eBook #5

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.

LAPOPLIFE

eBook #5 Copyright © 2015 por LAPOPLIFE.

Contenido

- LAPOPLIFE

- 1. Klaxons confirman su separación

- 2. Vinilos: Arthur Lyman, Taboo Vol. 1 y 2

- 3. Lichis

- 4. 1.000 Robota

- 5. Electric Sasquatch

- 6. Trojan Horse

- 7. Erase Errata

- 8. Vinila von Bismark

- 9. TunaCola

- 10. Sue Mon Mont

- 11. Sofi de la Torre

- 12. Nadine Shah

- 13. Phosphorescent

- 14. Bigott

- 15. Kali Mutsa

- 16. PUAR

- 17. MINE

- 18. Låpsley

- 19. Awakening The Atoning Death

- 20. Grupo de Expertos SolyNieve

- 21. Jessica Hernandez & The Deltas

- 22. Liricistas

- 23. Daniel Melingo

- 24. Jens Friebe

- 25. Fake Laugh

- 26. Girlpool

- 27. Plástico

- 28. Diosque

- 29. Django 3000

- Copyright © 2014-2015, LAPOPLIFE

LAPOPLIFE

eBook #5
Enero 2015

Contiene todas las entrevistas, recomendaciones musicales e infografías del mes.
* Descárgalo y llévalo contigo para leer offline en cualquier momento.

1

Klaxons confirman su separación

SERGIO BENITEZ • La banda confirmó el anunció realizado en su cuenta de Twitter a finales de 2014.

Tras la polémica generada en octubre pasado, cuando Klaxons anunció que esta sería su última gira, misma que terminará en México, la noticia fue confirmada por su propio guitarrista, Simon Taylor-Davis, quien dijo en entrevista para LAPOPLIFE: “Este parece ser el mejor momento de nuestra carrera y es el ideal para despedirse”.

Actualmente la banda británica realiza la gira de promoción de Love Frequency, álbum que lanzaron a mediados de 2014. La gira incluye tres conciertos en México: dos en el Lunario del Auditorio Nacional los días 28 y 29 de enero y uno al día siguiente en el Teatro Estudio Cavaret, de Guadalajara.

Sobre la separación de la banda, Taylor-Davis asegura que la decisión se tomó ahora que consideran que se encuentran en el punto más alto de su carrera y agregó que es mejor despedirse ahora que terminar envueltos en una dinámica en la que se vean obligados a repetirse.

Taylor-Davis no abundó más en los detalles del rompimiento de Klaxons, sin embargo expresó que le encantaría la idea de continuar haciendo música, aunque aún no tiene claro lo que hará una vez que termine la gira.

De este modo, el trío dejará atrás un proyecto que desde sus inicios captó la atención del público y de la crítica alrededor del mundo. En cada álbum dejaron clara la capacidad que tuvieron de reinventarse y marcar diferencia entre un matarial y otro.

Taylor-Davis menciona que esta despedida no implica que ellos se retiren de la música, sino como “una oportunidad para que cada uno de los integrantes recorra un nuevo camino”.

Al preguntarle sobre sus expectativas de las presentaciones que tendrán en nuestro país, no dudó en decir que al igual que en 2007, estas presentaciones serán una locura. “En aquel entonces no esperábamos que la gente nos conociera y mucho menos que supieran nuestras canciones; apenas teníamos un disco y solo tocamos 45 minutos, pero aún así ha sido uno de nuestro mejores conciertos”, indicó Taylor-Davis.

-

2

Vinilos: Arthur Lyman, Taboo Vol. 1 y 2

ARTURO URIZA • Un viaje doble hacia el extraño mundo del jazz tropical.

El “digging” es esa práctica casi arqueológica que involucra el ir a rascar entre montones de discos olvidados, sucios y generalmente mal acomodados en los lugares más polvorientos de la ciudad.

Bazares, librerías, tiendas de discos; donde sea es buen lugar para ir a cazar vinilos y encontrar algo que valga la pena; seguir aquella vieja máxima de: “gastar lo menos posible y llevarse lo mejor que se pueda”. Regirnos como aventureros en un ejercicio lúdico que habla a varios niveles sobre el consumo musical; ver los olvidados objetos revivir, regresar de la tierra de los muertos un disco que alguna vez dio felicidad a alguien y que fue desechado tan pronto como se pudo.

Así fue como me encontré con estos dos discos. Hace unos meses, en una feria de discos, después de tratar con montones de vendedores snobs, de ver pasar ofertas ridículas por discos de Caifanes y La Maldita Vecindad, y de quedarme con las ganas de comprar unos discos de Brian Eno, encontré en una caja medio olvidada un vinilo que llamó mucho mi atención, simplemente por la portada: Taboo Vol. 2, de Arthur Lyman, que en el arte central tiene una cabeza de jíbaro sobre un fondo naranja que además del título, se acompaña del subtítulo “New Exotic Sounds Of Arthur Lyman”.

Es increíble cómo una portada puede convencernos de comprar un disco sin haberlo escuchado, sin siquiera saber quién es el artista o ni siquiera estar seguros de si nos gustará. Lo quería, estaba enamorado de la portada, y lo mejor es que lo compré a un muy buen precio, unos $25 pesos tal vez.

El disco en la contraportada cuenta una historia por demás atractiva, que comienza con una introducción fabulosa que asegura que ni los cohetes espaciales podrían superar la rapidez de Lyman para transportarnos a los rincones más exóticos del sonido, ya que “Taboo Tu” fue grabado, escrito y arreglado en solo dos horas… ¡todo el disco en dos horas! Bajo esta estilizada concepción de lo exótico, el disco hace una simpática transición entre ritmos y sonidos relativamente folclóricos, como la música ritual hawaiana, los cantos sudafricanos, los sonidos de Japón y el jugueteo del tango y el cha cha chá, todos con una variedad de instrumentos que se sustentan sobre el xilófono, que era el instrumento principal de Lyman.

Arthur Lyman fue un músico hawaiano especializado en percusión y ligado a la tradición del jazz, quien explotó durante mucho tiempo el concepto de lo exótico para introducirlo a un público mucho más popular y menos especializado. Todo el universo desarrollado por Lyman para estas grabaciones podría funcionar como antecedente a compilaciones o trabajos de la mal llamada world music, e incluso como bases de las famosas compilaciones ultra-lounge.

En una de mis últimas expediciones en busca de discos tuve la oportunidad de encontrar el Vol. 1 de Taboo, en un mercado donde los objetos principales de venta son autopartes y ropa usada, ahí abandonado en un pequeño montón de discos por demás heterogéneo se encontraba en perfecto estado este álbum. Esta primera versión, lanzada originalmente en 1958 por la Hi Fi Records, tiene una intención un poco más modesta y de menos explotación que la segunda, sin embargo las mezclas e infusiones sonoras de otras regiones del mundo están bien presentes.

Este disco me gusta especialmente por una versión increíble de “Misirlou”, tema que probablemente conozcan bien por la interpretación de Dick Dale que Quentin Tarantino haría famosa al incluirla en el OST de Pulp Fiction, (la primera versión de Misirlou data de 1927 y está a cargo de Michalis Patrinos). Pues bien, en la reversión de Lyman, “Misirlou” recibe un tratamiento cálido de pianos y percusión que asemeja a los ritmos del ethio jazz, contrastándola de formas increíbles en un trabajo de adaptación muy fino.

Hay un encanto casi inocente en estos dos trabajos, esa línea artificial del sonido de un lugar idílico; una locación salvaje plástica, como salida del encuentro anacrónico y musical de Island Of Lost Souls (1932) y un documental de los setenta accidentalmente psicodélico; una combinación precisa entre la ruptura de lo tradicional y la calidez del lugar conocido, que además incluye sus ambientaciones con respectivos animales que en el imaginario se pueden considerar exóticos, llámense monos y aves.

Lo mejor es que estoy seguro de que estos discos no son tan difíciles de encontrar, que están por ahí, esperando en algún lugar oculto a ser reproducidos en sus tornamesas, a transportar al escucha por unos minutos y meterlo en trance hacia esos escenarios mezclados que Lyman y compañía diseñaron con premura para que desde la comodidad de nuestras casas experimentáramos esa sensación de aventura cómoda que la (pos)modernidad nos ha otorgado.

Un viaje doble hacia los sesenta, y hacia el extraño y psicodélico mundo del jazz tropical de Lyman, o del proto chill out, o como usted quiera llamarlo.

3

Lichis

MARÍA MERIOMA • Uno de los mejores discos españoles de 2014.

Miguel Ángel Hernando Trillo es Lichis. Nacido en Barcelona pero radicado en Madrid, tiene una historia larga en la música española aunque recién tengamos en los oídos su primer álbum, Modo Avión.

A principios de los noventa se disolvió el grupo Maleza, y fue entonces cuando Lichis comenzó con su proyecto La Cabra Mecánica; grupo del que él fue el leitmotiv y la cabeza detrás de cuatro discos de estudio; siempre bien acompañado por buenos músicos y amigos que apoyaban un sonido mestizo y letras en gran parte furiosas.

Después de acompañar a Fito y Fitipaldis en su gira de 2010 y de que este incluyera una versión de “Todo a Cien” en Antes de Que Cuente Diez, para Lichis comenzó el proceso creativo de Modo Avión, que por fin quedó listo para salir en octubre de 2014 y presentarse un mes después en Madrid y Barcelona.

La gráfica que envuelve a este trabajo la hizo Max Capdevila; uno de los ilustradores más relevantes de España; es una presentación sencilla y suave pero a la vez contundente que anticipa las sentencias que hace Lichis en las letras de Modo Avión.

Está un tanto lejos de los ritmos, la voz y la forma de expresarse que lo escucharon comenzar hace más de 20 años. Ahora encontramos a un artista mucho más íntimo que sobrevuela la nostalgia y la esperanza con lo más puro del rock americano; una manera muy digna de acompañar estos días que cerramos y abrimos capítulos en forma de años.

El resultado hasta ahora ha sido positivo, pues varios medios especializados lo colocaron entre los mejores discos del 2014. Mientras tanto, Lichis prepara su gira española con una veintena de fechas y su nombre está confirmado en los carteles de la edición 2015 de Sonorama Ribera y Gigante Festival.

-

4

1.000 Robota

SERGIO BENITEZ • Post-punk con un sonido original y fresco.

Anton Spielmann, Sebastian Muxfeldt y Jonas Hinnerkort son tres amigos oriundos del norte de Alemania, quienes formaron 1000 Robota; una banda cuyo sonido los colocó en la batalla contra todos los que habían estado quejándose de su generación.

El trío llegó a la escena en 2008 con su álbum debut Hamburgo Brent (Quema de Hamburgo), con el que causaron furor. En sus canciones, 1.000 Robota muestran enojo, agresividad y arrogancia, y no se andan con rodeos cuando se trata de poner a los sabelotodo en su lugar.

Durante tres años, el trío fue seguido por la directora Sandra Trostel con cámara en mano, y el resultado fue la película Utopía Ltd., que fue proyectada en el Festival de Cine de Berlín en mayo de 2011, obteniendo amplio reconocimiento de la crítica alemana, donde el material fue calificado como “valioso”.

1.000 Robota tienen un sonido torcido, lleno de guitarras filosas y letras ardientes que reflejan un sentido más complejo con el que llenan los gustos de los rockeros más exigentes y de los nuevos aficionados a este género.

De hecho, la banda ha polarizado y despertado de manera significativa la petulante escena pop y bohemia alemana. El público de la Gran Bretaña se ha mostrado más abierto al estilo de la banda por lo que han promocionado completamente al grupo, mientras que los alemanes no están muy seguros de qué hacer con ellos.

En su segundo álbum titulado UFO, los chicos muestran mayor seguridad en sí mismos, presentando un material más estructurado pero permaneciendo fieles a su actitud elemental de no hacer música para sentirse bien, sino punk, punk, y más punk.

Después de todo consideran que el punk, más que música, es una forma de vida. Y de acuerdo con 1.000 Robota, si el punk mueve a quienes visten un traje, incluso podría llegar a aquellos que normalmente desairan esta música.

5

Electric Sasquatch

SERGIO BENITEZ • Psicodelia y stoner rock desde Cali.

Desde 2009 estos caleños han logrado consolidar una propuesta escénica y sonora acompañada de maquillaje, vestuario, luces y sonidos con los que embrujan a quienes los escuchan.

Electric Sasquatch está integrado por Johann Aranzalez (voz principal y guitarra), Jonathan Betancourt (guitarra, armónica, didjeridu y coros), David Millán (bajo y coros), Alejandro Orejuela (batería y coros) y Lucas Orejuela (teclados, sintetizador y coros).

Influenciados por la música de bandas como Pink Floyd, Led Zeppelin, The Doors y Queens of the Stone Age, la banda adquirió un estilo propio y coherente, con francas muestras de sonidos progresivos y experimentales.

Desde 2012 incorporan en su propuesta musical elementos visuales, teatrales y escénicos, que complementan su puesta en escena y que permiten expresar de manera más categórica el mensaje que desean transmitir, lo que convierte a la banda en una experiencia artística única.

Su primer álbum homónimo fue grabado en 2013 y hecho en bloque, tal como lo hacían bandas como Fleetwood Mac, Tom Petty & the Heartbreakers, Led Zeppelin o Queens of the Stone Age, con el fin de conservar la esencia de sus presentaciones en vivo, lo cual es indispensable para la banda para generar una experiencia estética contundente.

La presentación del álbum se realizó en junio de 2014 en La Ventana, Bogotá. Este lanzamiento permitió a la agrupación ser banda abridora de la banda sueca Ghost, durante su primera presentación en Colombia en agosto de 2014.

A finales del mismo año Electric Sasquatch hizo su primera gira fura de su país, ofreciendo varias presentaciones en la Ciudad de México, además de participar como invitados especiales en el Indie Fest Campeche 2014.

6

Trojan Horse

SAMUEL VALDÉS • El nuevo progresivo desde Manchester.

Trojan Horse, de Salford, suburbio de Manchester, toman su nombre del infame caballo por dos razones tajantes: una pasión por cómo la historia y la mitología se confunden, desvaneciendo la verdad de un suceso, y por otro lado, algo que tiene que ver con su sonido: “si adivinas cómo sonarán nuestras canciones, no estamos haciendo un buen trabajo”.

Esa frase del cantante y guitarrista Nick Duke se refiere al a veces esquizofrénico sonido de la banda, mezclando los momentos clásicos del progresivo de King Crimson y Quatermass con los momentos experimentales de la BBC Radiophonic Workshop.

Trojan Horse by Trojan Horse

Autodenominados como “Prog Nouveau”, Trojan Horse adoran poner capa tras capa de instrumentos en su música, creando una auténtica barrera de sonido que no colapsa sobre el escucha. Las canciones pueden ir de un simple riff pesado al estilo Mastodon a extrañas atmósferas espaciales que llenarían de orgullo a Delia Derbyshire.

Las letras y canciones se fijan en una era significativa para Manchester: la revolución industrial. Al igual que Sheffield, Manchester fue una central de fábricas, ensambladoras e industrias textiles que definieron el ambiente y el arte. Letras sobre Marx y Engels, derechos de obreros y hasta la muerte térmica del universo vienen a juego en las enredadas pero disfrutables canciones que el cuarteto crea.

Fire Ep by Trojan Horse

-

Con dos discos en su bolsillo (Trojan Horse y World Turned Upside Down) y múltiples colaboraciones artísticas con otros músicos de Manchester, Trojan Horse trae un Nuevo Progresivo que demanda atención pero la recompensa en forma equitativa.

7

Erase Errata

SERGIO BENITEZ • La banda está de vuelta, tras ocho años sin disco nuevo.

FOTO: Bill Adams

Erase Errata es una banda californiana de post-punk con una trayectoria ya considerable. Se formaron en Oakland, California, en 1999 y rápidamente lograron la atención del público y de la crítica tras lanzar su primer sencillo homónimo en el 2000, lo que les ayudó a salir de gira junto a Le Tigre y Melt Banana.

Durante esa década lanzaron varios discos (Other Animals, Crystal Palace, Nightlife) que les valieron más reconocimiento y los elogios de bandas como Sonic Youth, Mission of Burma y The Ex.

Tras la salida Sara Jaffe, su guitarrista fundadora, en 2004 la cantante Jenny Hoyston tomó la guitarra y Archie McKay participó brevemente como vocalista. Erase Errata finalmente se decidió por una alineación de tres integrantes, con Hoyston en guitarra y voz, Ellie Erickson como bajista y Bianca Sparta en la batería.

Finalmente, después de ocho años sin nuevo disco, la banda regresa con nuevo material en 2015. Será justo el 20 de enero cuando presenten Lost Weekend, ahora a través del sello Under the Sun, propiedad de la banda, mismo que ya se puede encargar aquí.

Acá un adelanto del disco:

-

8

Vinila von Bismark

SERGIO BENITEZ • Reina del burlesque, amante del rockabilly y de los años cincuenta.

Vinila Von Bismark es una chica de 28 años, nacida bajo el nombre de Irene López Mañas en la ciudad de Granada, España. Además de realizar espectáculos de burlesque, también fue líder de Krakovia, agrupación con la que grabó un disco de once temas en inglés y uno en alemán.

Se inició en el mundo del espectáculo realizando performances, luego como chica a go-go de discoteca y posteriormente como DJ. Tras mucha disciplina, la mujer dejó todo atrás para convertirse en una diva de los cincuentas; amante del rockabilly, y reina del burlesque.

Su padre era fisicoculturista mientras que su madre, además de dar entrenamiento de aerobics, también era cabaretera, por lo que Vinila creció entre tablas de aerobics y barras de gimnasio, aprendió a andar en zancos gracias a su padre y también a montar el trapecio y hacer malabares. Posteriormente comenzó a montar performances juntos a sus amigos, actuando en pequeños auditorios de Granada.

Años más tarde, dejó la escuela y se mudó a Madrid. Su llegada a la capital fue un tanto extraña, pues tuvo que comenzar desde cero subiendo a podios de clubes y discotecas a bailar, por lo que luego de una corta temporada decidió probar suerte en Barcelona, donde tampoco corrió con suerte.

Tras su regreso a Madrid trabajó como DJ bajo el nombre de Irenella en clubes como Samstag, Le Garage y Stardust. Fue entonces que comenzó a relacionarse con gente que, al igual que ella, adoraba épocas distintas. Conoció a Petra y dio inicio Krakovia, un grupo con el que en cierta medida se identificaba. También conoció a Lola, una chica berlinesa que la introdujo en el mundo del burlesque y de ese modo nació Vinila Von Bismark.

Indudablemente, 2014 fue un buen año para Vinila Von Bismarck, pues además de lanzar su álbum A Place With No Name (Subterfuge) viajó a México, donde presentó su espectáculo The Hole, antes de volver a su país, donde ya tiene varias fechas agendadas para 2015.

-

9

TunaCola

CRISTHIAN SILIS • Pista y flasheo desde la capital chilena.

Hoy en día es casi normal escuchar que los sonidos producidos por las consolas de videojuegos van influenciando a algunos músicos, como sucede con la propuesta de Tuna Cola, una música a la que ellos definen como pop-hop. De hecho, esta banda originaria de Santiago toma su nombre de un juego de Nintendo llamado Startropics, donde aparece una isla llamada precisamente TunaCola.

Este conjunto está trabajando desde 2009, pero es al año siguiente cuando dan a conocer la canción “Sudamerican Rockers”, misma que después aparece también en el primer material homónimo de la banda, editado en 2011.

Sudamerican Rockers by Tunacola

Los miembros del grupo cuentan que editar este material les tomó dos años, durante los cuales procesaron música de 8 bits, ritmos bailables y mucho pop. En 2012 editan el disco Chamber Ensemble, donde siguen explotando la fórmula de su primera entrega y es entonces cuando otras de sus canciones empiezan a sonar en otros largometrajes, lo que les abre las puertas para que en 2013 salgan a tocar fuera de su país.

Ese mismo año tocan en México, país al que toman por asalto con la energía desbordante de sus directos, justo antes de editar Todos los Veranos del Mundo (2014), donde ya muestran un sonido más elaborado, pero sin perder esos elementos que le dan particularidad a su sonido.

De hecho, el segundo sencillo de este material, titulado “Danky”, ha tenido buena aceptación dentro y fuera de Chile, por lo que esperamos que pronto vuelvan a México para mostrar más de su propuesta en vivo.

Sin duda esta es una de las bandas chilenas que darán de que hablar en 2015.

-

10

Sue Mon Mont

NICOLÁS GONZÁLEZ • Rock pop de indiscutible influencia noventera.

En noviembre de 2014 vio la luz el primer disco de Sue Mon Mont, el nuevo proyecto convocado en 2013 por Rosario Bléfari, cantante, actriz (donde se destaca su participación protagónica en el ultra recomendable film Silvia Prietto) y escritora, además de icono de lo que podríamos llamar el “Adrogué Sound”.

El “Adrogué Sound” en sí no es un sonido, aunque es muy reconocible la influencia de la escena alternativa norteamericana de grupos como Pixies, Nirvana, Daniel Johnston, Sonic Youth, etcétera. Y en gran medida tampoco representa una estética fija en particular, sino que hace referencia a una camada de bandas que eran de, o estaban en, las cercanías de la ciudad de Adrogué, zona sur del conurbano bonaerense, cuyo esplendor tuvo lugar desde los noventas hasta principios de los dosmiles, y en el cual podríamos involucrar a grupos que van desde Babasonicos, pasando por Copiloto Pilato de Adrían Paoletti o Suarez, el grupo que Rosario Blésfari lideró desde 1988 hasta 2001.

Luego de su disolución, RB inició una etapa solista, en la cual editó varios discos y algunos EP, siempre trabajando en el plano del rock alternativo, aunque pasando también por estadías más folk y acústicos de la cual rescato principalmente el disco Misterio Relampago (2006).

Como anticipé, en 2013, RB convoca a Gustavo Monsalvo, Tifa Rex y Marcos Díaz para darle forma a Sue Mon Mont, y así grabar un disco en el cual, la influencia alternativa de la multifacética frontwoman se hace muy presente nuevamente.

De alguna manera, Suarez estuvo y pareciera que siempre estará presente en Rosario Bléfari, tanto por su costado distorsionado y cargado de efectos, como por los intervalos más progresivos, lentos y a veces oscuros.

Su voz no ha cambiado; sigue exactamente igual que en Hora de No Ver, aquel explosivo y experimental debut de 1994. Las letras, como siempre, se traducen en pasajes cotidianos, sin pompa y lejos de la falsa poética que muy a menudo suele adueñarse de la lírica del rock argentino.

Por alguna razón, este es un disco que recomiendo para andar en bicicleta.

Sue Mon Mont by sue mon mont

-

11

Sofi de la Torre

LIDIA LEIVA • Una española que está haciendo ruido desde Berlín.

Paseando por las calles de Berlín, Sofi de la Torre comienza a revolucionar con su último sencillo en mano, “Vermillion”. La cantautora procedente de Las Palmas, Gran Canaria, se encuentra actualmente afincada en Berlín junto con sus productores Andre Crom y Chi Thanh.

Comenzó en el mundo de la música a los 14 años, pero los últimos tres han sido los de mayor satisfacción personal, ya que según ella ha sido cuando su aprendizaje ha cobrado un sentido más profesional y madurez, por sus estancias en Los Ángeles y en Londres.

Aunque también le ayudaron sus primeros trabajos, para nada insignificantes, como “Faster”, que estuvo en el top 100 de Alemania durante cinco semanas, así como su primer LP Mine, que aceleró su reconocimiento entre el público europeo.

En este material se hace notar la pulcritud de sus melodías, donde entran la intimidad y melancolía acompañadas por un aire intenso que a veces me recuerda a la jovialidad y delicadeza de Lykke Li.

Y sin embargo, su último EP Give Up At 2, se sale un poco de la línea, con canciones como “Vermillion”, “Noir” y la que da título al disco, que son temas bien pulidos que sorprenden por su espontaneidad con ciertas pinceladas que van del pop al electro minimal, acompañadas de guitarras y percusiones que redondean su toque bailable.

“Vermillion” es un track con fuerza y gancho, se encuentra en boca de todos, como dice la revista Billboard: “Es simplemente una canción increíble, (que) podría ser la canción del año”.

Este 14 de enero, Sofi de la Torre se presenta en Leipzig, como primera escala de su gira 2015 que pasará por varias ciudades de Alemania, Suiza y Austria. No la pierdan de vista.

-

12

Nadine Shah

CYNTHIA RODRÍGUEZ • Una drama queen muy amorosa.

Amor a sus padres, amor a la música, a los amigos, a su cultura y a sí misma. Las historias de Nadine Shah están llenas de pasión, angustia, intensidad y sobre todo, de amor.

Shah es originaria de Whitburn, al noreste de Inglaterra. Sus abuelos maternos son noruegos y su padre es paquistaní. Lo único que siente que tiene de Noruega es que le gusta el pescado crudo; pero fue su familia paterna, asentada en la cercana Newcastle, con la que creció rodeada de cultura y tradiciones.

https://www.youtube.com/watch?v=nkg-BZI-WRA

Fue por ellos que descubrió la música y sus posibilidades emocionales. Su padre suele cantar ghazals por toda la casa, y es de aquí de donde Nadine (quizás inconscientemente) tomó la melancolía característica de su música y hasta ciertos elementos vocales.

Su madre, por su parte, escuchaba jazz y música occidental de los sesentas y setentas, y fue por ella que comenzó como cantante de jazz tocando en pequeños clubes. Entre estos artistas, descubrió al cantautor americano Scott Walker, y fue su peculiar sonido y su voz barítona lo que la encantó por completo y la encaminó a su estilo actual.

https://www.youtube.com/watch?v=Hzg3CPHrwbE

No nos sorprende entonces que el nombre de su primer LP haya sido Love Your Dum and Mad, un juego de palabras que ya resuelto quiere decir Ama a tu Madre y a tu Padre. Si bien los medios la mencionaban como poco menos que la hija ilegítima de PJ Harvey y Nick Cave, ella nunca los había escuchado con tanta dedicación como todo lo mencionado.

El LP fue producido por Ben Hillier de 140dB, quien ha trabajado con artistas tan dispares entre sí como The Horrors, Natalie Imbruglia, Blur, Depeche Mode, The Courteeneers, Doves, Patrick Wolf, Elbow, Clinic y la ya reporteada Josephine Oniyama. Era natural que Shah trabajara con alguien que sabe de diversidad.

Aunque los temas sean fuertes e intensos, ella es amigable y dicharachera en la vida real. Dice que muchas de las letras son inspiradas por libros y películas, y que solo está siendo una drama queen. Otras piezas, desgraciadamente, no son dramas ficticios: dos de sus amigos sufrían problemas de salud mental y cayeron víctimas de ellos. La misma Shah tiene ansiedad crónica con ataques de pánico, y busca romper el tabú de hablar en público y buscar ayuda que le costaron la vida a sus amistades cercanas.

https://www.youtube.com/watch?v=lLp0svRTpcA

El rapport con Hillier ha sido tan bueno, que volvió a trabajar con él para su nuevo LP, a punto de salir este 2015. El sencillo “Stealing Cars” salió en noviembre pasado y como de costumbre, es avasallador. Este LP no será el único lanzamiento para Nadine: también ha sido confirmada como invitada especial para Shedding Skin, la nueva placa del londinense Ghostpoet, próxima a salir en marzo.

https://www.youtube.com/watch?v=PznUsKnRuSU

-

13

Phosphorescent

SERGIO BENITEZ • Indie rock de tufo sureño.

Mateo Houck es un cantante de indie-folk de 34 años de edad, oriundo de Alabama. Desde 2003, comenzó a lanzar música bajo el seudónimo de Phosphorescent y con un sonido setentero respaldado por piano, lap steel y guitarras distorsionadas.

Y es que mientras Houck crecía en la Alabama rural, su padre escuchaba mucha música country de los setenta, incluyendo gran variedad de éxitos de Willie Nelson. A los 15 años de edad, Houck compró una guitarra y se puso a trabajar en composiciones propias. “Escribí muchas canciones realmente simples y probablemente malas”, dice sin reparos.

Realizó frecuentes viajes a la biblioteca local, profundizando en el pasado, la música folk, especialmente las grabaciones Smithsonian Folkways. Abandonó su casa a los 18 y pasó años viajando solo en una camioneta, tocando en bares y cafeterías de todo el sur de los Estados Unidos.

Antes de grabar bajo el nombre Phosphorescent, Houck se hacía llamar Fillup Shack y autoeditaba un limitado número de copias de su álbum Hipolit (2000). Más tarde cambió su nombre a Phosphorescent y lanzó el disco A Hundred Times or More (2003), ya con Warm Records. Al año siguiente, lanzó el EP The Weigh of Flight.

Sn embargo, Phosphorescent obtuvo un amplio reconocimiento de la crítica hasta mediados de esa década, cuando lanza los discos Aw Come Aw Wry (2005) y Pride (2007). Para 2009, Houck elaboró un álbum tributo a Willie Nelson titulado To Willie, que fue lanzado a través de Dead Oceans. Ya en 2010, Phosphorescent sacó al mercado Here’s to Taking It Easy.

Actualmente Phosphorescent está por lanzar el álbum en directo Live From The Music Hall, que es una crónica de sus cuatro presentaciones en el Music Hall, de Williamsburg, en Brooklyn, Nueva York y que abarca casi diez años de trayectoria y cuatro álbumes.

Aquí un adelanto:

14

Bigott

MARÍA MERIOMA • Sonidos folk y country desde Zaragoza.

Borja Laudo es Bigott; un zaragozano al que la palabra personaje le viene como definición perfecta; odia la promoción, se dice que no le gusta hablar de sí mismo y que su fachada desaliñada es inversamente proporcional a lo prolijo de su música.

Su línea temporal en la música comenzó a mediados de la década pasada; antes de encarnar a Bigott formó parte de Comedienne, un proyecto que se evaporó antes de terminar de cuajar. En 2005 dio el paso solo y ganó el premio a la mejor maqueta en los VII Premios de la Música Aragonesa con That Sentimental Sándwich, aunque este se reconoce como su segundo álbum, tras uno no editado, pero sí existente, titulado Borjj.

The Orinal Soundtrack by Bigott

Este personaje huidizo mantiene desde 2008 una constante de discos (uno por año) entre los que vale la pena destacar Fin (2009), que es un disco de solo 25 minutos sumergido en el folk, y The Orinal Soundtrack (2011), que contiene historias para adultos, narradas con gracia y mezcla de ritmos.

Lo de Bigott es difícil definir, aunque es muy dado a los sonidos del folk y country americano; la manera en la que mezcla otros ritmos suele sorprender en sus vueltas de tuerca. En efecto, a finales de 2014 presentó su séptimo trabajo: Pavement Tree y fue muy bien recibido por la crítica que afirma que él nunca deja de hacerse cambios y dejar buenas experiencias al escucharlo, ya sean enérgicas o suaves.

Pavement Tree by Bigott

-

15

Kali Mutsa

CRISTHIAN SILIS • Un poderoso coctel sonoro.

Una mezcla exótica de sonidos del este de Europa, Bhangra y contundentes elementos electrónicos es lo que nos entrega esta extraordinaria artista nacida en Santiago, bajo el nombre de Celine Reymond Villegas.

Aunque también ha trabajado como actriz de televisión y teatro, bajo el mote de Kali Mutsa se hace acompañar de Cristobal Montes, alias “Sandoje Catiri”, quien completa este increíble y propositivo dueto de estética gitana y con letras que pueden estar lo mismo en romaní (idioma gitano) que en español.

Kali Mutsa (que en romaní significa “Gata Negra”) debutó en 2011 con un EP titulado Ambrolina, con el que logran llamar la atención dentro y fuera las fronteras chilenas. Al año siguiente se presentan en el festival SXSW, aunque a estas alturas también han pisado escenarios tanto en Alemania y Holanda como en la edición chilena de Lollapalooza.

Su última grabación llamada Souvenance, integra aún más elementos sonoros que se suman a sus ya de por sí poderosas interpretaciones en vivo, las cuales acompañan de elementos visuales y bailarines que complementan perfectamente este coctel sonoro para convertirse en una experiencia audiovisual muy interesante.

-

16

PUAR

NICOLÁS GONZÁLEZ • Llevando al pop argentino a otro nivel.

Este reporte va dedicado a un disco que acaba de cumplir un año de su lanzamiento. Se trata de El Look de la Pelea, primerísimo álbum de PUAR, proyecto con base en Mendoza (Cordillera de Los Andes) y dirigido por Ludovico Zanettinide.

En enero de 2014, Zanettinide reunió estas ocho canciones, dándole forma a un disco que, con el conocimiento de que ya posee un año de existencia, ahora mismo me está dejando con ansias de que salga uno nuevo.

El Look de la Pelea básicamente es un disco de canciones, donde la instrumentación está pensada para acompañar las frases, y donde la calidad, tanto de ejecución de los instrumentos como de la producción sonora (a cargo de Baltazar Oliver, de Ópalo Records, en la provincia de Salta), encuentran un piso tan alto, que elevan al pop argentino hacia nuevos y exportables niveles.

El look de la pelea by Puar

Lamentablemente esto no sucede, pese a que PUAR podría ser el primer proyecto pop argentino que logra estar a la par de las producciones realizadas por la “Liga del Nuevo Pop Chileno”, quienes hasta ahora lideran el nuevo pop sudamericano, a través del conglomerado formado por Javiera Mena, Alex Anwandter, Gepe, Dënver, Pedropiedra, Planeta No, Amanitas, La Entrópica y tantos grupos más.

-

17

MINE

LIDIA LEIVA • Pop intenso e intimista.

FOTO: Simon Hegenberg

Mine es el proyecto de Jasmin Stocker, una chica procedente de Mainz, cuyo descubrimiento es uno de los más interesantes de los últimos tiempos, aunque no nos sorprendería que pasara desapercibida por la oleada que hay de cantautores en solitario.

Con arreglos reflexivos y minimalistas, Mine se muestra como es, rodeándose de sonidos procedentes del jazz, el folk e incluso del hip-hop. En sus primeras apariciones ya se daba a conocer con su propio repertorio, tanto en EPs como De Mond lacht y Ziehst du, como en sus pequeñas presentaciones en diferentes cafés y escenarios, acompañada de otros músicos, como en el show que dio en Mannheim junto con una orquesta sinfónica.

Entre sus hazañas están algunos temas realizados con otros artistas, entre los que destaca “Offenes Herz”, de Samy Deluxe, con el que de hecho se dio a conocer en varios círculos.

En su único LP homónimo, que vio la luz en octubre de 2014, se incluyen trabajos procedentes de sus inicios, donde ya se vislumbraba un proyecto de carga emocional y de crudas atmósferas que vale la pena escuchar.

-

18

Låpsley

SAMUEL VALDÉS • Melodías compactas e introspectivas desde Liverpool.

Holly Lapsley Fletcher, conocida en el bajo mundo musical como Låpsley, es la más reciente joven prodigio de la música. Oriunda de Liverpool, desde pequeña se especializó en piano y en oboe, aunque su pasión se orientó más a música un poco más etérea.

Tomando las sensibilidades pop y traspasándolas al estilo chill y house, Låpsley encontró un estilo musical que mezcla a Bat for Lashes con James Blake.

Loops de voz, samples vocales manipulados y atmósferas minimalistas crean melodías compactas e introspectivas. Su primer EP, grabado y producido por ella misma durante su preparatoria, incluye temas melancólicos como “Pick me Up” y hasta un cover de “Blue Monday” (original de New Order).

Su carrera ha ido en un ascenso meteórico. Su segunda tocada en vivo fue en la carpa de BBC Introducing, en Glastonbury 2014. Desde entonces ha sido programada constantemente en BBC Radio 1 y es ahora parte del catálogo de XL Recordings, hogar de FKA Twigs y King Krule (entre otros).

Su más reciente EP, Understudy, salió el 5 de enero y su primer sencillo “Falling Short” es la perfecta carta de presentación a su sonido.

19

Awakening The Atoning Death

SERGIO BENITEZ • Death metal y hard core desde Bogotá.

Esta banda originaria de Bogotá, surge a mediados de 2012 con la idea de componer temas que hablaran sobre la realidad social de su país, descrita por ellos mismos como “agónica y falsa”.

Por ello, Awakening The Atoning Death (el despertar de la muerte expiatoria) invoca su nombre por la muerte que tuvimos que padecer sin esperarlo ni percibirlo. Y el despertar de ella sin quererlo, para nacer libres, sin pecado y con ira.

Luego de un par de ajustes en los integrantes que originalmente conformaban la banda, en junio de 2013 Awakening The Atoning Death termina de formar su alineación actual: Felipe Rozo (voces), Douglas Alape (guitarra líder), Max W. Melo (guitarra rítmica), Felipe Piña (bajo) y Camilo Trillos (batería).

Ese mismo año, el cuarteto bogotano lanza su demo Damm Resurrection, en el que muestran claras influencias de agrupaciones como Lamb of God, Deftones, Tool, Whitechapel o Mudvayne. A finales de 2013, la banda presenta su primer video “Inquisition’s Daugther”, extraido de su presentación en el Festival Distrital Rock al Kennedy, considerada por la banda como una de sus actuaciones más destacadas en la escena metalera.

En 2014 producen ellos mismos el videoclip de “My Own Insanity”; primer sencillo que se desprendió de su EP que incluye 2 temas más: “Defocused” y el que da nombre al disco, “Inquisitions Daughter”.

Awakening The Atoning Deathes es, en palabras de sus integrantes: “una declaración de guerra en contra de todo lo que pone un velo en nuestros ojos o cadenas desde niños tomándonos como presos en un mundo sistemático gobernado por los mismos y cubierto por las grandes potencias; esclavos, clérigos y gobernantes, nos incitaron a tomar parte de la resistencia mental e ideológica, rompiendo con los paradigmas, escudriñando en los textos sagrados y las declaraciones internacionales para plasmar en metáforas cortantes e hirientes las mentiras que ellos nos venden”.

-

20

Grupo de Expertos SolyNieve

MARÍA MERIOMA • Sureños de norte a sur.

El compositor Manuel Ferrón y Jota (Los Planetas) comenzaron en 2005 con las primeras grabaciones de Grupo de Expertos Solynieve, en un principio bajo los nombres de Ramón Alberto Aguirre Suárez y Julio Montero Castillo; nombres de dos futbolistas que hicieron historia en el Granada FC en los años setenta, porque por este proyecto se inhalan y exhalan aires granadinos y en un principio fue la manera de ironizarlo.

Su primer álbum, titulado Alegato Meridional, llegó en 2006 con 16 canciones que harían que su escucha fuera un indispensable de la música española al igual que las bandas a las que, en paralelo, pertenecen el resto de sus integrantes: Víctor Lapido (Lagartija Nick), Miguel López y Antonio Lomas (Lori Meyers).

El humor en la música si está bien llevado, resulta alentador y este es el caso, con ideas muy comprometidas con la realidad, desde lo rutinario hasta lo político, a lo largo de sus trabajos (dos LP y tres EP) comparten un discurso que se ha convertido su identidad, en una frase: “una forma ideal de dejar de pensar para seguir dando guerra”, como se definen en su cuenta de Twitter.

Los sonidos del género que han decido llamar “sureño” (base de flamenco, rock, pop) reaparecieron en 2014 en un nuevo mini álbum llamado Colinas Bermejas, que es el preámbulo de una nueva grabación con la que llegarán a México el 7 de marzo de 2015, en El Plaza Condesa.

-

21

Jessica Hernandez & The Deltas

SAMUEL BENITEZ • De la panadería al rock.

FOTO: Shervin Lainez

Jessica es originaria de Detroit y conoce la tradición musical de la ciudad, desde el soul hasta el techno. Fue allí donde aprendió todo lo que ahora proyecta en cada show. La mujer canta desde que tenía tres años; su asombrosa voz engaña, ya que nunca tuvo una formación vocal formal. Desde muy joven, Jessica buscó equilibrar sus estudios cantando en el coro y presentándose en todos los musicales de la escuela.

Durante sus tiempos libres, ayudaba a sus padres en la panadería familiar, ubicada en suroeste de la ciudad. Cantante y multi-instrumentista, Jessica es autodidacta en todo, aunque empezó a tomarse en serio la carrera de la música después de la secundaria. Aprendió a tocar guitarra, teclados y recientemente las percusiones, mientras escribía en cuadernos hasta llenarlos de canciones con letras folk.

“Con cada grabación he aprendido más acerca de lo que quiero hacer”, menciona Jessica, “pero en ocasiones también aprendí lo que debería haber hecho. Al escuchar tantos EP extraños desde el principio, me ayudaron a comprender lo que debería dejar de hacer mal”.

Su voz es a la vez llena de humo y brillante, mientras que su estilo vocal es por demás variado. Algunas de sus canciones recuerdan al viejo mundo del cabaret, para luego ser expulsadas por unas con toques modernos de indie rock o al estilo de la estética lounge pop, intensificadas por los efectos del sintetizador que las convierten en ritmos bailables.

Jessica ha ampliando constantemente su sonido, conduciéndose en una amalgama de blues, jazz vocal y neo-soul que cada vez se agudiza más y se acerca al rock.

En algún momento, Jessica consideró la posibilidad de seguir en la música como solo un sueño difícilmente alcanzable, y se contempló la opción de continuar trabajando en la panadería de sus padres. Sin embargo, se decidió por la música luego de una llamada de la Blue Note Records, sello discográfico icónico de jazz, que acababa de escucharla cantar.

Actualmente se hace acompañar por The Deltas, un grupo de músicos que la acompaña en cada presentación. Y así fue como lanzaron su álbum debut Secret Evil, publicado a través de Instant Records. En el disco pueden escucharse por igual partes de rockabilly y surf, pop, cabaret jazz y funky reggae, latin psych y gypsy punk.

Cocinado en el caliente pavimento de “Motor City” y sazonado con la combinación de clásico R&B y energético rock n’ soul, canciones como “Caught Up” y el sincopado “No Place Left To Hide” muestran la calidad de voz y ambición musical de Jessica Hernández.

Secret Evil se escucha fresco, centrado, y sorprendente; un álbum debut calificado como notable por la crítica especializada de una banda nueva que suena convincente.

-

22

Liricistas

CRISTHIAN SILIS • Ritmos y rimas desde Maipú.

La comuna de Maipú vio crecer a este dueto que inició sus andanzas a muy temprana edad, con la clara consigna de llevar el rap y toda la cultura del hip-hop a su gente.

Chile tiene una escena considerable de hip-hop y Liricistas hoy es uno de los grupos más representativos y activos del país, cuyo mensaje contestatario y rimas bien trabajadas y afiladas los han llevado a recorrer prácticamente todas las ciudades chilenas.

Es así como poco a poco han ido ganando aceptación, presentándose incluso al lado de artistas que no tienen que ver con su estilo, pero también apoyando nuevos talentos y editando una revista llamada Represento,   donde siguen dando rienda suelta a sus ideas.

La discografía de Liricistas se compone de tres títulos: Más Abajo (2007), 4 Life (de 2011, que se puede descargar desde su sitio oficial) y el más reciente No Dejes que se Apague (2014), y en cada uno de ellos es notable su crecimiento artístico, sin por ello sacrificar esa filosofía rebelde y crítica que los caracteriza.

De hecho, en No Dejes… las rimas son más personales que nunca y proyectan su idea de hacer crecer el movimiento hip-hop chileno, algo que deben estar consiguiendo, puesto que algunos de sus videos en YouTube rebasan los cinco millones de vistas.

-

23

Daniel Melingo

NICOLÁS GONZÁLEZ • Parte fundamental del rock argentino y de la música popular en general.

Talentoso multiinstrumentista, capaz de ejecutar tanto guitarra, como bajo, saxofón y clarinete entre otros, en la década de los setenta Daniel Melingo inicia su carrera acompañando al músico brasileño Milton Nascimento. Ya en 1980 se integra a Los Abuelos de la Nada junto a Miguel Abuelo, Andrés Calamaro, Gustavo Bazterrica, Cachorro López y Polo Corbella.

Su paso por “Los Abuelos” finaliza en 1983, cuando decide emprender otro rumbo junto a Los Twist, agrupación que había fundando un año antes junto a Pipo Cipolatti y con la cual se convertirían en una pieza fundamental del rock de la década de los ochenta, gracias a discos como La Dicha en Movimiento y Cachetazo al Vicio.

En 1984 es convocado por Charly García junto a Alfredo Toth, Willy Iturri, Pablo Guyot, Fito Páez y Fabiana Cantilo en coros para formar la banda que presentó el disco Yendo de la Cama al Living, y que luego grabó Piano Bar, uno de los puntos más altos en la carrera de García.

En 1985 Melingo retorna brevemente a Los Abuelos de la Nada, siendo esta, y por lejos, la mejor formación y el mejor momento del grupo:

Finalizando dicha década, Daniel Melingo colabora en España con Los Toreros Muertos, y forma Lions in Love, con la cual grabaríaLions in love (1989) y Psicofonías (1992), dando “fin” a su etapa rock.

Ya entrados los noventa, la carrera de DM se aleja del rock convencional para adentrarse dentro de géneros populares de la zona rioplatense, como el tango y la milonga. Y acá se pone interesante la cosa. Melingo, pese a ser un rockero, encarna desde mi punto de vista, la figura de la renovación de dichos géneros. Y esto pone de manifiesto algunas cosas: por ejemplo, la imposibilidad de la escena tanguera de reinventarse y de seguir adelante se hace muy patente, ya en épocas de Astor Piazzola (ochentas), señalado como “no tango” gracias a sus originales composiciones que no eran lo que se dice muy ortodoxas.

Dada esta incapacidad, no es extraño que una figura supuestamente “ajena” a dichos géneros sea justamente quien mantenga vivo el espíritu auténtico de estos ritmos, a diferencia de cantores típicamente del tango, que tienen poco y nada de tangueros auténticos, y que apenas se limitan a interpretar piezas clásicas y que son meras imitaciones de algo que ni siquiera alcanzaron a conocer.

Daniel Melingo, en cambio, reversiona, compone y reestructura un género que no poseía nada nuevo desde hace fácil treinta años, salvo por proyectos de enorme alcance mediático, pero de muy bajo vuelo cultural, como Bajofondo Tango Club, de Gustavo Santaolalla, o Gottan Project de los suizos Philippe Cohen-Solal, Eduardo Makaroff y Christoph H. Müller que se limitaron a fusionar el tango y la milonga con la electrónica.

En este sentido, la obra solista de Melingo es ampliamente superadora, tanto por su impronta como por el nivel de sus letras y por los músicos con los cuales ha sabido rodearse, llevando el tango y la milonga a escenarios tanto norteamericanos como europeos, y logrando permanentes ovaciones, premios y menciones en todos lados.

En 2014 DM editó Linyera*, álbum en el cual admite sentirse inmensamente identificado “con la libertad anárquica del linyera” y en el cual se lo puede oír cantando cosas como “Linyera soy, lo que gano lo gasto o lo doy. No sé llorar, ni en la vida deseo triunfar. No tengo norte, no tengo guía, para mí todo es igual.”

Sin dudas ni miedos, recomiendo la investigación de todo el trabajo de este verdadero artista, caracterizado por el buen gusto permanente, tanto dentro del rock como del tango, e inclusive las entrevistas que puedan encontrar en Youtube son de sumo interés.

https://play.spotify.com/album/76KADeRYGCBdLPa1xzQm4r

* Linyera viene del italiano dialectal (piamontés) “lingera”, o sea vagabundo, alguien que no tiene casa ni trabajo. Se usa mucho en el idioma lunfardo (español rioplatense, especialmente argentino). A fines del Siglo XIX y principios del XX “linghe” era el nombre con que algunos inmigrantes italianos llamaban al bulto de ropa y escasas pertenencias que llevaban al hombro.

-

24

Jens Friebe

LIDIA LEIVA • Ambigüedad y exquisitez a tope.

FOTO: Mikko Gaestel

Después de tres años como integrante de bandas relativamente desconocidas como Parka y Bun Khu Sha Youth, el musicólogo y escritor Jens Friebe emprendió su proyecto en solitario hace unos diez años.

Procedente de Lüchenscheid y residente de Berlín, Friebe debutó con el disco Vorher Nachher Bilder, del que se desprendió el sencillo “Gespenster”, con el que obtuvo las mejores críticas del mercado, que lo colocaron como una revolución para el pop independiente de Alemania.

Desde entonces ya se advertía esa ambigüedad que caracteriza a nuestro personaje, siempre dentro de una corriente intelectual pero al mismo tiempo hedonista en sus diversas facetas como escritor, compositor apegado al arte andrógino (donde se asoman el pop, el punk, la chanson y el electro) y hasta crítico musical.

Tras cuatro años de pausa, en septiembre de 2014 presentó su quinto álbum de estudio Nackte Angst zieh dich an wir gehen aus; un material de once cortes apocalípticos y de psicodelia multicolor, donde los cambios y altibajos son evidentes e imprevisibles entre canción y canción.

Se trata de un material exquisito, diferente y lleno de buen gusto, quizás por la multitud de influencias y los cambios sonoros que descubrimos conforme avanzando el disco. Una grabación con la cual, por cierto, Friebe sale de gira este año por Centroeuropa.

25

Fake Laugh

CYNTHIA RODRÍGUEZ • Pop para entretenerse mientras regresa el verano.

Como las risas enlatadas de algún programa de comedia, la música de Kamran Kahn, a.k.a. Fake Laugh, está lista para abrirse.

Fake Laugh es el nombre que toma Kahn para este proyecto, en el que toca en vivo junto al baterista Joe Davies, el bajista Nason Neill y el guitarrista Hassan Anderson. Sin embargo, graba todo por su cuenta desde su cuartel en Londres.

La única influencia que menciona en su página de Facebook son The Beatles. Como los máximos exponentes en la historia de la música británica, va al grano con un sonido libre de complicaciones mientras toma a la experimentación con los brazos abiertos.

Hay algo de lo-fi en su pop rock, algo que nos lleva al otro lado del Océano Atlántico hasta las costas californianas. O, sin irnos tan lejos, a tomar un tren hasta Brighton, el Isla del Padre o Acapulco de los londinenses.

El año pasado sacó por su cuenta Freely EP, originalmente en casette, como edición limitada de 100 copias. Aún pueden conseguirlo a través de Bandcamp por poco más de $100 pesos. Incluye la edición digital, para quienes gustan lo mismo del ayer que del hoy.

Y aunque no sea exactamente lo ideal para un rave, la directora Lucia Masters juega con videos tomados en este ambiente para el video de “As I Get to Know You Better”:

Fake Laugh acaba de firmar con Fierce Panda, disquera especializada exclusivamente en lanzar sencillos. El primero de ellos es “Kinda Girl”, a la venta desde la semana pasada por solo 40 pesitos y viene con el lado B “Dopey Head”, que no fue dado a conocer sino hasta la fecha del lanzamiento.

Lo mismo pasó con este video de Kahn, tocando una versión acústica de “Kinda Girl” en un bote desde Mile End hasta Haggerston mientras sus amigos descansaban y la gente disfrutaba del buen clima de agosto. Algo con qué entretenerse en lo que regresa el verano.

-

26

Girlpool

SERGIO BENITEZ • Punk, en el peor sentido de la palabra.

FOTO: Alice Baxley

Amigas desde el inicio de su complicada vida escolar, Harmony Tividad y Cleo Tucker son algo así como las chicas malas del colegio, gritando su furia femenina a través de los pasillos.

Ella tienen un mensaje y lo cantan gritando y agitando la cabeza. En su EP debut homónimo, Girlpool aborda temas que van desde la libre expresión, hasta las noches de sábado y los chicos ebrios. Es simplemente girl power: difícil, divertido e inquebrantable.

Malcriadas y salvajes, estas chicas de Los Ángeles resultan implacables; sus voces se enfrentan en una batalla de ida y vuelta entre el grito y el canto; por separado o en conjunto se vuelven únicas y desafiantes.

En una combinación imposible de ignorar, cuando Tividad y Tucker se presentan en una fiesta, simplemente suben a hacer lo suyo; un ruido que se mete hasta el fondo de las cabezas de quienes las escuchan y todo eso sin la potencia de una batería que las acompañe.

Si la rebeldía tuviera sonido, probablemente sonaría como Girlpool. Esta es una descripción que ellas mismas harían de su música; son mucho más honestas y menos pretenciosas; pero ¿qué es la honestidad, sino una forma de rebeldía contra las expectativas? Y Girlpool trastorna las expectativas en todos los sentidos, ya que utilizan solo una guitarra y bajo, acompañando la rabia de su voz para crear rock erizado y potente.

El enfoque simple y directo que dan a su sonido, permite que sus letras ocupen un lugar central dentro de las canciones, con letras dolorosamente genuinas y directas. Por encima de todo, la banda valora su vulnerabilidad, como reiteran en cada entrevista y como se percibe en la potencia de su música. Lo suyo es como un pequeño infierno con un montón de diversión para escuchar. Ninguna de sus canciones rebasan los tres minutos; sin embargo, para el dúo californiano es tiempo suficiente para explorar metódicamente cada melodía.

A pesar de lo poco que se presentan en directo, han sido bien recibidas por la crítica y el público. Sus ensayos, primeras tocadas, gritos, letras, su primer EP y sus conciertos son como cuando la campana anuncia el fin clases para iniciar el verano.

Es punk, en el peor sentido de la palabra: fresco, crudo, y sin concesiones, una llamada de vuelta a la época dorada del excepcional riot grrl.

-

27

Plástico

MARÍA MERIOMA • Un disco que tuvo que esperar casi cuatro décadas para salir a la luz.

Es posible que la forma de definir a Plástico sea: una semilla de la que surgieron tantas ramas, que la cubrieron hasta olvidarnos de ella. La Movida Madrileña de los años ochenta no llegó sola, frecuentemente se nombra a Kaka de Luxe como el detonante de lo que venía preparándose para explotar en los rincones de Malasaña, pero no fueron los únicos… Plástico fue una banda que también estuvo en el mecanismo de esa bomba musical, cuyo estruendo superó las fronteras españolas.

La importancia de Plástico en la movida madrileña viene de su primer sencillo, “Patinete Homicida”, que podría considerarse el primero de la nueva ola madrileña, y que llegó temprano, a finales de los años setenta.

Después de grabar su único álbum, que quedó por completo en el olvido, los integrantes de Plástico desarrollaron sus carreras en otros conjuntos, todos emblema de la movida madrileña. Eduardo Benavente (voz y líder) formó parte de Alaska y los Pegamoides y Parálisis Permanente; Toti Árboles (batería) también estuvo con Alaska y los Pegamoides, además de Flash Strato, Dinarama, Seres Vacíos, Parálisis Permanente, La Frontera y La Unión, entre otros grupos. Luis Carlos Esteban (teclados) pasó a ser parte esencial de Olé Olé y Rafa Gutiérrez (guitarra) a ser la guitarra principal de Hombres G.

Lo que vale la pena de un revival musical es acceder a esas bandas que se quedaron de lado en una época y no por su falta de calidad o de talento, sino porque ese tiempo no los acompañó para consolidarse.

De modo que hoy podemos escuchar algo casi completamente nuevo para nuestros oídos, pero que se gestó en la época más perseguida por los nostálgicos de hoy: los ochenta. No son versiones, ni imitaciones y tampoco inspiraciones, es algo completamente auténtico.

Así que tuvieron que pasar 36 años para que Subterfuge Records, uno de los sellos con más historia e importancia en la música independiente de España, rescatara y editara por fin aquel álbum homónimo. Esta es la grabación íntegra, y hasta el año pasado inédita, que el grupo hizo en los estudios Hispavox en 1979. ¿Se puede pedir más autenticidad que la del sonido de la época?

28

Diosque

NICOLÁS GONZÁLEZ • De lo acústico a lo electrónico.

FOTO: Luis Sens

Diosque es un proyecto que en el último año ha despertado numerosas críticas favorables, gracias a su último disco Constante, con el cual se estará presentando en la próxima edición del Festival Nrmal.

Juan Román Diosque es otro exponente de la tendencia argentina que cambia la guitarra por el sintetizador, y hace bien. Pero también se diferencia del resto de sus colegas en el camino aparentemente inverso que viene realizando dentro de la industria musical. En 2007 edita I Can Cion; un disco grabado en casa con una guitarra criolla y una computadora, y donde se lo puede ver en su faceta de cantautor, intentando derribar algunos límites, pero irremediablemente impedido por la propia limitación del instrumento.

Le sigue Bote (2011) ya en formato banda, y en un estudio de grabación profesional. Es notable como este es el momento en el cual Diosque comienza a acercarse a la electrónica. Cosa que hará finalmente en 2014, con la edición de Constante, donde, además de estudio profesional, también cuenta con el trabajo de no uno, sino dos productores artísticos: Jean Deon y Marcos Orellana, ambos integrantes de Michael Mike, otro grupo que sabe sobre marchar desde lo acústico a lo electrónico.

Bote by DIOSQUE

Hasta aquí lo normal. El crecimiento sostenido de recursos hace que se pueda pasar de la autoproducción casera a una producción profesional. Cómo lograr ese crecimiento sostenido es otra cuestión. Pero lo inverso en el caso de Diosque, y lo que marca una pauta en el sector discográfico independiente argentino, es que el primer trabajo fue editado por una multinacional (PopArt), el segundo salió de manera independiente por un sello peruano (plastilina records), y el tercero por un sello chileno (Quemasucabeza).

Otra diferencia de Diosque es que nadie diría que “lo primero estaba más bueno”. Definitivamente el último disco es el mejor hasta ahora, dado que suma en recursos pero también en ideas, y obviamente el resultado es mayor. Musicalmente es un caleidoscopio, aunque líricamente puede que por momentos uno se pierda, por el enmascaramiento de la voz, algo similar al estilo de Coiffeur.

Por lo demás, Diosque es una persona que tiene vuelos de inspiración mucho más altos y volátiles, y más electrónicos que acústicos, diluyendo música regional con el 8bit y el popdance, o como en “La Cura” (¿best track?) donde se nos da una idea de lo que hubiesen sido Los Abuelos de la Nada haciendo dreampop.

29

Django 3000

LIDIA LEIVA • Una esperanza para la música balcánica.

Cerramos el mes con el reciente lanzamiento de Django 3000, un trabajo que vio la luz justo esta semana.

Y es que el cuarteto de Chiemgau (Baviera) no da tregua desde su fundación en el año 2011. Su último proyecto da impulso a un espíritu optimista y podría considerarse como una esperanza para la música balcánica, que a veces se estanca en el olvido.

La banda debutó con el single “Heidi”, y desde ahí comenzaron a ser un icono del folk pop en Baviera por su estética y su música. Un éxito considerado por la banda como una estrella fugaz; una motivación con la que seguir avanzando y con el que muchos amantes de la música folk gozaron en los escenarios de festivales como Chiemsee Reggae Summer Festival 2013 o Heimatsound-festival 2014.

Durante 2014 los de Chiemgau han girado por Rusia con la banda finlandesa Jaakko Laitinen y Vaara Raha, lugar donde encontraron buenas influencias para la composición de su último compendio, entre vodkas y cigarrillos.

Bonaparty sintetiza el significado de esta banda de contenidos sonoros multiculturales que danzan entre el pop, el folk y el jazz, gracias a los acompañamientos de guitarra, violín, percusión y la incorporación de golpes rápidos, muy bien sacudidos por parte de sus componentes Kamil Müller, Florian R. Starflinger, Michael Frenzl y Jan-Philipp Wiesmann.

Un proyecto de buenas vibraciones que nos incita al movimiento constante en este frío invierno por su energía y tonos cálidos a ratos, así como por sus ritmos arraigados a la música balcánica y sus audaces voces. Desde la primera escucha se deja ver la cara más dura de la banda con rasgos bastante toscos, pero también una explosión melódica, como se puede escuchar en estos doce temas más un bonus.

El grupo no tiene disponibles para Latinoamérica sus clips más recientes, pero puedes escuchar el disco completo aquí.

Copyright © 2014-2015, LAPOPLIFE

Esta revista es producida gracias al Programa “Edmundo Valadés” de Apoyo a la Edición de Revistas Independientes 2014, del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Visita:

http://www.lapoplife.com/
facebook.com/LaPopLife
twitter.com/LaPopLife