el rompimiento de esta banda, Graves fue invitada por el director Scott Coffey a tocar con una banda para su cinta Adult World, por lo que ella decidió armar una banda ficticia junto a Koloski (de Sswampzz) y Ambler (ScoreXcuse) para escribir la canción que aparecería en la película. A raíz de la filmación, la banda realizó algunas presentaciones e invitaron a McAndrew y Sutkus a que se unieran.

Graves ha afirmado que el nombre de Perfect Pussy pretende ser tanto un recordatorio positivo del cuerpo como una subversión al uso de la palabra en el lenguaje popular para definir algo indeseable, suave y femenino. La banda ganó atención con su EP debut I Have Lost All Desire for Feeling, grabado de manera independiente en 2013. Actuaron en el festival de música CMJ en 2013 y en el SXSW 2014, para después firmar con la disquera Captured Tracks, con sede en Brooklyn.

El álbum debut de la banda, Say Yes to Love (2014) resultó una feroz grabación de 23 minutos donde se escuchan guitarras que si fueran trazos sobre un papel se verían como garabatos opacando las letras desastrosas de las canciones. Ocho cortes que corren como un tren fuera de control, musicalizado por los melódicos gritos de Graves, quien tiene experiencia en la ópera y la interpretación vocal de jazz.

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5

El Último Vecino

MARÍA MERIOMA • Una sorpresa para los puristas de los sonidos ochenteros.

El Último Vecino es el inquilino del edificio que pone vinilos a todo volumen y al que da gusto tener en la puerta de al lado. Gracias a él, en nuestra casa resuenan El Último de la Fila, Décima Víctima, Golpes Bajos, New Order o directamente The Smiths.

Y es que se trata de un sibarita musical de los ritmos de los ochenta que incluye también entre sus sonidos algo de synth pop y guitarras de The Drums o The Cure, o ya entrados en lo más pop español, hasta momentos de Mecano.

El nombre que figura en el buzón de ese vecino es: Gerard Alegre Dòria. Vive solo, aunque incluye una buena banda cuando sale de casa y se posa en un escenario. En 2013 sacó su primer y, hasta ahora, único largo: El Último Vecino en cassette (sí, esa cinta que tiene una relación intrínseca con las plumas Bic), limitado a cien copias y reeditado en vinilo posteriormente. Él afirma no ser un nostálgico de una época que no vivió (nació en 1985) pero hace dudar…

El Último Vecino by EL ÚLTIMO VECINO.

Según se lee y se leía, El Último Vecino en España fue una gran sorpresa para los amantes más puristas de los sonidos que representan la década que hemos estado reviviendo en los últimos años y que prefieren recordarla sin la parte decadente que también le aportó mucho en concepto, estética y ritmo.

Tal vez han olvidado que parte de la repetición en las letras de El Último Vecino, teñidas de paranoia e inseguridad, vienen de los oscuros lugares de Parálisis Permanente y de los ya mencionados Décima Víctima.

Su más reciente EP titulado Tu Casa Nueva, llegó en CD y digital en diciembre de 2014. Y con este trabajo iniciará en breve una gira mexicana que por el momento incluye su paso por el Festival Nrmal, el 28 de febrero.

Tu Casa Nueva by El Último Vecino

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6

Fredi Michel

CRISTHIAN SILIS • Experimental latin pop desde Santiago.

Fredi Michel es una banda experimentada que ya cuenta con una larga trayectoria en el underground chileno, aunque no han sido muy productivos discográficamente, pues apenas en 2014, a una década de su formación, lanzaron su primer álbum.

Eso sí, fue un gran año para ellos, pues además de su disco debut, en el que muestran la diversidad de su música –una fusión muy divertida de música tropical y estilos electrónicos como el house–, el quinteto originario de Santiago también lanzó un pequeño documental que nos deja ver su proceso musical y crecimiento artístico.

Un ejemplo de esto es “Oye Poh!”, un track que en automático te envuelve y te hace querer tomar la pista de baile por asalto. Un tema que gracias a las recomendaciones de boca en boca llegó a ser reconocida como una de las mejores canciones chilenas en 2014.

Una colección interesante de sonidos que nos llegan vía el sello Unión del Sur y que no hacen más que aumentar nuestra curiosidad por este quinteto.

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7

Riel

NICOLÁS GONZÁLEZ • Post garage desde Buenos Aires.

Su página de Facebook indica el 22 de abril de 2011 como fecha fundacional. Desde aquel día hasta hoy, Riel ha venido transitado un camino más que intenso, con cientos de presentaciones en vivo, grabaciones, ediciones argentinas e inglesas, splits y compilaciones.

A punto de emprender una serie de shows en Uruguay, y recién regresados de haber tocado en Paraguay, el dúo formado por Mora Riel (guitarra, voz) y Germán Loretti (batería) es un poderoso e ingenioso combo dedicado a los menesteres del post garage y el post punk, con presencia de aspectos lógicamente del punk y el noise, entre otras cosas.

Riel, LP (2012, Quelonio Records, Alt.vinyl Records)

Riel LP by Riel

Lo curioso de Riel y lo que los hizo atractivos para mí, es que, pese a trabajar en campos bastante pesados, el resultado que obtienen, sobretodo en su último disco (En Viaje, 2014), es mucho más light (en el buen sentido) y menos denso de lo que “debería” ser. Y es que Riel posee muy clara su vocación lúdica, para evitar la palabra experimental, pero también tienen un amplio sentido del pop. Suenan fuerte, belicosos, raudos y oscuros, pero a la vez logran ser oníricos, regios, agradables y sobretodo entretenidos.

En gran parte, esto es logrado por la manera en que las letras se desarrollan de forma serena en medio de la vorágine sonora, con la voz tranquila de Mora, que no se anda con rodeos sino que hace canciones que van directo al grano. Tal es el caso de “Todos Locos”, cuya letra sentencia lisa y llanamente “están locos, están todos locos” o de “Sinestesia”: “siento que oigo todo, siento que oigo todo y a todos”.

Riel, En Viaje (Quelonio Records, 2014)

En Viaje by Riel

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8

Mouse on Mars

LIDIA LEIVA • Científicos de la electrónica.

El dúo procedente de Düsseldorf no deja de deslumbrar a quienes apenas los descubren. Escuchar su discografía es adentrarse en un viaje psicodélico del que es difícil salir, ya que te quedas atrapado entre sonidos y melodías hipnotizantes que te dan la sensación de estar en una ilusión auditiva constante.

El proyecto Mouse on Mars lleva dos décadas reinventándose con nuevas formas sonoras y experimentos en el laboratorio. Los científicos de la música electrónica no dejan de crear un concepto innovador, muy especializado pero con añadidos que siguen trastocando el universo sonoro.

Andi Toma y Jan St. Werner debutaron en 1994 con su primer EP Vulvaland, cuyo primer sencillo fue “Frosch”. Un disco que revolucionó la música del Reino Unido y que los colocó como uno de esos grupos peculiares de los noventa.

Y por si fuera poco, han sabido adaptarse a los cambios, tal vez por eso se consideran como un híbrido musical provocado por la mezcla de estilos electrónicos como el techno, con géneros como el rock y del jazz.

Quizá el momento cúspide de su experimentación fue a principios del 2000, con sus álbumes de estudio Idiology y Radical Connector, aunque 2012 fue el año de su reinvención, con el disco Parastrophics, que tras seis años de silencio, salió a la luz como algo que podría parecer incongruente, pero que no era más que otro cambio de ruta de los alemanes.

Con su último EP Spezmodia, Mouse on Mars siguen manteniendo la reinvención de Parastrophics, con sonidos empapados de adrenalina e incongruencia como “Baskerman is Breaking Bad”. Por todo lo anterior, será un lujo para los que puedan asistir al festival Nrmal de México, donde el dueto se presentará el 28 de febrero.

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9

Lusts

CYNTHIA RODRÍGUEZ • Lujuria en plural desde Leicester.

Los hermanos Andy y James Stone son fanáticos del sonido ochentero. Tanto, que su sencillo más reciente comparte nombre con un clásico de New Order: “Temptation”.

Pero a diferencia del sintetizador optimista y rompepistas de los sobrevivientes de Joy Division, esta nueva canción toma prestado el lo-fi del viejo The Cure y el ensueño de Jesus and Mary Chain, todo como si hubiera sido grabado en una aguada cinta de cassette.

Lo suyo es un pop oscuro, como de quien temblaba de frío al no poder pagar el gas en tiempos de Margaret Thatcher, pero aún así seguía bailando. Ah, y con fuerte acento local. Apenas llevan dos tocadas bajo la cintura, pero ya han llamado la atención de publicaciones como NME y The Line of Best Fit; y ya son parte de la programación de BBC 6 Music.

En Marzo salen de gira con Coves alrededor del país, y verán qué tal se siente tocar en escenarios en Birmingham, Bristol, Leeds, Glasgow y Manchester, entre otros lugares lejanos y cercanos al destino final de Ricardo III.

El 2 de marzo sale su doble sencillo, con “Temptation” por un lado y “Cross” por el otro, con el sello 1965 Records. Por ahora pueden escucharlas, junto a “Waves” y “Sometimes”, a través de su cuenta de Soundcloud. Son apenas cuatro canciones grabadas, pero esperamos que pronto sean más, con más buenas noticias y quizás algún LP en camino.

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10

Havoc

MARÍA MERIOMA • De lo acústico a lo eléctrico y del inglés al castellano.

Estamos ante un botón de muestra de la música española de la última década. Un seudónimo ambiguo que no se sabe si pertenece a un grupo o solista; de comienzos con sonidos importados de lo que triunfa en la escena indie internacional y dentro de su evolución musical un cambio en el idioma de las letras.

PLV Havoc, ahora solo Havoc y siempre Pedro Gracia Pérez de Viñaspre, es un músico donostiarra que desde antes de 2009 va circundado por distintos sonidos que le quedan bien, aunque algunos con mejores resultados que otros.

En 2009 no encantó su “folk personalista” con The Shape of your Heart le abrieron las puertas de carteles de varios festivales en España pero no dio para mucho más. En cambio, en 2011 Penny Lancaster dio un giro para crear algo más al estilo Deluxe, aún en inglés pero con una voz y ritmos que sintonizan mejor las emociones.

Desde 2009 con el EP Ogro y Púgil de las cajas acústicas dio paso a las cuerdas eléctricas que energizan sus temas al mismo tiempo que las bases electrónicas las dinamizan. Es un artista para que quienes (en sus más recientes trabajos) no van a llegar buscando simpleza sino ambientes largos y temas que se toman su tiempo para llevar las letras a distintos tempos.

En 2014 Havoc presentó su tercer largo: Lo Saben los Narvales; un álbum al que se refiere como en donde ha encontrado su centro, mucho más pop y contundente, en este caso hecho para los melómanos que van al grano y quieren escuchar letras en castellano que hacen grietas en el corazón y sonidos que las resanan a base de guitarras y mezclas de sintetizadores con ecos gitanos.

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11

Felicia Morales

CRISTHIAN SILIS • La voz del violoncello.

Su presencia en el escenario no debe ser extraña para los seguidores del pop independiente chileno, ya que Felicia Morales ha acompañado en directo a montones de artistas, entre los que se encuentran Gepe, Javiera Mena y Caravana.

La mujer sabe llevar el pop por buen camino, siempre de la mano de su instrumento principal, que es el violoncello; instrumento que le da la voz que ella necesita para expresarse.

En 2013 lanza una emotiva grabación bajo el nombre de Felicia EP, y a finales de 2014 sale su continuación, titulado Agosto, que básicamente contiene diez tracks de música instrumental, en los que Morales construye hermosas melodías dignas de tararear o de musicalizar el soundtrack de un día común.

Poco más de 25 minutos que nos llevan despacio por un cumulo de emociones, destacando temas como “18 de Agosto” –con unas partes exquisitas y otras casi tenebrosas–; la encantadora “Vals para Cello y Arpa”, o bien “Outro”, que se antoja magistral y llena de emoción.

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En pocas palabras, una artista que hay que escuchar; una de esas personas que hacen que otro pop sea posible.

12

Fernandez 4

NICOLÁS GONZÁLEZ • Un conjunto que pasó de trío jazz a cuarteto pop.

FOTO: Facebook

Si bien es un disco de 2013, No Fear se presentó oficialmente en 2014 y yo recién accedí a él en los primeros días de enero de 2015.

En primer momento lo escuché de compromiso. El CV de Cirilo Fernández, Mariano Sívori y Pipi Piazzolla aparecía colosal, prácticamente exorbitante. Tres músicos de conservatorio, dos de ellos ganadores de un Premio Gardel de Oro no se me hacía muy prometedor. Por lo general, no encuentro atractivos estos encuentros entre genios de la música, ya que suelen dar resultados pobres, popísticamente hablando.

Al músico que toca demasiado bien (repito, estoy generalizando, como no se debe pero igual lo hago) le interesa más expresar su dominio técnico del instrumento antes que poner su conocimiento musical al servicio de una canción, o mucho menos al servicio de un show en vivo, donde queda claro que ellos se divierten más que el público; algo que es muy visible sobre todo entre los músicos de jazz.

Pero volviendo a Fernandez 4, con un pasado de tío de jazz ortodoxo, la sorpresa fue enorme, debido al grandísimo trabajo que han realizado por estirar los límites de la fusión entre ese jazz, el rock, el pop y la música clásica.

Según sus propias palabras, la idea del grupo es “hacer música esencialmente compleja que suene accesible”. Y por momentos lo logran, ya que no es fácil reunir intrincadas bases de batería y bajo en plan jazz, con sintetizadores voladores y voces plagadas de eco.

Es notable también el trabajo realizado con la voz de Nicolás Sorin, compositor, tecladista y cantante que ingresó a Fernandez 4 en 2012, terminando la mutación de trío jazz a cuarteto pop. Sin embargo, el punto débil del álbum es que está cantado en inglés. Y no es que me disguste el inglés; comprendo que pudo hacer sido una decisión tomada con fines estéticos o hasta comerciales, sin embargo, me parece que haberlo hecho en español hubiera logrado que este disco fuera un diez absoluto. Meras opiniones mías.

Aquí No Fear, de Fernandez 4, quienes se estarán presentando el jueves 19 de febrero en Boris Club de la Ciudad de Buenos Aires:

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Irmin Schmidt

SERGIO BENITEZ • Visitará México para ofrecer una conferencia y DJ set.

Irmin Schmidt y Daniel Miller (fundador del sello Mute) visitarán la Ciudad de México este 19 de marzo para ofrecer una conferencia sobre The Lost Tapes y un DJ set en la Fonoteca Nacional.

The Lost Tapes es un álbum recopilatorio con tomas de estudio y grabaciones alternas de CAN, lanzado en 2012.

Irmin Schmidt es conocido por haber fundado la revolucionaria banda de rock experimental CAN. Se desempeñó como compositor y tecladista del grupo hasta su disolución en 1979.

Schmidt se inició en la música estudiando con compositores modernos como Karlheinz Stockhausen y György Ligeti para después aplicar esos conceptos clásicos a CAN. Comenzó a trabajar en conciertos con la Sinfónica de Bochum, la Sinfónica de Viena y el Ensemble Dortmund para la Nueva Música, que fundó en 1962. Durante este tiempo ha recibido varios reconocimientos por su trabajo.

Además ha compuesto música original para más de 40 películas y programas de televisión, incluyendo Knife in the Head (1978) y Palermo Shooting (2008). También escribió una ópera en tres actos basada en la obra de Mervyn Peake, Gormenghast, que estrenó en el Opernhaus Wuppertal en 1998, y ha grabado varios discos como solista, siendo el último de ellos Villa Wunderbar (2013), lanzado por el sello Mute, de Daniel Miller.

Más información sobre la conferencia y el DJ set de Irmin Schmidt y Daniel Miller en la página del evento.

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The Last Harbour

SAMUEL VALDÉS • Pop de funeral.

El sonido gótico británico siempre ha sido relacionado con peinados extravagantes, maquillaje y un énfasis en el color negro. Aunque The Last Harbour, oriundos de Manchester pero separados a lo largo de la isla, evitan caer en los estereotipos del género, manteniendo solo el sonido clásico de dicho estilo.

Empezando su carrera con un disco generalmente folk en 2005 (Hold fast, Pioneer), la banda funcionó como un colectivo de músicos que iban y venían, siempre alimentados por la voz y presencia del cantante Kevin Craig, encargado también de diseñar las portadas y algunos de los videos que colocarían a la banda en una tonalidad de negro no muy lejana a la descrita por autores como Edgar Allan Poe y Mervyn Peake.

Hold Fast, Pioneer by Last Harbour

Dead Fires and the Lonely Spark encuentra a la banda enredándose en los sonidos puros góticos, acercándose al sonido de Black Heart Procession pero todavía con un método pop de composición, mientras que Volo fue un álbum conceptual que ya experimentaba con remixes y pasajes instrumentales.

The Last Harbour siempre ha tenido en mente el lado visual de su arte y en videos como “Lights” (fotografía/stop motion) y “Saint Luminous Bride” (miniaturas), que son algunos audiovisuales donde la banda detalla su mensaje.

Your Heart, It Carries The Sound by Last Harbour

Con Your heart, it carries the sound encuentran un sonido menos dark y más allegado al doom folk, con tintes de chamber que lo vuelven más elegante. Su disco más reciente, Caul, sigue esta línea, ahora con una alineación definida pero con un sonido que sigue moviéndose entre las sombras oscuras de una casona victoriana abandonada.

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The Ettes

SERGIO BENITEZ • Garage rock errante.

The Ettes se formó en 2004 y pronto ganó muchos seguidores gracias a su mezcla de un pop muy creativo y un poderoso garage rock, semejantes a fusionar el estilo de Nancy Sinatra, el timbre de voz de Patsy Cline y el rock de los Stones.

La programación de su música en la radio y sus presentaciones en vivo también contribuyeron a generar expectativa alrededor de la banda, que finalmente los llevó a firmar con la disquera Sympathy for the Record Industry.

The Ettes lo integran el vocalista y guitarrista Lindsay “Coco” Hames, la baterista María “Poni” Silver, y el bajista Jeremy “Jem” Cohen, quienes forman un trío neoyorquino que se convirtió en angelino al poco tiempo de su formación, luego de que viajaran a la Costa Este, donde grabaron el demo Eat the Night (2005).

Luego de su álbum debut, Shake the Dust (2006) que no contó con gran promoción, dos años más tarde presentaron “Dead and Gone”, el primer sencillo de su segunda producción, Look at Life Again Soon (2008), que contó con la producción del londinense Liam Watson.

Al año siguiente publicaron Do You Want Power, grabado en el estudio Bomb Shekter, en Nashville, con la producción de Greg Cartwright (Reigning Sound). Esto marcó la segunda mudanza de The Ettes, esta vez de Los Ángeles a Tennessee, donde establecieron su nueva sede.

La banda comenzó a escribir un nuevo álbum después de establecerse en Nashville, y abrió varios conciertos para Kings of Leon y The Dead Weather, además de que compartieron escenario con Silversun Pickups, The New York Dolls, The Go-Go’s, The Greenhornes, Jay Reatard, Metric y Gossip.

La música de The Ettes ha sido tomada para diferentes series televisivas como NCIS Los Angeles, Sons Of Tucson, Entourage, además de que musicalizó una campaña nacional de televisión de toallas femeninas, además de que su canción “Crown of Age” también se pudo escuchar en Whip It, la película dirigida por Drew Barrymore.

En 2011 The Ettes se reune con su productor de toda la vida, Liam Watson, en el Toe Rag Studio de Londres, para grabar su cuarto álbum, Wicked Will. Recientemente la banda abrió su propio sello discográfico, Fond Object, que también funge como tienda y colectivo de arte y diseño. Y sí, para este 2015 amenazan con lanzar un nuevo álbum, así que no hay que perderlos de vista.

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Pigmy

MARÍA MERIOMA • Entre la psicodelia y el folk.

El catalán Vicente Maciá comenzó su carrera musical en 1997 como líder de la banda barcelonesa Carrots, que después de tres álbumes y ocho años de historia se desintegró y dio paso a su carrera como solista bajo el nombre de Pigmy.

Como cantante, guitarrista y compositor de Carrots, Pigmy daba rienda suelta a la psicodelia musical de finales de los sesenta, llegando casi a teletransportarnos unas cuantas décadas atrás. Una marca que ha mantenido, porque sin haberse quedado con una misma fórmula, como solista lo encontramos añadiéndole detalles psicodélicos a sus nuevas producciones.

Si el nombre Pigmy genera una idea de algo pequeño y casi entrañable no es casualidad, su primer álbum Miniaturas (2007) se conduce a través de un hilo de estambre, suave, bonito, tierno y cualquier otro apelativo que se pudiera dar a la mirada de un niño, aunque sus letras no sean infantiles.

Su más reciente trabajo es producto de la financiación colectiva y quedó listo (después de un adelanto en 2013 titulado Pan y Música) en enero de 2015. Se titula Hamsterdam y es un álbum conceptual, una ópera-folk que trae consigo canciones que se vuelven inolvidables.

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DePlasticoVerde

CRISTHIAN SILIS • Folk pop desde Santiago.

Acompañada de una guitarra y su voz, la chilena Carolina Espinoza hace del folk el camino para crear sencillas canciones, algunas veces entusiastas otras no tanto. Bajo el seudónimo de DePlasticoVerde, la mujer refleja sentimientos cotidianos como la nostalgia y la melancolía.

Actualmente DePlasticoVerde cuenta con dos grabaciones: un EP homónimo, editado en 2010 y un disco largo lanzado en 2014 bajo el título de Mentira Universal; nueve canciones en las que se agregan algunos instrumentos que enriquecen la propuesta y dando a cada track una personalidad propia.

De esta grabación, que se puede descargar de manera gratuita desde su sitio oficial, destacan sobre todo “Plan de Vuelo”, “Viernes Santo” y la que da título al disco.

Una propuesta sencilla, aunque con su nivel de complejidad, que en directo se presenta lo mismo con algunos invitados que sola con su guitarra. No te arrepentirás de conocerla.

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El Mató a un Policía Motorizado

NICOLÁS GONZÁLEZ • El grupo que lidera el indie argentino.

Recuerdo el 2005 como el año en el que tuve mi primer trabajo: atender un kiosco. La paga no era muy buena, pero podía escuchar música literalmente todo el día. Sin duda ese fue el año en el que di un salto cuantitativo y cualitativo en mi manera de escuchar música. Hasta ese año, me limitaba a escuchar lo que el comercio dictaba, optando (no eligiendo) entre las opciones que la radio y la TV brindan.

Pero aquel 2005 y las interminables horas de vender cigarrillos y golosinas, lo cambiaron todo. En parte, el cambio vino por mi amigo Fabián “el Negro” Caballero, vendedor de camisetas de fútbol de dudosa procedencia, pero también locutor y conductor de radio en la FM local. Él me compartió una enorme cantidad de discos, y también información supervaliosa sobre técnicos de grabación ingenieros de sonido y un montón de datos de color aparentemente inservibles, pero que para un melómano son simplemente oro puro.

La otra parte del cambio vino por Myspace. Habiendo entendido que “lo interesante” no salía de la radio, esta plataforma digital me permitió bucear y descubrir grupos que en aquel momento eran apenas proyectos armados. Muchos de ellos aún siguen en las tinieblas de la sobrecarga de información que internet nos provee. Pero otras han avanzado y pasado a ser proyectos que ocupan un lugar de “importancia” dentro de la escena. Ese es el caso de El Mató a un Policía Motorizado.

Los conocí en Myspace en 2005, cuando editaron y subieron a esa plataforma Navidad de Reserva, el primero de una serie de tres EP que continuarían con Un Millón de Euros (2006) y Día de los Muertos (2008). Anteriormente habían editado su primer disco homónimo en 2004.

El caso de “El Mató” (como se les llama en varios países) es curioso. Con un inicio dentro de las filas de lo que podríamos llamar la versión argentina del krautrock, en apenas un par de años pasaron a ser la cabecera de la no-escena indie nacional, haciendo que se alejaran un poco de las fuertes distorsiones y de la posibilidad de ser un grupo que se dedique a experimentar con el rock y la cuestión electrónica, como hubiese sido predecible, para acercarse más a un proyecto meramente folk donde la guitarra posee el clásico protagonismo.

El caso es que su disco debut, y sobre todo aquella trilogía de EP los ubicaron en un lugar casi de masividad, si consideramos que prácticamente ninguna banda formada de 2005 en adelante tiene gran convocatoria.

Día de los muertos by El mató a un policía motorizado

En 2012 editan La Dinastía Scorpio, su segundo LP, en el cual profundizan la fórmula de hacer canciones al estilo Velvet Underground/The Jesus And Mary Chain, en plena pentatónica. Honestamente puede que haya esperado más en aquel momento, lo cual puede haber sido un error de mi parte, pero lo cierto es que este disco parece un Lado B de Día de los Muertos, hablando de sonido, que era uno de los puntos fuertes que poseía el grupo.

La Dinastía Scorpio by El mató a un policía motorizado

El otro punto fuerte correspondía a Santiago Motorizado, líder, bajista y compositor de las letras del grupo, que se han caracterizado siempre por ser casi cartas con destinatario particular, siempre hablándole a alguien, lo cual tuvo un efecto contrario al que se preveía en su momento, cuando fueron acusados de cantar cosas “demasiado personales como para que el público se involucre” (recuerdo la frase de un conductor de la FM Rock&Pop).

Nada de esto sucedió, y por el contrario, las letras del grupo tuvieron fuerte aceptación, logrando que el público las tome como propias, al tratar temas de la cotidianidad de cualquier joven de clase media.

Los puntos flojos del grupo podrían ser su tendencia a repetirse y quizás la poca productividad, si tenemos en cuenta que son un grupo con más de diez años de historia y apenas dos LP y un puñado de EP.

De todas maneras, se esperaría nuevo disco pronto, dado que con el material existente ya han tocado en todos los escenarios de Buenos Aires, han girado también por numerosos países de Latinoamérica, y hasta han abierto el Primavera Sound en Barcelona en el 2014. Sólo queda esperar lo nuevo y esperar que sea nuevo.

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Alin Coen Band

LIDIA LEIVA • Pop con un pie en el folk y otro en el jazz.

La cantautora Alin Coen comenzó su proyecto musical en 2007, acompañada de su guitarra y de la mano de Enero Fresca (guitarra), Philip Martin (bajo) y Fabian Stevens (percusión).

El cuarteto procedente de las ciudades de Weimar y Hamburgo fue acogido por el sello discográfico Guerilla Entertainment, junto con otros artistas del pop independiente alemán. Pero 2008 fue el año de su despegue oficial, cuando participaron en el concurso “Popcamp” de música alemana donde cogieron fuerzas para seguir activos.

Esto y sus colaboraciones varias con artistas como Jakob Dylan y Regina Spektor les han sido suficientes para estar en boca de muchos, además de tener resonancia y buenas críticas.

Alin Coen Band es una banda que empatiza con el oyente, ya sea por su carisma musical, su riqueza instrumental o la delicada voz de Alin Coen que tiene un sabor inédito y una personalidad melancólica. El grupo se encuentra con un pie en el folk y otro en el jazz, pero con un cierto equilibrio que llevan demostrando desde sus inicios, cuando salió su primer LP Wer bist du? (2010).

We’re not the ones we thought we were (2013) fue su segundo álbum, cuyo título hace alusión a la constante búsqueda de la juventud. Doce piezas donde empiezan a alternar su lengua con el inglés y el francés. Entre sus sonidos se asoman claras influencias del pop acústico, logrando siempre sofisticados trabajos que derraman intensidad, y arreglos puros tanto en las letras como en los sonidos, ideales para perderse como cuando se observa un cuadro abstracto.

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Ghost Culture

CYNTHIA RODRÍGUEZ • Beats desde Londres.

FOTO: Nastasia Alberti / Facebook

Es pálido como un fantasma, y tan cultural que te comparte su receta de salsa tikka masala. Pero Ghost Culture no es ningún chef de ultratumba, sino un músico común y corriente.

James Greenwood vive en Londres, en la ecléctica y moderna comunidad de Hoxton. Una región repleta de pequeños restaurantes internacionales, favorita de artistas y diseñadores para vivir y dormir. Desde el mismo lugar en el que vivía y dormía, grabó un íntimo álbum con ayuda de un sintetizador, un secuenciador y un par de efectos.

Con tan pocos recursos y con una pequeña ayuda de la internet, ganó la atención del productor Erol Alkan, quien lo acogió entre sus brazos y lo firmó con su disquera Phantasy Sound. Su primer sencillo, “Mouth” salió en octubre de 2013, y su edición especial en vinilo “invisible” se agotó en cuestión de días.

El sencillo provocó tal sensación, que la prestigiosa revista Mixmag lo nombró “Canción del Mes”, título que Greenwood volvió a adquirir con su próximo lanzamiento: Understand EP en agosto, de donde salió el sencillo “Arms” para crear expectativa sobre un muy prometido álbum de larga duración.

Su LP homónimo salió en enero, poco más de un año después que su primer sencillo. Pero la espera no desesperó, pues Greenwood nos mantuvo ocupados con deliciosos DJ sets tanto en clubes como en su cuenta de Soundcloud. El sencillo a darse a conocer ahora es “Giudecca”, con un video que es el primero en haber sido grabado exclusivamente para la canción y no con imágenes royalty-free. Es, en pocas palabras, una presentación de la persona detrás de los temas.

Las comparaciones no se han tardado, y se le ha equiparado con actos de la talla de Caribou y LCD Soundsystem. Su biografía en Resident Advisor es más romántica y lo describe como “un amateur de recámara en el linaje de Arthur Russell y Elliot Smith, pero con la colección de discos de Whitey y un Korg Mono/Poly como su musa”.

Con o sin disquera, el espíritu íntimo y casero sigue ahí. La pequeña voz de Greenwood y los grandes beats de su música son como una avalancha en un cuarto cerrado bajo llave, y tenemos la oportunidad de asomarnos por la perilla.

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Tremenda Trementina

MARÍA MERIOMA

FOTO: Facebook

Hablamos con Adriana de la Fuente y Pablo Villafranca, el dúo de Pamplona Tremenda Trementina. Una conversación en toda regla a raíz del lanzamiento en México de su segundo álbum Sangre Pop.

¿Por qué el nombre? ¿de dónde surge Tremenda Trementina?
Adriana: Todo comenzó como una broma. Yo pintaba un día en casa y me puse ese apodo como mi nombre artístico y a Pablo le gustó y dijo “¡para el grupo!” y al final se quedó. Trementina es el disolvente con el que disuelves los oleos y era un poco el juego de palabras.

Presentan su primer álbum en México (segundo en España) y se nota un cambio de sonido, de imagen (antes se veían más como grupo, ahora como dúo). ¿Qué ha cambiado para ustedes?
Pablo: Bfff, muchas cosas. Primero, nos hemos mudado a Barcelona, que es una ciudad más grande; antes estábamos en Pamplona, que es de donde somos y es una ciudad pequeña de 250 mil habitantes y eso ha cambiado nuestras vidas bastante. Y musicalmente pues, mucho… aunque siempre tomamos todas las decisiones solo Adriana y yo, ese primer disco fue más como juntarnos con unos amigos y grabarlo al momento.

Adriana: El núcleo creativo del grupo siempre fuimos nosotros dos y al principio, en el primer disco, nos juntamos con Íñigo y Roberto y sacamos ese disco que tiene ese carácter (de grupo)… Luego por cosas de la vida nos hemos quedado Pablo y yo y ha evolucionado de esa manera.  El primero lo grabamos en dos días, surgió la oportunidad y grabamos un día en casa de uno y ese material decidimos enviárselo a Everlasting (nuestra discográfica) y ellos decidieron editarlo tal cual estaba. Este segundo disco ya sabíamos que lo íbamos a grabar con un presupuesto y es diferente.

Tremenda Trementina by Tremenda Trementina

Hay una diferencia clara entre el primer álbum (Tremenda Trementina) y este Sangre Pop que tiene ya un contraste en el título, la sangre algo más dramático podríamos decir oscuro y el pop algo más brillante… ¿lo intentan plasmar también en el sonido o fue simplemente un título que surgió?
Pablo: Creo que el contraste se mantiene en todo sentido, antes también era pop pero con una parte muy cruda y ese contraste musical lo seguimos manteniendo.

Adriana: Aunque sí que es verdad que este disco es, por así decirlo, más luminoso ¿no? Deja más espacio a otro sonidos, hay cuerdas… es una idea más pop… Y sí que la idea es que la primera canción que hicimos fue “Sangre Pop”…

Pablo: Todo el disco ha venido después de esa canción y el título ha estado ahí antes de saber que iba a ser el del disco, o sea que el título ha tenido mucho peso.

Adriana: ¡Claro! Es que era una manera en la que (como nosotros podemos ser muy dispersos) pues, de elegir un camino también ¿no? De que fuera nuestra guía. Aunque eso del pop es muy amplio, sí que nuestra música tiene contrastes y las letras son algo más misteriosas…

Pablo: Un poco tristes a veces… por ejemplo “Sangre Pop” y la siguiente canción que es “Volver a Caer” yo creo que ahí podrían estar los contrastes de algún modo. Como “Sangre Pop” es la luminosa y “Volver a Caer” es más oscura, es un pop con más sensación de tristeza.

¿Cómo relatarían el proceso creativo de este nuevo álbum?
Pablo: El disco está hecho entre Pamplona y Madrid y nos fuimos a la playa, al sur de España, a Almería que ahí compusimos. Estuvimos en un desierto y en una urbanización perdida estuvimos unas semanas haciendo el disco… el otro día, bueno hace tiempo, comentaba una escritora que ella escribe en la cola del metro. A nosotros nos vino bien todo lo contrario: desaparecer.

Adriana: Al final también hay partes que hace cada uno por su cuenta. En este disco hay alguna canción que la música la he compuesto yo aunque Pablo es el compositor principal y en este disco también hay alguna letra que ha escrito él, pero ha habido mucho más “mix” entre los dos y hay canciones que hemos hecho desde el inicio juntos.

¿Tienen alguna referencia en su sonido? ¿Cómo querían y quieren sonar, tanto en letras como en composición?
Adriana: Yo creo que la base de la heterogeneidad que tienen nuestras canciones es que hacemos lo que nos sale.

Pablo: Tampoco ha habido un productor detrás que tal vez tenga una idea… nuestras referencias son muy dispares, yo por ejemplo ahora escucho todo el rato reggaeton y eso no está en el disco… obviamente. (risas)

Adriana: Y yo no lo aguanto… por mi parte, escucho mucha música hecha por mujeres. ¿Eso me influye? A la hora de hacer letras, no (porque) son más vivencias, aunque siempre cuando haces música yo creo que hay referentes que están en tu subconsciente. Canalizando eso, ahí hay música de los ochenta, por ejemplo, que hemos conocido más tarde (porque) no la vivimos.

Pablo: Si, esto de los ochenta es algo que vale la pena explicar, porque nos damos cuenta de que es una música que al final nos influye mogollón, pero que éramos súper niños en ese momento; entonces, no la escuchamos en su momento… la hemos escuchado luego, pero nos ha influido bastante.

Sangre Pop by Tremenda Trementina

¿Cómo ven el presente del pop español?
Pablo: Yo musicalmente lo veo un poco atascado, de la explosión que hubo en los noventa, por ejemplo, los grupos que más me molan siguen en esa onda y los nuevos también. Creo que hace falta una regeneración. Prefiero grupos de Latinoamérica, por ejemplo. Creo que hay una frescura que hace falta aquí.  De Latinoamérica me encanta Dënver o El Mató A Un Policía Motorizado, que además los sigo desde MySpace y que he ido viendo cómo se hacen cada vez más grandes y cómo cada disco es mejor que el anterior y son como que “muy reales”… o Javiera Mena.

Adriana: Yo creo que ahora en España hay muchos grupos, unos me gustan más y otros menos… pero también veo un bajón en los conciertos, creo que está cambiando el panorama a nivel de público. La gente está yendo más a festivales, vas a una sala y hay muy pocas personas. También por la crisis económica, las salas se están moviendo menos, ahí veo un poco de tristeza… hay una retroalimentación entre músicos y público.

¿Se identifican con otra banda por cualquier motivo? (musicalmente, por el rollo o porque sean un dúo…)
Adriana: Esto sí nunca nos lo habían preguntado… (risas)

Pablo: Yo creo que hay uno, que además no nos parecemos en nada, pero que son un referente que me mola como dúo y que los vimos en Londres: The Kills… fue un concierto que nos impactó a los dos y en el que además coincidimos ella y yo.

Adriana: Sí, sí… porque es difícil que nos guste lo mismo.

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Föllakzoid

CRISTHIAN SILIS • Rock psicodélico desde la capital chilena.

Con varios años en la escena musical y muchos kilómetros recorridos, esta banda originaria de Santiago juega con un sinfín de elementos y texturas alucinantes que lo mismo nos llevan a un estado hipnótico que a la pista de baile.

Melodías explosivas y emocionantes; voces que se convierten en ligeros susurros de fondo son los principales elementos de las canciones que a pesar de su larga duración nunca se hacen aburridas, sino que se convierten en una especie de mantras en los que quedas atrapado sin darte cuenta.

Föllakzoid by Föllakzoid

Al escuchar estos tracks nos vienen a la mente referencias y comparaciones con bandas bien conocidas, principalmente del kraut y el space rock, pero la música de Föllakzoid habla por sí misma y pasa a segundo término el tema de si suenan o se parecen a alguien.

Su discografía se compone de cuatro discos y dos EP, desde su debut homónimo de 2009, hasta II Rmx, de 2013. Eso sí, el arte gráfico es parte importante de sus grabaciones, ya que sus imágenes reflejan a la perfección el contenido musical.

“II” RMX by Föllakzoid

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El próximo larga duración de la banda, titulado III, está fechado para salir a la venta a finales de marzo de 2015, por lo que recomendamos no perderlos de vista.

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Carca

NICOLÁS GONZÁLEZ • El príncipe oscuro del rock argentino.

Como tantas otras glorias del rock nacional, Carca inició su carrera dentro de este hermoso género a finales de los años ochenta, siendo guitarrista y compositor del grupo Tía Newton, efímera agrupación perteneciente a la “movida sónica” argentina (junto a grupos como Babasonicos y Los Brujos entre otros) que por su alto grado de desorganización, solo dejó registro de unas seis canciones sueltas en un split del año ’93, compartido con Avant Press (el primer grupo de Leo García).

Luego de la previsible desintegración del grupo ese mismo año, Carca emprende su carrera solista editando Miss Universo también en 1993; un disco que oscila entre la electrónica chill y el hard rock, y que contó con participaciones de Daniel Melero, Flavio Cianciarulo y Adrián Dargelos.

Al debut le siguieron A un Millón de Años Blues (1996) y Carca (1998) dos álbumes que van en una dirección contraria; con un lóbrego estado de ánimo, plagados de potentes distorsiones y paisajes sombríos, y con los cuales Carca es inmediatamente declarado “Principe oscuro” en referencia a uno de los hits que logró en aquella etapa.

Sin embargo, el disco de mayor repercusión mediática de Carca es Nena, editado un año antes del fallido Y2K y en el cual se lo puede apreciar dando rienda suelta a su faceta más glam, en un disco donde abundan las referencias sexuales y los automóviles a alta velocidad. Este disco es literalmente un inconseguible del rock argentino, que en su edición original incluía un álbum extra llamado Descuido, que poseía “versiones ineditables” y cuya peculiaridad era la de ser un álbum en vivo, pero con las peores tomas obtenidas de las canciones, donde mayor cantidad de errores cometía.

La discografía continúa con Divino (2003) donde Carca vuelve a bajar el volumen (nunca del todo) y en el que colaboran Andrés Calamaro y Juanse, de Los Ratones Paranoicos. Si bien había colaborado continuamanente con Babasonicos, en 2008 tras la muerte de Gabo Manelli, Carca queda como bajista permanente del grupo, participando tanto de los discos de estudio como de las giras de presentación.

En 2009 edita Uoiea, con Diego Tuñón y Diego Uma (ambos de Babasonicos) en teclados y percusión respectivamente, como parte de su banda. Este disco fue producido en conjunto por Carca y Tuñón, y fue masterizado en Escocia por Dennis Blackham, conocido por sus trabajos con T-Rex y Marc Bolan.

Actualmente Carca se encuentra presentando Carca Registrada (2014); un disco compilatorio que repasa toda su discografía e incluye cuatro canciones nuevas, y posee colaboraciones de Andrés Calamaro y varios de los Babasonicos, entre otros.

Su próximo show será el viernes 6 de marzo, en el reconocido teatro Caras y Caretas de la calle Sarmiento 2037 de la ciudad de Buenos Aires, y en el cual Carca se presentará junto a varios invitados, previo a emprender una gira que seguramente lo llevará a la Ciudad de México.

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Fiva

LIDIA LEIVA • Hip-hop desde Munich.

FOTO: Nina Stiller

El proyecto de Nina Sonnenberge nació a mediados de los noventa, cuando la artista se adentró en el mundo de la poesía pero también se dejaba llevar por hip-hop y la música pop.

Su primera puesta en escena fue en 1999 cuando se atrevió con un concierto de estilo libre en Múnich, el cual le abrió las puertas a varias estaciones alternativas de Alemania, Austria y Suiza. Más tarde, Fiva firmó su primer contrato con el sello hamburgués Buback, y con él vieron la luz su primer single “Status Quo” y su primer álbum Spiegelschrift (2002), producido por el un conocido productor y dj americano Edward Sizzerhand.

La artista, que se hace acompañar en esta travesía por su compañero DJ Radrum, ha colaborado con nombres destacables del hip-hop alemán como Frettes Brot, a través de los cuales se inspira y mantiene su influencia urbana. A mediados de la década pasada lanzó el disco Kopfhörer (2005) y en 2009 Rotwild, siendo ambos un empujón para ubicarse en listas de popularidad.

Posteriormente adoptó el nombre de Fiva & the Phantom Orchester, con el que lanzó su cuarto disco die Stadt gehört wieder mir, producido con las colaboradores de Linhof Múnich y Paul Reno. Este trabajo le ayudó a conseguir más reconocimiento, tras presentarse también en el Vision Song Contest de Baviera y quedar entre los primeros veinte puestos.

Fiva tiene una combinación de rap con melodías y estructuras pop, que también lleva algo de soul y electrónica que nos saca momentáneamente del frío invierno alemán. En 2014 lanzó su último álbum, titulado Alles leuchtet y entre sus especiales sencillos a destacar están “Solang du mit mir singst” y “Einen Sommer lang nur…”

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Esta revista es producida gracias al Programa “Edmundo Valadés” de Apoyo a la Edición de Revistas Independientes 2014, del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

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